Marin buriné embarqué pour gérer une entité bien différente de tout ce qui a pu être fait auparavant : une PME appartenant à un géant, tout en étant indépendante, avec une raison sociale différente.
Une nouvelle façon de penser le premium d’une marque grand public.
Innovation dans la gestion pour tenter d’en assurer le succès.

Rendez-vous donc avec Maurizio Donadi, senior vice-president de Levi’s® XX et Arturo Carrero, directeur marketing d’idem, un midi de juin près de Belleville.
Un Arturo que nous avions déjà manqué l’été dernier parce que l’un de nous était arrivé en retard car trop fêtard…
Fois deux, les petits points…

Session de rattrapage donc, une discussion rapportée brute.
Mieux vaut tard que jamais.



Peux-tu nous parler un peu de ton parcours ? Comment es-tu passé d’un travail d’ouvrier sidérurgiste à senior vice-president de Levi’s® XX ?

La chance. Ce que je peux dire, c’est que mon rapport au travail est peut-être différent… J’ai eu un début difficile : après avoir été ouvrier sidérurgiste, je suis devenu manutentionnaire pour Findus. Je suis passé d’une sidérurgie à un entrepôt où la température avoisinait les -40 en plein été. Ce type d’emploi te marque à vie. Ce n’est pas un boulot de trois jours, c’est une année entière et t’as 21, 22 ans, tu réalises alors que ton dos est cassé par la chaleur et le soleil. Tu passes de trois ans et demi à forer, à travailler à -40°C et tu as l’impression que cela ne cessera jamais. Tu as 20, 21 ans et tes rêves sont brisés. Et tout ceci m’a poussé, un peu par hasard, vers le secteur de l’habillement. Là, j’ai eu l’impression d’être en vacances. Du jour au lendemain, je suis envoyé à Paris, c’est ici que j’ai commencé, en 1990, dans un entrepôt rue de Rennes. Je vivais dans un hôtel décrépit appelé hôtel Saint Sulpice, au dernier étage. C’était un hôtel-studio, studio pour certains, hôtel pour d’autres. Moi, j’ouvrais la porte de l’hôtel le samedi et le dimanche, car je ne travaillais pas le week-end, j’étais à Paris et c’était un rêve. Tout ça, je ne l’oublierai jamais. Et Arturo et mon équipe savent que mes standards au travail sont un peu hauts… ou plutôt : intenses. L’intensité est en fait ce que j’aime. Et tu sais, tout le monde ne travaille pas à la même vitesse ou avec la même intensité mais je choisis mes projets, professionnellement, en fonction de leur intensité.

Et cette intensité se traduit comment chez Levi’s® XX ?

Je pense que c’est vraiment similaire, ou alors peut-être que je vieillis… Je pense que l’intensité est la même. C’est quelque chose que tu devrais demander à mon équipe. C’est difficile de répondre s’agissant de moi-même.

Arturo : À propos de cela, je dirais que l’intensité physique dans son travail s’est transformée en une réflexion permanente. Il est une machine à idées et projets, une machine qui ne s’arrête jamais. Il pourrait être éveillé 24h par jour. Ce qui était physique est devenu mental.



L’idée sur laquelle repose Levi’s® Made & Crafted™ est « ce que serait Levi’s® si la marque débutait aujourd’hui ». À quel point est-ce difficile de travailler avec une marge de manoeuvre si importante et de prendre la distance nécessaire avec l’histoire de la marque ?

La mission de Levi’s® XX est de redonner à Levi® Strauss & Co. le statut de leader spirituel de l’American lifestyle. Levi’s® Made & Crafted™ est la marque représentant le futur de Levi’s®. C’est une compagnie qui a commencé il y a très longtemps en étant très innovatrice et qui ces vingt, trente dernières années a préféré passer l’innovation au second plan. Donc l’idée de créer une marque – mais je ne suis même pas sûr que l’expression « créer une marque » soit adaptée dans le cas de Levi’s® Made & Crafted™ -, c’est plutôt de travailler sur un projet qui a un certain nom, à l’intérieur duquel il s’agit de comprendre le lien entre héritage et innovation.

C’est une sorte de tension avec laquelle vous devez travailler…

Oui, à Amsterdam, nous avons deux marques. Il y a Levi’s® Vintage Clothing, facile à comprendre car LVC est totalement tournée vers le passé. Levi’s® Made & Crafted™ doit, elle, être tournée vers le futur, mais pas le futur comme quelque chose s’approchant de la science-fiction, le futur dans l’idée de la marque de demain. Tu regardes les gens autour de toi, au-delà de leur style personnel, le mélange, leurs personnalités, leurs forces, leurs faiblesses, leurs talents, ou leur absence de talents car beaucoup de gens dans la mode n’ont ni talent ni goût, c’est la globalité. Tu regardes dans la rue, c’est étrange, très étrange. Mais je pense que la majorité a créé un style confortable, d’une certaine façon. Ce confort est quelque chose qui fait partie du quotidien, ce n’est pas un look endimanché. Ça devrait être un style de tous les jours et de tous les instants ; certaines personnes mélangent le pratique et le confort d’une façon très intéressante. Je n’ai pas de marques qui me viennent à l’esprit mais cela pourrait être un pantalon de travail avec un beau vêtement d’extérieur, une island jacket, en gore-tex, réversible avec une capuche amovible et tu la portes avec un pantalon de charpentier.

C’est la force du sportswear…

Oui et c’est cette tension que nous devons comprendre pour Levi’s® Made & Crafted™.

La marque est donc vraiment ancrée dans le sportswear, le sportswear entendu comme un mélange des styles, quelque chose de très moderne…

Tu mélanges l’ancien et le nouveau, tu mélanges le coton avec des matériaux très techniques. Tu mélanges le domicile et le voyage. Tu mélanges du travail technique avec du sportif tout aussi technique. Tout ça est très attirant quand tu travailles sur un projet comme Levi’s® Made & Crafted™… Je ne suis pas en train de te décrire ce qu’est aujourd’hui Levi’s® Made & Crafted™, mais c’est ce vers quoi nous nous dirigeons. La marque est récente, elle n’existe que depuis quatre saisons. Nous avons jeté les fondations : de bonnes coupes, de bonnes matières, une fabrication tout en détail et une très haute qualité. C’est ce que nous aimons, mais du point de vue du style, nous évoluons à chaque nouvelle saison. Bien que nous respections le fait d’être une marque de denim, nous réussissons à penser et développer la marque comme si elle n’était pas issue du denim. Nous voulons être plus qu’une simple marque de denim. Pour les prochaines collections, la marque sera un mélange d’héritage et de moderne, d’ancien et de nouveau, d’art et de science.



Au regard de la mode d’aujourd’hui, Levi’s® Made & Crafted™, en essayant d’intégrer de nouveau le concept de modernité se démarque nettement dans l’offre actuelle, phagocytée qu’elle est par le retour aux sources…

Il y a de très belles marques que j’admire pour le courage qu’elles ont. Par exemple et en premier lieu : Visvim. Visvim a fait un très bon travail en s’inspirant des États-Unis tout en innovant. Le problème est que leurs chemises valent 730€… Je considère que Watanabe est génial mais c’est de la couture. Les deux sont très intéressants mais c’est de la mode, c’est du sportswear de luxe, c’est très cher. L’approche de Watanabe est casual. Les pantalons ne sont pas coupés normalement, les fondamentaux du stylisme sont remis en cause. Si tu travailles chez Armani où l’obsession de tous les tailleurs est l’épaule, où si l’épaule ne tombe pas comme il faut, tu es viré. Le matin, quand tu vas au travail, tu penses à l’épaule, tu vas manger des spaghetti, tu penses à l’épaule. C’est obsessionnel. Pourtant, ce n’est plus ça la bonne mode, regarde Yamamoto par exemple, il n’y a même pas d’épaule, c’est du drapé. Je sors d’Alaïa, un architecte, c’est incroyable, ce qu’il fait est particulier, c’est presque impossible à reproduire en de grandes quantités, c’est artisanal. Tout ce qu’il fait est si complexe, si spécial. Ce genre de choses est incroyable mais ils sont seulement deux ou trois dans le monde. L’influence des coupes qui ne vont pas vraiment bien – pour les hommes je parle, pour les femmes c’est un peu différent – je trouve tout cela très intéressant et nombre de ces idées, l’obsession de Visvim pour l’Amérique, Watanabe et son esprit casual, tout ça est très Levi’s®. S’il y a une entreprise dans le monde qui a bien créé le style de vie américain, c’est Levi’s®… Nous aurions pu, lors les cinquante dernières années, devenir même une maison de mode si nous l’avions voulu mais Levi’s® a décidé de ne pas faire cela et de devenir une simple entreprise de biens : volume, prix… C’est une belle opportunité.

Peut-être après Levi’s® Made & Crafted™…

(rires) Après Levi’s® Made & Crafted™… Levi’s® est la marque la plus neutre du monde, vraiment. En termes d’inspiration, ce n’est pas seulement une paire de jeans ou un 501, mais l’esprit de la compagnie, ce que la compagnie a représenté pendant les années 1930, 1940, 1950, 1960, 1970. Ce qui est génial c’est que la personne, les gens qui connaissent Levi’s ont une meilleure idée de ce qu’est Levi’s® que Levi’s® elle-même. C’est incroyable.

Tout le monde a une histoire avec Levi’s®…

Maintenant que la compagnie est en train de changer, on est en train de développer des trucs très intéressants. On n’est plus divisé par régions : l’Asie, l’Europe, l’Amérique. Maintenant, il y a une compagnie globale avec son centre de création à San Francisco, et Levi’s® XX, la division d’Amsterdam, qui est éloignée, presque expérimentale. Toutes ces choses sont très intéressantes. Il y a cinq, dix ans, Levi’s® n’était pas prêt pour une chose pareille.

Ils ont lancé Levi’s® Vintage Clothing il y a dix ans pourtant…

Ça a commencé en 1999 en tant que véritable marque, le projet avait peut-être commencé un an plus tôt. Mais pour un Levi’s® Vintage Clothing qui a duré, ils ont probablement développé vingt marques, des marques premium qui n’ont pas fonctionné.

C’était déroutant, il y a quelques années, en tant que consommateur, toutes ces marques Levi’s®. Je ne savais même plus quoi acheter…

Bien sûr.



