C’est fashion week comme tu le sais. On va t’épargner les jeux de mots, week, weak, wack, pour cette fois. On va pas dire c’était mieux avant, on n’y était pas, surtout pas à NYC fin des seventies mais certains là-bas devaient avoir un bon grain.
Ce temps est passé, mais on peut toujours s’en rappeler.

Mais pour repérer les emprunts, il faut lire : on avoue, on est atteint de boulimie livresque, pathologie empêchant l’écriture fleuve. Et la diarrhée verbale aussi du coup mais ça, c’est un bon point.
Un jour, peut-être nous arrêterons et pourrons écrire tous les jours comme des glands. Pardon, grands.

En tout cas, pour l’instant, on utilise nos doigts sains pour d’autres activités que celle de réinventer le monde depuis nos claviers rétro-éclairés.
Dont celle de tourner les pages, en mouillant un peu notre majeur.
Très étorique mouvement d’ailleurs.

Mais stop, place à Paul Yonnet qui dit en plus court et universitairement mieux ce qu’on disait dans le numéro 4, tu te rappelles ?

« Sport et porter sport.

Le succès tellement visible du blue-jean a relégué au second plan une évolution, au moins aussi importante, vers le sportswear.

En France, tous deux triomphent durant la décennie soixante-dix. Globalement, en Europe, les ventes de jeans connaissent une croissance de 300% entre 1970 et 1976, pour se stabiliser dans notre pays au début des années quatre-vingt autour de 45 millions de pièces annuelles ; la grande percée du sportswear aura lieu en 1976. L’arrivée des vestes et blousons ainsi traités provoque une baisse de 25% des impers ; vêtements uniformisant dont la vente au total a diminué de plus de moitié entre 1971 et 1982, l’imper n’a pu être sauvé que par une entrée dans la mode. Quant au sportswear, il irradie et influence tous les secteurs vestimentaires : voir par exemple les créations New Man, ou bien encore l’introduction d’un pourcentage plus ou moins important de matières extensibles synthétiques dans les cotons du jean. Avec Le lycra disparaissent non seulement les mauvais petits plis involontaires, mais surtout, le jean, qui reste alors moulant, devient souple et confortable. Tels sont deux des caractères qui peuvent définir le porter sport : un porter fondamentalement non contraignant, à l’aise, décontracté, mais intégré dans la mode (tout porter décontracté ne l’est pas forcément).

En d’autres termes, l’influence du porter sport se repère bien au-delà du secteur vestimentaire se réunissant lui même sous cette appellation. Appellation incontrôlée, notoirement floue : en Grande-Bretagne, on a longtemps désigné par ce terme des vêtements spécialisés de sport ; d’Amérique nous vient la notion d’active sportswear, utilisation d’articles de sport comme vêtements dans la vie quotidienne (par exemple, les chaussures de jogging haut de gamme New Balance ou Nike) ; justement Malko Jean nous propose un « pantalon jogging en coton gratté » : c’est de l’ « easy to wear » féminin pour l’automne-hiver 1983-1984. Qu’est-ce que l’easy to wear ? Il est « à vocation intemporelle, évolue par paliers ». Autrement dit, c’est une mode à la mode par antimode, recherche de la permanence sous l’évolution. Pour l’été 1984, Levi Straus nous proposait en guise d’easy to wear une veste de travail en jean : portée avec des chaussettes Burlington et des tennis Slugger, soit typiquement du sportswear. Le sportswear féminin pour l’automne-hiver 1984-1985 ? Des tenues militaires arrangées : « La ligne, ronde, gonflante, empile gros pulls, gilets, vareuses, parkas et vestes courtes sur des jupes amples à bretelles de cantinière et des pantalons battle-dress. Des vestes-chemises, boutonnées et ceinturées à la russe, se superposent à des surjupes enfilées sur un pantalon. La souplesse des jupes et des vestes décollées redonne la féminité à ces tenues militaires, réchauffées de tissus en épais coton gratté, chiné ou mouliné, souvent ouatiné ou molletonné. »

Et puis encore : quand les professionnels du vêtement de sport d’hiver s’interrogent sur la nature des produits à offrir, ils en concluent que la clientèle souhaite, « depuis quelques saisons, le multi-usage », un « vêtement d’ailleurs sportswear souvent transformable, mi-technique, mi-mode ». Même constatation du célèbre magasin Au Vieux Campeur (Paris), dans son catalogue : les vestes de montagne, au départ conçues pour résister aux températures extrêmes, protéger des chocs et des éraflures tout en permettant l’activité physique, les vestes de montagne se sont civilisées. Elles sont d’ailleurs conçues par des stylistes. Tissus agréables (notamment toute la gamme des tissus extensibles), empiècements de couleur, facilité de nettoyage, elles sont plus souvent portées en ville. Je dirais même : vraisemblablement, portées aussi souvent en ville qu’à la campagne. Quand vient son tour, l’urbanité incluse dans ces vêtements se transporte jusque sur les pentes, au fond des bois. C’est dire que le sportswear n’est pas purement et simplement un vêtement de sport porté en ville, mais un vêtement interactif du loisir et de l’urbanisation.

Précisons justement, pour tirer conclusion du panorama d’exemples présentés, la place du sport dans les interactions constitutives du porter sport.

En premier lieu, en effet, le vêtement de sportswear trouve de moins en moins son origine dans le sport. Il se renouvelle tout autant à partir du travail et des tenues militaires : blue-jean, blouson d’aviateur, débardeur, salopette, tenue de magasinier, parka, bonnet, etc. En revanche, tous sont traités en porter sport selon notre définition précédente.

En second lieu, le porter sport – pratiquement inconnu dans la vie quotidienne avant-guerre dans l’Europe occidentale – n’est nullement une conséquence inéluctable de la pratique du sport. Aux Olympiades, les Grecs couraient complètement et obligatoirement nus. Mais porter un vêtement