Et maintenant, vous créez le vintage de demain, avec tout ces produits de qualité, d’autant plus avec votre parcours là-dedans (ndlr : il possédait le magasin de vintage Outlander à Miami)… Avec l’idée que quelqu’un en 2080 trouvant un de vos produits pourra se dire : « ah c’est un vêtement de la collection 2011″…

C’est l’idée. Quand tu travailles dans une catégorie plus premium, tu as le luxe de pouvoir investir dans la qualité, celle qui est à la fois dans la fabrication et dans les matières. Donc en 2080, il y a de fortes chances que tu trouves une paire de LVC qui sera en très bonne condition. Ce sera une antiquité. On achète aujourd’hui des produits des années 1950, 1940 ou 1930, l’idée de continuer à produire des vêtements qui dure longtemps est très importante. Ce que je veux dire, c’est que la durabilité est notre obsession première, nous voulons des objets qui durent vraiment longtemps. C’est donc le contraire de la mode qui a, elle, l’obligation de changer tous les six mois.

Tout dépend de quelle mode on parle, il existe encore des compagnies travaillant sur un rythme différent de celui des saisons.

Oui, il y en a cinq, peut-être six.

Vous voulez donc ralentir le rythme de la mode…

Il y en a peu qui fabriquent pour durer. Hermès est peut-être l’un d’entre eux. Ils ne sont pas beaucoup…

C’est pour cela que vous portez autant d’attention aux matières, aux coutures et aux détails…

Oui, absolument.

Comme cette chemise à col américain sur laquelle les boutons du col étaient cachés, justement…

Ce sont les détails qui rendent un objet spécial, or nous faisons en sorte de les faire bien, ou en tout cas du mieux que nous pouvons. C’est quelque chose que nous avons instauré dès le début. Lorsqu’une marque se veut premium, elle est obligée de produire de bons produits et je m’énerve à chaque fois que je vois un produit pas bien fini. Nous devons surveiller ce que nous faisons. Tu vois ce que je veux dire. Au lieu de dire : ça, c’est commercial, on va le mettre, on va le vendre. C’est bien mais c’est pas bon, c’est pas assez bien fait. On peut le faire maintenant parce que la compagnie est petite, peut-être que dans trois, quatre ans, ce sera différent. Si un jour la qualité ne suit plus, je pense pas que j’aurai envie de rester. Pour moi, la qualité est importante.



C’est une condition sine qua non. Ça revient à la vie et la matérialité du produit, au fait qu’il vieillisse particulièrement et en fonction de la personne qui le porte. C’est quelque chose que vous cultivez beaucoup avec par exemple l’arcuate qui apparaît au fur et à mesure…

On a joué un peu avec ça pour avoir une différence entre Red Tab et Levi’s® Made & Crafted™. On a développé cinq ou six paires de jeans Levi’s® Made & Crafted™ fabriquées aux US avec des coupes modernes et la couture apparente. Ils ne sont disponibles qu’aux USA pour le moment.

Car ils ne sont pas prêts pour l’arcuate caché ?

C’était un test qui s’est d’ailleurs très bien passé. On envisage donc d’importer cela en Europe. Et au Japon évidemment.

Tu penses que les Américains ne se sentent pas à l’aise avec l’arcuate caché ? Parce qu’ils ne reconnaissent pas la marque ?

Je pense que c’est une obligation pour Levi’s® d’être reconnu grâce à l’arcuate. Cela fait partie des choses à propos desquelles notre département légal est très strict : le red tab, les coutures, l’arcuate. Ce sont des choses très importantes pour notre compagnie. C’est la valeur même de la compagnie, donc on doit les continuer à les utiliser.

Donc quand vous avez décidé de cacher l’arcuate, était-ce pour faire comprendre à vos consommateurs que vous deviez le porter pour avoir enfin un vrai Levi’s® (ndlr : l’arcuate caché apparaît au fur et à mesure que la paire est portée) ?

J’ai l’impression que la question de l’arcuate a été plus difficile à présenter à l’interne qu’à l’externe. Les clients (ndlr : les magasins) disaient « oh, ok!, c’est une bonne idée » ou « j’aime pas » ou « j’achète pas, c’est pas Levi’s » mais nous avons eu très peu de réticence. À l’interne, l’équipe design, celle du développement de produits, le département légal, ça a été un peu plus difficile…

Vous avez remis en cause les fondations de Levi’s® en quelque sorte…

Oui bien sûr, on a secoué le patron, « oh non, non, non, vous ne pouvez pas faire ça ». Bien sûr que nous le pouvons.



C’est pour cette raison que Levi’s® Made & Crafted™ existe, pour défier la marque, non ?

Oui, je veux dire, ce n’est pas grave, on ne lutte pas contre le cancer. C’est intéressant de jouer un peu avec l’histoire de la marque. Le consommateur découvre aussi le projet de cette façon, c’est intéressant. Ça ressemble à une paire de jeans, petit à petit, il la reconnait. C’est le fait que ce soit intéressant de découvrir une marque, de la faire sienne. J’aime bien me dire que j’ai découvert A.P.C. il y a vingt ans. C’est intéressant aujourd’hui alors que des marques comme elles dépensent quarante mille dollars dans des campagnes de publicité pour vous faire acheter quelque chose ou pour vous faire sentir coupable de ne pas consommer. À l’inverse, il s’agit avec nous de découvrir une marque ou un projet. C’est d’une certaine façon comprendre les gens qui sont derrière la compagnie. Si tu n’es pas un mec sympa, je ne t’achèterai pas de chemise. Si tu n’es pas sympa, je n’ai pas envie de soutenir ton projet ni d’être ton ami. C’est comme ça. Et si tu as un très bon produit mais que tu n’est pas sympa, je ne veux rien avoir à faire avec toi. C’est la vie. Et si tu es sympa, j’achète et tu peux compter sur moi. C’est ce qu’une marque devrait avoir, un vraie histoire. Si ce n’est pas le cas, c’est juste du marketing.

C’est repenser tout le processus business et marketing. L’ère « Big is beautiful » est finie, les consommateurs ont changé…

Global veut dire beaucoup de local. Et je pense que “grand“ n’est rien sans beaucoup de “petit“ ensemble. Je crois que la mission que nous avons chez Levi’s® XX, pour notre division, c’est d’être sous-distribué partout dans le monde. Tant qu’on peut payer le loyer, faire de l’argent, embaucher plus et créer des produits intéressants. On a besoin de grandir ? À quel point ? Je ne sais pas. L’objectif d’une marque premium est d’être un petit peu difficile à trouver, un petit peu spécial dans un monde où « spécial » ne veut justement plus rien dire. Donc je pense que « less is more, and a lot of less could be big ». Nous ne sommes pas obligés d’utiliser les canaux traditionnels ou de faire de la pub, du marketing ni d’avoir un énorme magasin en propre. Chez Levi’s® XX, nous ne pouvons même pas nous permettre ce genre de choses en fait.

Et vous n’en avez même pas besoin…

Nous n’en avons pas besoin mais ce serait bien de faire un peu plus.

Tu as un compte sur le forum Superfuture, mais tu ne postes jamais…

Oui j’ai un compte.



Je crois que c’est le plus gros thread à propos d’une marque, plus de 1400 pages sur Levi’s® Vintage Clothing et Levi’s® et quand une marque a ça, elle n’a pas besoin de publicité. Tout le monde se partage liens, infos et points de vue, où acheter et discuter chaque produit…

Si on commence à être impliqué, on va perdre un peu de la liberté d’être en dehors. Ce n’est pas être snob, mais une fois que tu en fais partie, tu en fais partie. Cela veut dire que tu dois participer et je ne préfère pas. En fait, je ne suis même pas la bonne personne pour cela. Beaucoup de discussions sur Superfuture sont techniques, ça parle denim, matières, coutures. Je ne suis pas le meilleur pour ça. Je préfère être spectateur et apprendre un peu plutôt que dire que tel ou tel est le bon denim ou quoi que ce soit.

C’est ce qui est typique chez Levi’s®, comme tu dis, c’est neutre. C’est un canevas…

Oui, c’est un canevas. J’aime vraiment cette définition.

Et ensuite, tu fais ce que tu veux avec la marque. Il y a tellement d’experts de Levi’s®, Paul Trynka par exemple…

Oui, ces gens ont dédié beaucoup de leur temps à ce sujet. Le truc avec le denim, c’est marrant… Les matières dans les années 1920, 1930, 1940, 1950 étaient faites par Cone Mills, Caroline du Nord. Tu as une pièce avec quatre cents machines. La nuit, seules deux cents fonctionnent, les vibrations sont différentes, le sol bouge différemment, donc la matière a une densité différent. Ainsi, entre le jour et la nuit, tu as deux matières. Tu te retrouves donc avec deux paires imparfaites de jeans. Laquelle est parfaite ? Ce n’est pas à moi de le dire. C’est aussi simple que ça. Tous les gens disant que cette toile n’est pas celle de 1947… C’est presque impossible de déterminer celle qui est bonne et celle qui ne l’est pas.

Il n’y a ni bonne ni mauvaise car chaque matière a une vie propre. Il n’y a pas de bonne ou de mauvaise production…

Exactement, surtout à cette époque, où toutes les machines étaient les mêmes mais pas localisées au même endroit et tu n’obtenais même pas la même matière.

C’est pour ça que chacune vieillit différemment.

Tu penses qu’on devrait être sur Superfuture ?



Non, vous n’en avez même pas besoin. Les membres postent quatre pages par jour par eux-mêmes. Ils rédigent même des livres comme Jeans of the Old West…

Celui-ci est vraiment bien.

Oui, très spécifique, l’auteur était à votre magasin de Malibu dernièrement…

Michael Harris. Il est très fort. Il fait partie du petit groupe qui descendent encore dans les mines à la recherche de vieilleries.

Tu ne fais pas ça ?

Non, personnellement non. J’ai deux paires que je lui ai achetées, qui viennent d’une mine du Nevada, des jumelles, elles ont été trouvées ensemble.

C’est d’ailleurs ce qui est intéressant dans le livre de Lynn Downey. Chaque pantalon est différent, avec une patine racontant une certaine histoire…
Vous envisagez d’utiliser le style ou l’image de quelques personnes-clés ayant participé à créer le mythe Levi’s® comme Eddie Cochran par exemple ?

Bien sûr, on a des livres, des images, pour LVC, on jette toujours un oeil dans le rétroviseur, quelque fois pour Levi’s® Made & Crafted™ mais il n’y a rien de particulier nous servant d’inspiration, pas à ce stade. On a des images des années 1920, mineurs, cols-bleus, Easy Rider, mais tu sais, toutes les compagnies du monde ont les mêmes moodboards. Toutes les entreprises ont James Dean, Steve McQueen, Brando, ça fait partie de l’histoire américaine. C’est toujours une combinaison de différentes personnes, différentes choses. Quand je travaillais pour une autre entreprise, ils prenaient Hemingway. Hemingway est dans les bureaux de design, mais certains prennent la vie entière de Hemingway, de la pêche à la pipe et au safari. Ils passent au crible toute sa vie et développent un thème. C’est quelque chose qui se fait surtout dans les maisons de couture, de mode, mais chez Levi’s®, nous nous intéressons plus à des groupes de personnes. Ce moment pourrait être intéressant : vêtement de travail, cuir, armée. Ça pourrait nous inspirer pour un thème. C’est un canevas. Je pense à ta définition de Levi’s® comme étant un canevas, je m’en rappellerai. Je l’utiliserai car c’est neutre et tu peux commencer avec un canevas blanc et tu ajoutes ensuite différentes choses. C’est vraiment pertinent.

Merci.

Alors, on l’a regardée en ligne sans payer ni subir la publicité d’intro systématisée, pirates que l’on est, selon le jargon du négrier grillé de la culture univers-sale.
On est passé par megaupload pour regarder cette émission si annoncée, dernière ligne droite pour Oprah Winfrey qui vient tout juste de terminer son show, hier à 16:00, heure d’Oprahville. Alors pour tirer sa révérence, elle a décidé de se faire kiffer.
Après avoir discuté une première fois avec le souverain pontife de la frusque occidentale en 2002, elle a remis le couvert en guise de bouquet final.

On avait naïvement imaginé que la rencontre ne tournerait pas en une ode au rêve américain, le petit juif fils d’émigrés russes devenu gardien du temple de la mode comme on l’aime, bon mari bon père de famille dans son ranch Double RL pour Ricky & Ralph Lauren face à la gamine pauvre sans paternel devenue reine du divertissement pas que télévisuel.

On laisse de côté le fait qu’Oprah essaie l’espace de 5 minutes de nous faire croire que c’est une cowgirl avec son forcément gilet RRL au motif amérindien et son chapeau de ranchero pour mieux revenir à son style plat, pas comme son cul, de citadine, en petit pull face à cette famille à fond dans son mythe des grands espaces, de la nature purificatrice. Ça nous rappelle seulement comment justement l’industrie du denim s’est lancée auprès des citadins, sous forme de souvenirs, souvenirs, de l’Ouest américain.





D’ailleurs, certains diront que c’était même super ambiance petite maison dans la prairie, mais même pas.
Plus mielleux que ça, pas de Nellie Oleson à couettes et aux brise-noisettes, juste un quintet presque benêt à vendre de l’amour, de la réussite, et à dire tout ce qu’on savait déjà : entre l’histoire des cravates à Bloomingdale’s, son développement à partir du terreau familial, sa compréhension fine et parfaite du story-telling et son rôle d’ambassadeur, que dis-je, de chef d’état de la culture américaine.

On est donc naïf, mais pas con non plus : cet entretien ressemble plus au monde parfait et niais des Teletubbies, le ranch Double RL transformé en Tubbydome Supertronic. Oprah donne au monde les clichés tant aimés et on frise l’OD.
À y bien regarder, Oprah s’est même bien foutue de son auditoire en faisant passer cette quenelle pour une lanterne : c’est une version allégée, pas comme son cul (bis repetita proportionné à la taille de ce boulard), de l’interview faite en 2002, cette fois-ci illustrée pour émerveiller ses ouailles lobotomisées.
Tu peux toujours la regarder, tu te feras ton opinion, un seul conseil coupe le son garçon.

À bien y réfléchir, on te conseille plutôt cette interview de 1993, par Charlie Rose.
Certes, deux types en costume face à face autour d’un bureau en bois précieux feront moins rêver ton cervelet d’urbain : pas de grands espaces, pas de Jeep patinée, mais surtout pas d’Oprah Winfrey et ses questions à la con, sa psychologie vendue chez HMV et son égocentrisme fatigant.
T’y apprendras bien plus de choses sans sombrer dans le voyeurisme, parce qu’ici on s’en branle de la robe de mariée de sa fille Dylan, on se tamponne le coquillard de sa tumeur au cerveau, on préfère une interview d’une heure sur son empire, sa vision du business, des USA et de la sape.
Faire les choses simplement plutôt que d’étaler sa réussite et son opulence, la différence entre Ralph Lauren et Oprah Winfrey.
On a choisi notre camp.
Ça rime avec camping, les oiseaux, les arbres, les poissons, les rivières et les collines que tu adores regarder sur écran.
Seulement sur écran.

On ne va pas te parler une énième fois du pantalon khaki.
Pas que ça à branler, c’est l’été.

Été 2010 qui plus est : tout le monde l’a sur le cul, son khaki, avec une oxford bleue ou une chemise en chambray.
Espèce d’uniforme pour se sentir entre mecs de goût sans se marginaliser.
Tension association / individualisation.
On la vit tous à chaque saison.

Mais t’as peut-être envie de varier, tout en restant dans la sobriété.
Du khaki oui et encore, mais à mettre en haut.

Parce que dans ce genre sergé serré de coton, version gabardine ou coutil, couleur sable ou vert-olive, la couleur officielle, il y a de quoi faire.
En chemise ou en veste sous le doux nom de Safari ou de Bush – le loisir ou le lieu du loisir, kif-kif.

Comme ce mannequin Dockers K-1, ou comme ce mec photographié par Tommy Ton pendant le Pitti Uomo.
RRL avait une très belle chemise dans sa dernière collection, ceci sans oublier Filson proposant le look depuis des années, ni encore moins Yves Saint-Laurent.

Commençons donc par le commencement.
Contextualisation.
Début XIXè : l’Afrique a été cartographiée par les explorateurs occidentaux. L’Europe qui n’avait alors que des comptoirs et quelques territoires, se fait sa révolution industrialisée.
Obligation de s’exporter pour importer les matières premières qu’il lui faut.
En France on se fait des films façon Jules Ferry : on fait tout ça non pas pour exploiter les terres et leurs peuples, mais apporter nos Lumières aux pas civilisés – bonne conscience républicaine, quand tu nous tiens.

Les Anglais discourent moins.
Ce sont eux qui nous intéressent, puisqu’on parle khaki : le début de ce look Safari est britton et plus précisément : rosbeef militaire.
Car qui dit colonisation, dit incidents diplomatiques (confer Fachoda plus tard).
Et qui dit incidents, dit présence militaire.

Sauf que la météo africaine n’est pas exactement la même qu’à Londres, ni sur la côte Est américaine : la Tamise, c’est pas le Nil.
Fait chaud, fait humide, va donc falloir repenser un peu beaucoup le vêtement pour les bidasses en balade.
Or la garde-robe soldatesque n’est pas aussi vaste que la tienne.

Il faut donc innover, repenser le tissu qui a déjà changé de couleur durant les campagnes indiennes en 1846 grâce à Sir Harry Lumsden et le palmier Mazari.
Autrement dit : début du camouflage, première adaptation aux couleurs de l’environnement.
Le fameux « khaki » – de l’hindoustani : « couleur de poussière », lui même du persan « khak » : poussière – est dans la place.
Contrairement à l’armée française (mais ce n’est pas la seule) qui en 1914 se baladait toujours en futal rouge…

Mais restons sur la veste, cette fameuse jacket portée par Lord Kitchener durant la campagne anglaise au Soudan : 1886 – 1899.
Histoire à conjuguer au conditionnel, car avant tout placardée par Banana Republic pour avoir du contenu à donner et tenter de faire rêver, dans les années 1980, et surtout parce que le modèle des officiers britanniques n’a rien à voir avec ce que les marques d’outerwear vont proposer une fois les Années Folles consommées.

Veste à deux puis quatre poches, et dès le début avec une ceinture, tissé en armure de sergé de coton très serré, du coutil en somme.
Cette veste, antérieure à la chemise et encore plus à la chemisette, est en fait la veste classique des officiers britanniques. La ceinture n’est pas encore intégrée directement au vêtement puisqu’il s’agit de la ceinture Sam Browne, ceinture des officiers, conçue pour y placer l’épée, XIXè siècle oblige.
Le col n’est d’ailleurs pas encore celui version Saint-Laurent, col tailleur fin des sixties, mais un col droit, celui d’officier toujours – on préfère le rappeler pour éviter que tu n’aies une image fugace dans ta besace du col entarté….

Base de travail, car finalement si ce coutil est certes résistant, il n’est pas encore imperméable ni très respirant.

Ce qui n’empêche pas ce vêtement de vite faire ses classes, en haut, comme en bas. D’abord chez les Brittons, en particulier lors de la Seconde Guerre des Boers entre 1899 et 1902, puis chez toutes les armées occidentales, avec la Grande Guerre.

La Grande Guerre et les images de guerre, dont celles de l’uniforme, qui finissent par percer l’esprit civil, comme le rappela Michel Leiris dans Fourbis, le second tome de La Règle du jeu, expliquant ainsi son envie de s’engager en 1918 à la Croix-Rouge : « c’est à cause de l’uniforme kaki, de la facilité qu’on y avait de s’approvisionner en whisky comme en cigarettes et des filles d’allure à la fois sanglée et désinvolte qu’on y rencontrait. »
Mais ni le look ni le vêtement ne sont encore scellés car pour certaines régions, au regard du climat, chaleur, humidité, mousson et moisson de maladies du genre malaria, c’est pas l’idéal.

Reste que l’idée de la Safari ou plutôt des Safari est là, qui va se préciser selon cette optique prophylactique.

Problématique hygiénique stimulant les stimuli des blouses blanches.
Dont et surtout pour nous : William Grenfell.
Un médecin et un humanitaire anglais ayant vécu dans le Grand Nord canadien, plus précisément vers Terre-Neuve et le Labrador.

En 1922, il tient une conférence dans son pays natal et fait une parenthèse sur les problèmes d’équipement auxquels il doit faire face :
« L’étoffe idéale pour les missionnaires du Labrador devrait être légère car les déplacements se font toujours à pied en suivant les attelages de chiens. Elle doit être solide, car une fois sur la piste, la vie de son utilisateur en dépendra. Elle doit protéger des effets du climat, être à l’épreuve de la pluie comme de la neige, ainsi qu’à l’épreuve du vent pour permettre de conserver la chaleur corporelle de celui qui la porte. Mais avant tout, elle doit permettre à l’humidité du corps de s’échapper ».
Ce discours ne tomba pas dans l’oreille d’un sourd ni d’un fainéant, mais dans celle de Walter Haythornthwaite. Besogneux tisserand anglais qui un an après, en 1923, est capable de présenter une toute nouvelle armure de sergé en coton.
Sortant ce coutil khaki du champ de bataille et amélioré, en sus.

Pas étonnant finalement puisqu’il s’agissait en fait d’améliorer la gabardine de coton développée pour les Trench Coat de la Première Guerre Mondiale. Grenfell l’adopta et la promut si bien qu’elle en garda son nom.
Nom à soi approprié, dans une lettre envoyée à Haythornthwaite. Grenfell : médecin missionnaire mégalo, ambiance Bernard sac de riz Kouchner.

Techniquement, on va vous la faire brève.
La toile de Grenfell est une gabardine en coton oxford à fils longs d’origine égyptienne.Tissée sur des machines plus vieille que ta grand-mère, plus de 24 000 fils par lé (ou laize), un fil lâche et un serré pour ensuite être traité en étant notamment mercerisé afin d’améliorer l’imperméabilité, la résistance à la moisissure et autres pré-requis requis par Grenfell.
Seize heures pour tisser, et probablement presque autant pour traiter….

Et si cette toile n’a donc pas été inventée spécifiquement pour les vestes Safari, mais plus pour les expéditions affrontant le froid extrême, l’Armée n’a pas tardé à l’adopter, pour notamment les Corps évoluant dans les zones tropicales et équatoriales.
On se répète : ce n’est que dans la foulée des expéditions nordiques de Grenfell, que la toile commence alors à être utilisée pour des vestes Safari, notamment par Willis & Geiger, alors vendus chez le détaillant, Abercrombie & Fitch.

Pour essayer de terminer cette histoire, il faut attendre un écrivain rondouillard, incarnant la quintessence du minimalisme littéraire américain, un mec au destin funeste, répondant au prénom d’Ernest.
Hemingway de son nom, l’autre figure centrale qui, avec Lord Kitchener, a façonné l’image de la veste Safari.

En 1933, Ernest Hemingway part en safari en Afrique de l’Est où il rédige la majorité de sa nouvelle Les Neiges du Kilimanjaro, publiée en 1936 dans Esquire, le magazine masculin référence aux USA.
Dans la foulée, il conçoit avec la marque Willis & Geiger, une veste Safari, qu’il portera régulièrement en public. Innovateur et allergique aux ceintures qu’il est, il remplace cet élément par un simple élastique ou cordon à l’intérieur, système qui sera repris par l’Armée, confer par exemple les M43 et 65, s’inspirant très largement de ce néo-modèle.

Et la popularité de l’auteur-voyageur va permettre à la veste de petit à petit se « civiliser » tout en incarnant la tropicalité et la fonctionnalité.
Elle devient ainsi la veste du gentleman en vadrouille, et pas forcément dans la brousse.
D’autant plus que l’Afrique commence à devenir un théâtre artistique aussi bien dans la littérature et ce depuis 1885 avec Les Mines du Roi Salomon de Sir Henry Rider Haggard, qu’au cinéma avec justement l’adaptation de ce roman par le futur réalisateur de Walt Disney, Robert Stevenson en 1937.

Safari, en veux-tu en voilà, tous les personnages principaux donc occidentaux du film portent le style typique de l’explorateur en Afrique. Histoire d’amour bidon sur fond d’occidentalisation. On s’en fout de ceci mais pas de cela : plus que la veste, c’est la chemise qui est surtout mise en avant, voire la chemisette.
Le khaki, en chemise et en pantalon, est projeté sur grand écran non pas pour des raisons autres que belliqueuses, mais pour humidifier les muqueuses.

Parallèlement, la veste Safari en toile de Grenfell va faire son chemin car elle est d’une telle qualité que l’Armée ne va pas tarder à l’adopter pour améliorer son ensemble khaki, et plus précisément son M43, en atteste ce télégramme de MacArthur après des tests réalisés en Floride et au Panama :
« Pour la guerre dans la jungle, le Grenfell Britannique ou un tissu équivalent s’avère le meilleur choix suite à des test provisoires. STOP. Tests démontrent uniformes sont plus légers mouillés comme secs, plus faciles à laver sur le terrain et absorbent moins d’humidité et de sueur. STOP. Herringbone twill absorbe une grande quantité d’humidité fatiguant les soldats tout en étant très inconfortable pour le porteur. STOP Recommandons lancer tests de durabilité pour tissu léger dans l’optique d’adoption par les unités sur le terrain. STOP. » Stop.

Cependant, les seuls l’ayant vraiment porté sont les membres de l’Office of Strategic Services, l’ancêtre de la CIA, et le commando d’élite Mars Task Force, à cause du manque de machines à tisser disponibles comme du coût élevé de ce tissu.
Une version moins performante fut elle aussi testée avec succès toujours mais ne fut pas non plus adoptée.

Toujours est-il que dans des formats similaires à la M42 ou à la M43, ceinture apparente en toile ou cordon caché, col d’officier ou col tailleur pour protéger du froid et du vent, la veste s’est doucement imposée auprès du public occidental, masculin d’abord, féminin plus tard.

Puis la saga Safari continue après la Seconde Guerre Mondiale : en 1950, voilà une nouvelle adaptation cinématographique du roman d’Haggard, mais cette fois-ci de facture americano-britannique avec le soutien de la Metro-Goldwyn-Mayer… Production plus lourde, distribution plus large, retentissement plus fort, coup de semonce de l’entrée du look dans la grande distribution.

En 1952, Hemingway, lui, retourne en safari mais cette fois-ci en Afrique occidentale. Double accident d’avion, grièvement blessé, l’auteur est encore une fois médiatisé, certains tabloïds allant jusqu’à l’annoncer mort et bientôt enterré. Cela ne fait que renforcer son image et son mythe tout en popularisant son outfit.

L’année suivante, le trio Gardner-Kelly-Gable fait mouche pas tsé-tsé, efficacité, soutenu encore une fois par la MGM, dans Mogambo qui ne se passe ni à Mogadiscio ni avec Mugabe.
Et là tout y est, aussi bien dans le style que les idées : Afrique comme nouvelle frontière du monde blanc, civilisation et monde sauvage, tout y passe. Processus réussi, le film est un succès énorme, et le look est officiellement banalisé et sensualisé, aussi bien chez l’homme que la femme, note bien.

Donc les marques en profitent. Toutes les entreprises d’outerwear sortent petit à petit leur version, pas forcément en Grenfell, rarement même, plutôt en gabardine ou en popeline, toujours en coton, parfois avec un peu de nylon, chez les Ricains comme chez les Brittons.

Sauf qu’il faudra attendre 1966 pour que la Safari devienne Saharienne et soit élevée à un nouveau rang grâce au génie sans bouillir Saint-Laurent.
Première apparition discrète dans la collection Printemps/Été de 1966 ; deux saisons plus tard, la collection africaine entérine le style.
Face aux inspirations africaines, Safari ou explorateurs, la numéro 42 s’appelle « saharienne de toile beige », pattes d’épaules et poches plaquées à revers, mais rien encore pour la cintrer.

Il faudra en fait attendre Mai 1968, au moment où d’autres cherchent la pirogue au bout de la plage sous les pavés, pour voir dans Vogue une vraie réinterprétation de la veste Safari.
Une réalisation spéciale de Saint-Laurent, portée par l’amazone Veruschka, photographiée par Franco Rubartelli et prise forcément au coeur de l’Afrique, en République Centrafricaine.
Yves Saint-Laurent a ainsi consacré le style Safari, comme il l’avait fait pour le look marin quelques saisons auparavant, emmenant la décontraction dans le luxe à un nouveau niveau.

Le reste appartient à l’Histoire, et pas seulement de la Mode.

Banana Republic se lance grâce à ça en 1978. Quoi de plus ironique de lancer une marque autour du Safari en s’appelant République bananière – ou République de la banane, on ne sait…
La puissance du marketing de l’Homme blanc.
Roger Moore dans James Bond la porte à plusieurs reprises.
Tout comme J.R. dans Dallas.

Le style Safari a une histoire en trois parties, plus que centenaire.
Un pays pour chaque partie, un personnage pour chaque pays.
L’Angleterre l’a créée, les États-Unis l’ont médiatisée et la France l’a sacralisée.

La mode aussi a son organisation du travail.
Et le look Safari n’échappe pas à celle-ci.

Parenthèse actu fermée, revenons à nos moutons et à nos affections.
Toujours dans l’actualité atemporelle, on revient parler « militaria », nouveau terme bien branleur synonyme de style militaire.

On en profite pour rebondir sur un sujet plus tôt abordé sur feu Interstiched à propos des field jackets de l’US Army, ces vestes de l’Armée de Terre, dont la fameuse M43.
Une M43 portée en premiers officiellement par les para’ dès l’automne 1944, après presqu’un an d’essai.

Parce que, oui, les paras restent des membres à part entière de l’Armée de terre, le ciel n’étant qu’une parenthèse, dans un monde où le clocher d’une église peut rapidement devenir un peloton d’exécution improvisé.

Mais avant cette veste devenue basique, il y a l’apparat concocté par William P. Yarborough.

Rien à voir avec le S. Burroughs, comparaison difficile entre un beat et un militaire, entre le père du cut-up et le père des Bérets Verts.
Opposition de style et de look.
Et d’opinions probablement.

Bref, on est pas là pour ça.
On est là pour parler para’.

Donc, oui, William P. Yarborough est un type ayant fait deux trois petites choses assez mémorables en matière d’attirail militaire.

Un assez bon triptyque pour un équipement complet.
Le salade-tomates-oignons des para’ américains durant la Seconde Guerre Mondiale : M42 Jumpsuit, Jump boots & Jump wings.

On s’en bat un peu du Jump wings, ce pin’s de vantard, pour expliciter son expérience.
Comme une comparaison de taille de bite dans le vestiaire des Bleus.
Plus marrant de jouer à l’anaconda que de taper dans un ballon, mon con.
Bande de ‘touzes.

Bref, restent donc deux choses, ou plutôt trois encore si on veut décomposer le jumpsuit, cargo pant et veste.
Rien à voir un gray flannel suit à la Don Draper ou plutôt à la Tom Rath, version originale.
Ici c’est plutôt vert olive, plus exactement, et, pardonnez l’anglicisme, Olive drab green #3, pas khaki, l’ami.

Un cargo pant donc, et une veste.
Une veste à porter fitté.
Anciennement sous une chemise en laine, maintenant sur ce que tu veux.
C’est le supermarché du style, t’as vu, comme dirait Ted Polhemus.

En tout cas, pas con n’a été Bill.
Ajouter des boutons à pression sur les poches, tout en les doublant et les passant en soufflet.
Profondeur d’une main, ni plus ni moins, pour optimiser la capacité et facilité l’accès.
Parce que c’est pas avec la M41 que les types seraient arrivés équipés, avec ces deux poches bien ouvertes sur les côtés.

Idem pour ce futal à porter aussi par dessus un pantalon de laine, et pas un collant, te diront les puristes.
De façon un peu loose pour être in for the win.
Et pareil, le bon Bill a aussi pensé à ajouter des poches.
S’est dit que ça devait être pratique finalement….

Et les fameuses bottines de sauteurs enjoués, encore une fois simplement perfectionnées.
Pas de poches ajoutées, faut pas déconner.
Juste le système de laçage amélioré pour embrasser toute la botte, et donc mieux maintenir le pied, et régler ce problème de guêtre à la con.

Libre à toi de porter la botte, nous, on passe notre tour à ce sujet.
Mais on ne te cache pas qu’on guigne sur la veste, voire le futal.
En repro militaria, ou alors chez des Japonais comme Buzz Rickson’s, et même chez RRL il fut un temps.

Tout ça pour dire qu’il faut arrêter de nous faire croire que les Blancs ne savent pas sauter.
Ils ont juste besoin d’être parachutés.

Oui, vous le savez tous, Ralph Lauren vient d’ouvrir un énorme shop sur Saint Germain.
Difficile de passer un côté, immersion dans l’univers de la marque et du designer.

Bref, on ne va pas vous la refaire. Ni à l’endroit ni à l’envers.

Quatre étages et surtout le dernier, qui nous fait tilter, dédié à RRL.
Double RL, Ralph & Ricky Lauren, nom de leur Ranch dans le Colorado.

Marque mythique.
Et travaillant sur le Mythe.
Mythe d’une marque disparue, puis revenue.
Au bon moment.
Une histoire nébuleuse articulée autour du denim.

Anti-thèse business, pas profitable du tout, et ce depuis toujours.
Là pour l’image et pour le plaisir d’un designer ayant fui le trop glam’ de New-York City, le trop preppy des eigthies.
Peu de publicité, les seules que nous ayons vues étant dans les fameux Free & Easy.
Une simple photo de chevaux dans un enclos, au milieu de Mère Nature.

Hommage au vintage, à une autre époque, que ni Ralph Lauren ni nous n’avons connu.
Une époque vécue à travers les livres, les films et la musique.
Croc-Blanc, Ring of Fire, et Le Bon, la Brute et le Truand.

De la frusque bien fichue, pour t’évader le temps d’une journée.
Pour te rêver immigré nouvellement américain et mort de faim.

Du mythe WASP au Mythe de la Frontière.
De la croisière au chemin de fer.
De la morale de puritain à la morale d’enfant de putain.

Bon pour les pionniers de bac à sable que nous sommes, qui diggons de l’info dans du Slotkin plutôt que de l’or pour boire des chopines.
Néo-Gold Rush.
Revivre 1849.
Le VIIè comme nouvelle frontière.
De l’argent de col blanc pour de la sape de col bleu et poussiéreux.

Ralph Lauren.
173 bd Saint Germain.
Paris VIIè.

On est allés rencontrer le D.A. Homme de J.Crew, dans sa ville d’adoption, New York.
Un autre exilé, cette fois-ci hollandais, ayant lui aussi préféré s’en aller.
Un nominé GQ – CFDA, dessinant pour une marque pas indé.
Une première.
Un type qui fait en sorte de te simplifier la vie, en préparant ton placard pour toi, afin que tu sois subtilement bien sapé.
Docteur ès style.
Docteur ès look.
Frank Muytjens.

Aide-toi, J.Crew t’aidera.

Sachant que tu es Hollandais d’origine, comment as-tu fini par designer pour J.Crew en passant par Ralph Lauren ?

J’ai toujours été intéressé par la culture américaine, son Histoire, j’ai toujours trouvé ça fascinant. Je travaillais déjà sur le côté américain dans mon design, à l’époque où je vivais encore à Amsterdam. Je venais régulièrement ici, pour m’en inspirer et ramener cette inspiration en Hollande. Je me suis simplement dit que je ferais mieux de déménager à New-York et voir ce que je pourrais y faire. Profitant d’une opportunité, je suis arrivé à New-York en 1994 : un cheminement logique finalement pour moi. Les deux premières années, j’ai surtout fait du freelance de-ci de-là, mais rien de vraiment palpitant. Et cette opportunité de travailler chez Polo s’est présentée. J’ai commencé, je crois, en 1997. J’ai ensuite travailler pour RRL mais comme tu le sais, la marque a fermé pour quelques temps et je me suis retrouvé à faire de l’outerwear chez Polo Sports, puis je suis allé chez Blue Label.
C’était génial. Polo incarne vraiment l’héritage américain, sa culture, l’Americana. J’ai vraiment pu m’imprégner de l’histoire de ce pays, de tout ce qui gravite autour. Mais je ne dessinais que de l’outerwear, c’était très intéressant : j’étais environné de bons produits tout le temps. Mais je voulais faire plus que ça, explorer plus le style américain dans sa globalité. Et cette opportunité chez J.Crew s’est présentée en 2004, j’ai pris ma chance et je suis arrivé ici.

Qu’est-ce qui te fascine tant dans cette culture, ce style? Et surtout pourquoi celle-ci plutôt qu’une autre, comme le style britannique par exemple?

Je suis aussi intéressé par d’autres styles , d’autant plus qu’aujourd’hui ils se mélangent. J’ai toujours été fasciné par la Ruée vers l’Or, les cowboys, les indiens, la découverte d’un nouveau pays, etc. Et aussi toute l’Histoire sous nos yeux ici, cette opposition entre le hall Art Déco de l’Empire State Building et les images de la Ruée vers l’Or. C’était quelque chose qui me parlait, qui était simple à comprendre pour moi, le Nouveau Monde, pas le Vieux Continent.

Un monde plus dynamique, plus attractif ?

Oui, et surtout plus clair, je trouve. Le design des années 1950, 1960, et la façon dont toutes ces choses s’articulaient comme je te le disais. Ce n’est pas seulement l’héritage, c’est bien plus que cela.
Les USA sont plus faciles à saisir, esthétiquement parlant. L’Europe, de ce point de vue, est uniforme. Tu te balades à Paris ou à Londres, et tu ne vois pas vraiment les différences. Et c’est d’autant plus bizarre car la plupart des grands architectes européens du milieu du XXè siècle ont immigré ici. Mais je me compare pas du tout à eux, bien sûr. Il y a plus d’opportunités, c’est plus diversifié.

Quelles sont selon toi les différences entre les deux styles, celui du Vieux Continent et celui du Nouveau Monde? L’Europe est plus statique non?

Le style américain est plus authentique, plus représentatif de son héritage aussi, le denim, le vêtement de travail (ce que vous avez d’ailleurs aussi en France, et dont je m’inspire beaucoup). Toutes ces influences ici sont plus accessibles. L’Europe est trop compliquée, son héritage trop dense, il y a tellement de pays. Comprendre le style vestimentaire européen est difficile, à la fois cohérent et le contraire. Tout s’entremêle. Alors qu’ci c’est juste une seule et même Histoire, et les styles sont bien distincts.

Quand tu designes pour J.Crew, quelle est ta vision? Comment fais-tu pour intégrer toutes ces différentes influences, casual, militaire, travail, etc.?

La perspective historique est la chose la plus importante pour moi. Chaque vêtement doit avoir une certaine raison d’être, une certaine histoire. Il doit avoir une origine, ça ne peut pas être quelque chose qui sorte de nulle part. Prends un trench coat par exemple, classique : chaque détail a son explication, et quand je designe, je vais peut-être changer la matière, la taille. C’est ce qu’est la mode masculine, ou en tout cas la vision que nous en avons chez J.Crew : jouer avec des classiques, tout en restant dans un certain cadre. Il y a tellement de détails sur lesquels jouer, entre la taille, la fabrication, la couleur. Et c’est déjà beaucoup pour un homme.
C’est aussi une certaine nostalgie, j’aime toujours savoir qu’il y a une certaine histoire derrière le vêtement. Il remplit une certaine tâche, une certaine fonction. Je ne peux pas ajouter de détails inutiles, sans fonction. C’est inconcevable pour moi.

C’est peut-être justement la différence entre la Mode homme et la Mode femme : chaque détail devant être avant tout fonctionnel ?

Exactement, mon équipe cherche et ramène du vintage des quatre coins du monde, et prête attention aux détails, aux renforts, afin que le vêtement ne tombe pas en mille morceaux. Toutes ces choses auxquelles on ne pense plus finalement mais qui sont là pour remplir une certaine fonction. On se base aussi sur des catalogues mais la quasi totalité des designs se font grâce au vintage. On trouve toujours des choses nouvelles, c’est incroyable. Par exemple, je suis tombé il y a peu de temps, sur un pantalon de survêtement, des années 1920 je crois, qui a été reprisé, rapiécé, et c’est incroyable de trouver ça encore aujourd’hui, et de se dire qu’une personne ait autant tenu à conserver ce vêtement, de le réparer tant de fois. Et j’adore imaginer l’histoire derrière ça, peut-être que ça appartenait à un boxer, ou je ne sais pas.

Les traces du temps qui passe?

Oui, raconter une histoire, l’Histoire de chaque vêtement est cruciale.

À propos des marques que vous invitez, et il y en a beaucoup, comment les choisissez-vous? C’est aussi une question d’Histoire? Une question de design? Les deux?

Ça a commencé avec Red Wings. Tout le monde en portait au bureau et on se disait que ce serait génial d’en faire, mais qu’en même temps, on ne le ferait jamais aussi bien si on les développait nous-mêmes. On s’est donc dit qu’on ferait mieux de leur proposer de travailler ensemble. Et tout a commencé comme ça.
Et toutes ses marques avec qui l’on travaille – Levi’s, Baracuta, etc. – qui ont une vraie Histoire, qui ont un produit qu’elles font vraiment bien, depuis toujours et ce, sans se soucier des tendances, sans jamais le modifier. On travaille par exemple avec une usine anglaise, appelée Fox Brothers qui existe depuis le XVIIIè : ils ont toujours le même logo, occupent les mêmes bâtiments. Tellement d’Histoire et d’histoires. C’est pour ça qu’on les aime. Elles sont un peu poussiéreuses et endormies. Il faut les digger. Et quand on les met à côté des autres collaborations, des autres produits, elles reviennent un peu à la vie. Elles restent ce qu’elles sont mais en même temps, un peu « rafraîchies ».
Pour toutes nos collaborations, elles ont besoin d’avoir une histoire, que ce soit à propos de la fabrication, des matières ou autre. Par exemple, on travaille avec The Hill Side qui utilise des matières provenant du Japon et en assemblant aux USA, très authentique mais qui a seulement un an d’existence : c’est la seule marque récente avec qui nous sommes partenaires. Sinon toutes les autres sont historiques. Il y a tellement de marques qui méritent d’être redécouvertes.

Quand on entre dans un magasin J.Crew, c’est un peu comme entrer dans la caverne d’Ali Baba pour hommes : il y a tous les styles, tous les basiques pour homme, que ce soit la veste de moto, le jean, le chino, les boots, etc. Comment vous faites finalement pour conserver cette cohérence J.Crew?

Tout simplement. Pour comprendre, il y a l’importance du merchandising, que ce soit sur le site web ou en magasin. C’est J.Crew avec du Mister Freedom, avec Red Wings et tous les autres. Je ne saurais trop l’expliquer, ça marche tout simplement, c’est cohérent. C’est la façon dont on s’habille. Quand on a ouvert le Liquor Store, le but était de montrer des exemples, et non la totalité de la collection, associés avec les marques dont on parlait, et ce, d’une façon attrayante.

Comment tu définirais la ligne directrice du design de J.Crew ?

La litote, la facilité, la classe avec une certaine touche… On veut que nos vêtements s’améliorent avec l’âge, vieillissent avec celui qui les porte, et pas qu’ils soient juste saisonniers, qu’ils gagnent en charme à force d’être portés et lavés. Que finalement, ils aient leur propre histoire. C’est vraiment mon idée quand je designe.

Quelque chose de simple à porter….

C’est aussi la doublure, les détails qu’on trouve à l’intérieur du vêtement. Et c’est j’espère mieux que ce que peuvent faire nos concurrents. Les délavages sont aussi très importants : on commence d’ailleurs à avoir une certaine renommée grâce à ça. Et je pense aussi que notre consommateur ne veut pas avoir un look criard, la qualité et l’élégance sont plus importantes. Il est d’ailleurs sûrement pointu, mais discrètement, pas de façon évidente, et c’est pour cela que nos produits l’intéressent à mon avis.

Un homme intéressé par la mode, mais d’une façon masculine, dans le détail et la subtilité, comme tu dis, la facilité, une impression de désintérêt pour ton look alors que c’est tout le contraire bien sûr…

Exactement, comme si c’était la première chose que tu avais prise dans ton placard, alors que pas du tout. Et je pense aussi que dans le style, les hommes sont feignants et ont besoin de références. Notre chemise en chambray par exemple : nos clients l’ont redécouverte, ils savent comment elle est taillée, on a changé la couleur, la matière, avec les mêmes détails mais c’est toujours la même chemise, ça lui facilite le travail. C’est d’ailleurs une de nos idées à propos du style masculin : être cohérent et constant. Tu ne peux pas changer de style, de garde-robe à chaque saison, je ne pense pas qu’un homme veuille de ça, moi non en tout cas. C’est l’importance des vieilles pièces encore une fois, d’où l’attention particulière qu’on porte au délavage. De cette façon, tu as l’impression que tu as ce vêtement depuis toujours, que c’est vraiment le tien et tu sens bien dedans tout simplement. C’est un peu notre philosophie. Et notre force, c’est aussi de ne pas être cher, comme ça, ceux qui achètent nos vêtements ne vont pas trop y faire attention, à l’inverse d’un vêtement beaucoup plus cher.

Moi aussi je ne supporte pas un vêtement trop neuf, je commence vraiment à apprécier mes vêtements quand j’y vois les marques de mon utilisation. Comme pour ce jean que je porte là en ce moment.

Oui, parce que tu as travaillé pour qu’il devienne comme ça. Je sais, moi c’est pareil, celui que je porte, je l’ai depuis trois semaines et je suis content car enfin je commence à le marquer (rires).

J.Crew, c’est aussi éviter le total look…

Pour les hommes s’intéressant à la mode, c’est facile mais pour un gars plus normal, c’est moins simple de faire comprendre ce genre de choses. J’espère qu’on arrive à faire passer le message, que ce soit à travers le site Internet, le catalogue, le merchandising en magasin. On a une démarche quasi pédagogique.

C’est justement votre point fort, enseigner aux hommes comment bien s’habiller, sans vraiment avoir besoin d’y réfléchir.

D’une façon cool, avec les détails qui font la différence…. On doit être cohérent parce que les hommes sont déconcertés face à la Mode, je crois.

Comment faites-vous alors pour réinventer J.Crew à chaque saison ?, car vous travaillez sur des basiques.

On a, disons, nos fondations sur lesquels nous construisons nos collections. Et on doit effectivement innover ou rénover nos produits. C’est un processus organique. On a des pièces canevas qu’on modifie, si on peut dire. J’ai un peu de mal à m’exprimer, c’est utiliser ce qu’on a déjà et les améliorer à chaque saison, et il faut essayer encore et encore.

Recontextualiser le vêtement et voir comment alors il devrait être pour aller avec un autre : ce serait ça?

Oui, sans non plus les ancrer dans un contexte qui le rendrait trop difficile. Intégrer de nouvelles influences sans jamais être en rupture, rester dans la continuité de ce que nous avons toujours fait. C’est comme ça qu’on les améliore, je crois.

Comment vous avez pensé la ligne de l’automne prochaine?

On est dans la continuité mais on a rajouté beaucoup de militaires, ce que j’aime particulièrement, des doudounes à la Eddie Bauer, ce style camping / randonnnée. On collabore d’ailleurs avec cette marque de Seattle, Crescent Down.

Vous vous tournez vers un outerwear plus moderne ?

Oui mais toujours mélangé avec des vêtements plus classiques. On ne deviendra pas une marque pour les randonneurs.

Une question qui n’est pas directement liée à J.Crew mais plus au style masculin de façon général, comment tu différencierais le style casual du style preppy? Beaucoup parlent de preppy en ce moment, alors que c’est plus un style 1980s, tiré à quatre épingles avec tous ces détails pas fonctionnels justement.

C’est une particularité de la Côte Est en fait. J.Crew, à ses débuts, en 1983, était ancré dans ce style, mais plus du tout maintenant. Même si aujourd’hui on reprenait un élément du style preppy, comme une veste en madras, on le déformerait, le défoncerait un peu, pour que ça devienne quelque chose d’autre, pas un vêtement preppy, wasp trop propre. C’est drôle, parce que je suis européen, je n’ai donc jamais grandi dans ce milieu et je peux ainsi m’en moquer, le repenser car j’ai un point de vue d’outsider sur ça.

C’est peut-être pour ça que tu as ce poste aussi aujourd’hui, car tu es forcément plus distant vis-à-vis de ce style, tu as une perspective différente d’un Américain qui aurait évolué dans cette atmosphère, en plus d’avoir la touche européenne.

C’est vraiment restrictif comme milieu, comme style. Mais on peut vraiment en jouer. J’en parlais justement durant un design meeting, j’aimerais bien avoir un short avec plein de broderies et le délaver pour qu’elles s’abiment, qu’il y ait des trous, etc, que ce ne soit plus un vêtement preppy, que ce soit plus cool, plus sombre.

Les must-have qu’on devrait trouver dans tous les placard d’un homme?

Un bon jeans, une bonne paire de chaussures, chères (rires). Les chaussures sont importantes, que ce soit des richelieus à bouts fleuris, ou des chukkas, ou autres. Un costume couleur marine, bien ajusté. C’est vraiment important. Les chaussures sont une pièce maîtresse, ainsi qu’une bonne montre.

Question un peu stupide, mais pourquoi de nombreux types sur votre catalogue portent des t-shirts sous leurs chemises? Un réflexe qui en France par exemple ne se faisait pas du tout normalement mais qui commence à s’imposer.

Je sais pas, je me demande maintenant si je faisais pas déjà ça quand je vivais encore à Amsterdam. C’est plus propre, je trouve. C’est un accessoire désormais, que ce soit avec un t-shirt vert armée, ou autre. C’est fonctionnel à l’origine, presque un réflexe. C’est juste plus confortable, je trouve.

Merci Frank.

Laborieux victorieux.

Ça fait cinq ans qu’on nous parle de metrosexualité ou d’übersexualité. Des termes de magazines féminins, pour les femmes qui veulent émasculer leurs mecs en les culpabilisant sur ce “laisser-aller“ masculin depuis l’éternité, qu’elles ont décidé d’éradiquer à partir de 2001 à peu près.
“Viens, on va se faire le maillot ensemble“.
David Beckham en égérie, entièrement relooké par sa meuf, l’ex supposée snob d’un quintet de chav’ : il fallait bien qu’elle trouve une occupation dans sa vie vide (pas Vivid, rien à voir avec les porno stars plantureuses…)

On aura presque tout vu, un des summums ayant été Jean-Paul Gaultier qui a voulu nous faire belles et maquillés. Certes, l’idée existait avant, sauf que là, on parle d’une campagne grand public avec affichage au BHV.

Ou encore, ces mutants troisième sexe portant dernièrement escarpins Balenciaga et lunettes Margiela, exhibant fièrement toutes les pièces les plus “chaudes“. Ok : “avant-garde fashion“… peut-être, même pas sûr : “avant-garde“ ne rime pas nécessairement avec rencontre du troisième type.

Et une pensée aussi pour tous ces mecs qui, cet été, portaient des micro-shorts bien trop serrés, avec un tank top bien trop loose sur une paire d’espadrilles ou de bateaux.

À Paris comme à NYC ou encore Stockholm, la virilité s’est perdue, annihilée dans un monde “urban outfitté“.

On est vraiment tombé bas, au point de voir les petits frères des cailleras Lacoste, finir en t-shirt fluo, jeans skinny et pompes multicolores aux pieds. De quoi faire perdre les pédales à un néo Robinson Crusoé parti d’ici en 1999 par peur du bug de l’an 2000 rapatrié en plein Paris après un séjour chez les Samoa.

Cool kids

Le pire étant que les nerd fluos avaient déjà attaqué de leur côté, en attendant les post fluos d’aujourd’hui : plus en noir désormais parce que c’est la crise mais restent les couleurs criardes et les typos beuglardes. En gros, “nous, on est les enfant des années 80. Le rap, la new wave, la dance, tu vois, tout ça“, c’est… “cool“.
Des fans du Pharrell Williams, malheureusement pas le Pharrell qui débuta en Dickies, t-shirt vintage et trucker cap mais le Pharrell ultra ostentatoire époque Skateboard P, fluo et skate. Mais pas à la Gator, plutôt un croisement entre lui et une guirlande de Noël. Trop large pour être skate eighties et trop fluo pour être un rappeur habituel.

Auquel a succédé, Kanye “mulet“ West. Nouvelle caution rap du monde de la mode.

Celui qui veut être calife à la place du calife. Le roi du patchwork, un style sophistiqué de sophiste fashion, malencontreusement adulé par une foule aveuglée par l’ignorance, ou la bêtise, au choix. Une locomotive pour une tribu bling-bling, au goût encore plus douteux que le sien. Entre revival 90’s (ou le pire de la mode), luxe, et streetwear. Un style de parvenu non inspiré. Rien avoir avec Ralph Lauren, auquel il se compare si facilement. Juste un voleur d’idées. Un wannabee dandy sans substance. Creux prétentieux.

Ce bouleversement des codes vestimentaires du rap s’est produit non seulement aux USA mais en Europe aussi, Paris inclus, évidemment. Certains shops et certains rappeurs en ont d’ailleurs profité, comme Sully Sefil avec Dumpefresh, sorti de sa retraite le temps de quelques semaines.
Look type : New Era assortie aux sneakers et au t-shirt à punchlines, le tout violet de préférence. Levi’s Vintage sur le cul et Wayfarer sur le nez, pour mieux apprécier le style flashy de ses potes vendeurs et deejays du grand magasin urbain de la rue Caumartin.
On se passera des exemples. Pas besoin de rajouter une légende aux photos de soirées en ligne… Pour ceux qui ont su éviter cette faune et qui ont envie de la découvrir, on peut vous faire un guide maison. Si vous insistez vraiment, mais alors vraiment beaucoup.

Bien sûr, il y a eu des bastions de résistance, dont on vous a déjà parlé, d’une façon ou d’une autre, sur le site ou dans le mag’. À commencer, par le retour des rock-a-billies et tout le côté skate californien moto et chemise de bûcheron à la Jason Jessee et Max Schaaf. C’était dans notre numéro #3.
Les mecs les plus core du skateboard nous ont finalement rappelés que, non, ce n’était pas normal de porter un jean tellement serré qu’on pouvait compter les poils de couilles de celui qui le portait. On passera sous silence la question du tee à col V.
Enfin des voix pour rappeler qu’il était normal pour un mec de trafiquer une bécane, d’écouter du rock sale, de se tatouer et de se châtaigner.

De la graisse et des fesses.

Leçons de virilité

Mais Dieu qui n’existe plus est grand et miséricordieux : sur une île, loin, vivent les Japonais, qu’on ne remerciera jamais assez d’avoir relancé J.Press ou Woolrich.

Eux, le style couillu, ils le cultivent depuis un moment.
Ils ne l’ont même jamais lâché depuis l’occupation américaine, mais le retour officiel date de 2006, quelques mois avant la sortie du fameux magazine Free & Easy, référence du genre. Le culte du Blanc chez le Japonais n’est même pas une nouveauté : l’hôte de James Bond dans On ne vit que deux fois, directeur des services de renseignement japonais, en parlait déjà. Cette religion de la tradition blanche, faisant suite à l’occupation US des années post WWII, n’a pas uniquement maintenu les céréales au p’tit-dèj’ ou les équipes de base-ball, mais tous les styles Ivy League, workwear et military wear, celui des expat’ US et des bidasses de l’époque.

En 1965 y sortit d’ailleurs Take Ivy, un recueil photographique (se vendant aujourd’hui à prix d’or sur eBay) sur le style des étudiants des différents campus universitaires de la Ivy League : Harvard, Yale, etc. et surtout Princeton et son étiquette très précise, afin d’être bien étiqueté justement. Livre commandité par un designer japonais, Kensuke Ishizu, le fondateur de Van Jacket, un Ralph Lauren avant l’heure, complètement à fond sur le style Ivy. Heavy Ivy en quelque sorte.

Avec aujourd’hui Daiki Suzuki de Engineered Garments et Woolrich Woolen Mills, les Japonais ont travaillé l’Occident au corps, préparé un retour qui ne pouvait pas ne pas être. Une nécessité. Le retour du style masculin classique, viril, simple et sans fioritures.

À se demander comment on serait habillé en 2009, si les Japonais n’étaient pas là. Heureusement que les USA se sont contentés d’annihiler deux villes seulement.

Or à quelques dizaines de milliers kilomètres de là, les anciens adeptes d’Odin et de Thor ont trouvé, grâce à Internet, une plateforme pour promouvoir un style simple, décontracté mais toujours bien habillé. Brat mais pas trop, un peu Beat Brat, un pas cool devenu cool.
La simplicité de l’éthique protestante, label WSP, White Scandinavian Protestants, cette culture égalitariste empêchant moralement un style trop différencié et ostentatoire.

Et petit à petit, ces deux courants, ces deux cultures du style géographiquement opposées ont réanimé des icônes oubliées : James Dean, Marlon Brando et Steve McQueen d’un côté, la famille Kennedy de l’autre.

Rappel de simplicité et de virilité.
Interprétation parfaite d’un style gentleman et fonctionnel. Bien sapé et bien pensé.

“C’est le contrecoup de la mode metrosexuelle et plus généralement une réaction à une mode qui était devenue trop difficile à porter pour le consommateur“ (Minya, BPMW).

Tout le monde ne peut pas se permettre un skinny, encore moins du Gareth Pugh. Il y a aussi des mecs qui veulent s’habiller normalement sans avoir l’air d’une chauve-souris. Ou de leur petite soeur.

D’autant plus dans une période back to the roots : avec la crise, c’est l’heure du retour aux vraies valeurs vraies, en tout cas à des choses plus simples, plus durables.
“Quality over quantity“ comme dirait Nikolaj Nielsen de Won Hundred. Qui peut le plus peut le moins, comme on dirait nous. La dépression économique, de laquelle nous sommes soi-disant sortis, a catalysé cette tendance, l’a généralisée en quelques mois seulement. La fin de la “fashion frenzie“ et retour aux vêtements, comme dirait Michael Williams de A Continuous Lean dans une récente interview.

Les mots “pratique“ et “utile“ n’ont jamais été autant utilisés pour décrire des vêtements, styles ou collections. Champ lexical planté au milieu du jardin potager de la mode.
Ou comme le disent les suédois d’Our Legacy ou de Won Hundred : “designer des vêtements dans lesquels on peut vivre, qu’on peut porter aussi bien la journée que le soir“.

L’angélique Classic Americana

Selon Jamie Barshall, le directeur artistique de Penfield USA : “Il semble qu’il y ait un intérêt grandissant pour un style plus brut, plus authentique ainsi que pour les vêtements fonctionnels et avec lesquels il est possible de vieillir.“

Retour en arrière. XVIIè siècle, les WASP colonisent l’Amérique et un siècle après, il est temps de fonder cette nouvelle nation. Et pour cela, il faut se laver des derniers remugles de cette Europe décadente qu’on a quittée, de cette barbarie civilisée qu’était le Vieux Continent selon les fils du Mayflower. Pour se régénérer, il faut se purifier.
La Nature est leur nouvel Eden, et l’Amérindien est le Bon Sauvage, innocent comme l’enfant, que la civilisation a épargné. Le mythe (et le mythe seulement) du Peau-rouge est le seul moyen pour l’Européen immigré de devenir Américain, de se nettoyer de son passé, délivré de l’Européen putrescent qui sommeille en lui.
D’où le délire American Native chez tous nos voisins cain-cains.

Mais ruse de la raison blanche et épreuve des faits, le bon sauvage fait tache à l’horizon des treize colonies originelles, quand va sonner l’heure de l’expansion vers l’ouest. Pour goûter pleinement ces grands espaces, il va falloir éradiquer ces vestiges humains du paradis perdu. Le rousseauisme luthérien est un angélisme exterminateur.
Paradoxe de la psyché américaine et culpabilité fonctionnelle, les États-Unis ont gardé ce mythe intact.

Sebago par exemple, une des marques preppies emblématiques, initialement Sebago-Moc, n’a de cesse de tenter de faire vivre ce mythe à son échelle locale, un coin marin de l’État du Maine et le souvenir de la tribu Abenaki qui y vivait. En rappelant que l’origine de son nom vient du dialecte indien et que la source de sa réussite, son mocassin, est un héritage direct de cette tribu. C’est beau…

Tout change pour que rien ne change : désormais on achète de l’imprimé Navajo et on regarde Into the Wild bien calé dans sa chemise Penfield. Le premier pour le Sauvage et le second pour la Nature.

Mais attention, si Penfield et tout l’outerwear revient, ce n’est pas parce que le workwear revient. Un bleu de travail ne signifie pas la même chose qu’une veste Mackinaw chez les Américains. L’outerwear, c’est la pureté bio. C’est cucul mais c’est comme ça.

Avec le workwear et le military wear en revanche, l’Américain retrouve son père et la nostalgie d’un pays qui travaille à l’usine, sauf qu’il n’y en a (presque) plus, des usines : Detroit, c’est du vent qui souffle sur des ruines.
Car en ce moment, là-bas, le retour aux sources est une nécessité, et de nécessité vertu : un besoin. Et même un ersatz, ça se passe comme ça chez les WASP : le travail c’est la pureté, aussi. De préférence le travail manuel, physique, parce que le corps c’est impur, et il faut le faire souffrir, c’est mieux.
Déclinaison de la pureté à tout bout de champ. À tout bout de chant aryen.

Americana x Europa

Si le Classic Americana s’est imposé, il a ouvert la voie au Classic Brittannica. Mais si l’on dirait qu’ils parlent la même langue, ce sont deux univers différents. Très. Un genre de match Penfield et Brooks Brothers vs. Barbour et la chasse à courre.

Car cet outerwear anglais est hyper civilisé, lui, reflet d’une vieille société organisée en classes sociales bien séparées. Pyramide des castes qui n’a rien à voir avec l’ordre démocratique du Nouveau Monde (le premier qui cite Tocqueville aura le bonnet d’âne BHL…)
Si le Classic Brittannica perce lui aussi pour des raisons de nostalgie là encore, il s’agit d’une autre sorte de nostalgie. Celle des hiérarchies “naturelles“, autrement dit : sociales. Ivy made in U.K., le WASP britton veut retourner à sa pureté à lui. Aristo d’un côté, prolo de l’autre.

À ce Classic Brittannica dont certains designers se sont déjà emparés. Le prince Harry, en égérie Junya Watanabe F/W 2009, ça le changerait d’Hugo Boss, collection F/W 1938…
Junya Watanabe est en effet un genre de visionnaire : quand Watanabe dit, tout le monde suit (et ce n’est pas Michelle Obama qui dira le contraire). Watanabe a donc décidé que son 2009 à lui sera outerwear anglais, cf. sa collab’ avec Tricker’s : 2010 suivra le précepte.
Barbour chez J.Crew, et le retour de la brogues à la Grenson, richelieu à bout fleuri, qui va succéder à Red Wing pour le titre de la bottine de l’hiver.

Le Classic Brittanica ramène à la décontraction à la James Bond, toujours bien habillé, jamais tiré à quatre épingles ni trop débraillé.
À l’opposé du Preppy, le Trad exagéré, un Balzac tendant vers le Disraeli, trop de couleurs, et pas assez de simplicité. Trop BCBG, trop cul-serré, allant à l’encontre de la décontraction affichée par les Beats eux-mêmes qui inspirent tant de nouvelles collections, à commencer par Our Legacy.

Le besoin de nonchalance feinte après trop d’années de mecs trop visiblement apprêtés… Le retour de la Sprezzatura de Castiglione, ce comte lombard qui écrivit le Livre du Courtisan, l’art de donner l’impression que tout se fait naturellement, sans effort. Ou de tous ces papa Italiens dont The Sartorialshit raffole tant, super bien sapés, mais toujours avec cette nonchalance si méditerranéenne.

“Le vrai art est celui qui ne semble être art“ : c’est ça, le vrai style, et ça n’a pas changé depuis le XVIè siècle.

Ivy en veux-tu?
Le nouveau mag’ féminin en avait fait son accroche à la rentrée. Grazie mille Grazia, les garces vont s’y mettre aussi. C’est la merde, c’est tendance, “tradibranché“ qu’elles ont dit.
Mainstream vous voilà.

Vous allez vous en prendre, du jus de couilles.

Croyez pas ce qu’on dit à la télé, television the drug of a nation comme le chantaient les Beatnigs, le premier groupe de Michael Franti pas la bande à Ferlinghetti : la récession est toujours là, c’est seulement les banquiers qui ont reconstitué leurs provisions pour cet hiver comme des marmottes qui ne dorment pas, elles…

Nous, les tricards du larfeuille, on va rester sur l’esprit Dépression, Les Raisins de la colère ou On achève bien les chevaux parce qu’on a l’impression, à force de se casser les yeux bien comme il faut sur le web de mode pour mecs qui ont encore de l’argent eux, d’être revenu aux années 30.
Quand le hobo est devenu de nécessité vertu : t’as pas d’argent, tu vas ramasser des oranges à Orange County.
Ou plus sûrement et toujours et encore : aux années 50 quand un clochard céleste pouvait être un Beat qui terminait sa route à San Francisco complètement bourré à force de fêter ses retrouvailles avec tous ses potes restés sur la Bay en oubliant son rendez-vous avec Henry Miller à Big Sur.…

Allez hop, vas-y pour « hobo chic » alors.
Comme ce papy top hip (un ponte de chez RRL, spécialiste des goodies vintage et un des acheteurs d’un Ralph qui se prend désormais pour un cowboy Marlboro), vu sur le Sartoriashit il y a déjà longtemps… l’an dernier. Mais entre lui et le monde réel, il a fallu un an de diffusion.
Normal.
Le charclo comme tendance fait même aujourd’hui petit gros débat, surtout quand Barneys en rajoute une louche.
Je dirais même mieux : Get off the bandwagon, EPMD 1988, ouais…

Mais ce qu’on aime à la revoyure et qu’on sent arriver gros comme un cul de camionneur nourri aux steaks frites d’un Routier, c’est le patchwork sur le fut comme papy là.

Parce quand il fait froid dehors et que c’est la guerre et le chômage et qu’on rêve de pâquerettes au printemps dans un champ normand trop mignon, l’édredon saxon en patchwork molletonné, c’est trop cool.
Petit 1.

Et puis petit 2 : c’est quand même mieux de se coudre un patchwork pour cacher ces trous qu’on n’avait pas sur son chino, plutôt que de faire grunge à deux balles revival chanmé, tu crois ptêt que Vanessa Paradis en se dodelinant dans le clip de Joe le Taxi, elle était grunge parce que ses jeans au genou étaient crevés ?
Et une pensée pour Cobain, qui désespérait de voir son groupe associé avec les rednecks de gauche cheveux longs bien peignés à la Pearl Jam… digression.

Et petit 3 : c’est tellement cool le patchwork, c’est tellement amish, je recycle mes chutes de tissu pour me faire une robe à la main avec juste mes dix doigts une aiguille et du fil, c’est tellement l’Oregon, reduce reuse recycle, que ça ne peut faire qu’un carton.
Les petites fleurs, les rayures pastel et les plaids, les motifs ethniques et vintage, tout est bon dans le cochon.
T’as l’impression de sauver la Terre parce que tu te mets à la couture.
Tu te sens bon.
Bel et bon.

Il y a quelque temps, on vous parlait godillots, leur retour et leurs taros, des bobo et des prolo.
Derrière ça, d’autres marques comptent bien en profiter et grapiller leur part du gâteau.

Surtout qu’en cette période creuse pour les marques (enfin… ça dépend pour qui), toute opportunité de marché est bonne à prendre.
Surtout quand cette opportunité se trouve être une vache à lait, répondant au doux nom marketing de « urban edgy », mais appelle ça comme tu veux : ce genre de specimen prêt à claquer 1000$ chez RRL, ou 1000€ chez Rocker Speed Shop ou Blue Cheese, pour parler de magasins parigots.
Et là, les marques ont sorti l’attirail pour ferrer le poisson glouton vorace pas ano.

Palladium en premier lieu (détenue par K-Swiss, la maison-mère qui malgré tous les budgets du monde n’arrive pas à concrétiser ses nouvelles visées), Palladium où l’on est désormais très alléché par l’odeur du fumet de chaussettes des proprets du Marais et tous les assimilés, prêt à imposer les chaussures de randonnées du désert pour les militaires en perm’.
Ah non, c’est vrai qu’on n’a plus la conscription et les vrais bidasses s’en balancent.

Bref, Palladium… Bien placée au (capsule) show de Vegas.
Pallabrousse pour affronter le bitume hostile.
Et Pataugas aussi dans un autre genre avec leur Authentique à eux… eh ouais : eux aussi.
Le retour de la godasse française made in années 50 ? On pourrait y croire.
Mais il va falloir compter aussi sur les gros joueurs de la toile bien capable de rééditer des modèles, de leurs années d’errance : cf. la photo plus haut de cette paire de Converse de pêche des années 1960 ou 1970.

Bref bis : après le passage de la bottine pointue à celles sous hormones que sont Tricker’s ou Alden, on va assister au passage de l’Authentic à l’Authentique, de la petite plate à la haute cramponnée.

Après un hiver en boots, le printemps venu, tu seras heureux de passer aux Palladium.
Style « rugged » mais allégé pour le printemps.
Et puis après 4 mois en boots, t’auras eu le temps de choper des futals en conséquence.
Et à 50€ la paire, tu vas pas hésiter.

Et ça pour l’instant, ça échappe au mainstream.
Pour l’instant, mais c’est une question de temps, de mois ou de semaines.

Les godillots de l’évasion, de la rando pour les parcs parisiens.
Palliatif pour un métropolitain en manque de nature et de verdure, de grands espaces. Vendredi façon Robinson, c’est le samedi, la ville est une obligation de semaine. Fantasme de la vie sauvage et ses attributs. Ballade, châlet, sport de plein air, air frais, les racines sauvages et les p’tites bêtes dans ta tente de camping, sauvage aussi le camping, de préférence, c’est mieux, c’est… authentique.

On va tous finir par se casser en Patagonie comme Pagny. Florent.

Tu seras beau en Palladium au parc Monceau.

C’est marrant à Paris, l’été, le vrai été, quand il fait chaud, bien chaud comme il sied à une idée d’été, c’est en juin. En général.
Du coup en juillet fin du mois comme celui-ci, on peut presque remettre sa petite laine ou sa sur-chemise et commencer à renifler les frimas de l’automne.
À attendre la grippe et voir les masques fleurir.

Mais humhum, pourquoi tu nous racontes tes histoires de grenouille dignes d’un vieux schnock qui prend son dessert devant la météo après le JT, en attendant d’entendre la bouilloire bouillir pour la verveine et hop, au lit ??
Parce qu’on est curieux, très curieux de voir comment les Parisiens tendance vont se prendre la vague des boots dans la gueule.

Parce qu’on parlait de pandémie virale mais avec ces chaussures façon groles de prolo Ferdinand Bardamu à Détroit 5:00 du mat’ j’ai pas de frissons parce que je suis en mode after mais parce qu’il fait froid et j’ai 10 heures de taf à la chaîne à faire et c’est pas drôle, avec ces godasses là, c’est carrément une épidémie.
Il y en a partout.
Par-tout.

Comme si les marques on s’habille classique chic on arrête les androgynes on veut des mecs à couilles avec du pognon sur le compte en banque et des qui s’assument, s’étaient données le mot.
De Timberland (évidemment) à RRL (merci à ACL pour les tofs), de APC à Wings & Horns (photo ci-dessus), de Our Legacy à Tricker’s x Kurt Geiger, de B Store à Beryll, Loake, Dr Martens, Vasque (Sundowner), Limmer et j’en oublie, plein.

Les boots sont le hit.
It-shoes : terminées les desert boots et si t’es vraiment à la pointe du truc, les machins en cuir pointus je suis trop un rocker la preuve j’écoute… Phoenix, tu vas trouver ça du dernier ridicule. Carrément tapette.

On se marre d’avance de voir les mecs avec une garde robe remplie depuis 3 ans de jeans fittés essayer de chevaucher cette nouvelle vague.

Alors oui, ça faisait un moment qu’on avait vu les Red Wing chez Blue Cheese par exemple, mais ça, ça se comprend : c’est l’habituelle clientèle vieux ou jeunes briscards je connais mes coutures Levi’s vintage par année de production et je t’emmerde ma moto fait plus de bruit que la tienne et quand je fais l’amour à ma meuf je lui mets des traces d’huile de moteur sur la fesse et elle kiffe parce que ça va bien avec ses tatoos à l’encre noire…

Mais là, on en a vu de nos yeux vus en vrai dans le Marais, des Red Wing en vitrine et là, c’est le signe.
La fin. Ou le début plutôt.

Parce que sur le web, c’est l’épidémie j’te dis.
Des godasses de mecs du bâtiment ou de bûcherons des Appalaches, il n’y a que ça. Et ça va continuer au printemps prochain.

Workwear que tu vas dire pour montrer que tu t’y connais un minimum.

C’est pas la crise pour tout le monde, je te le dis mon ami.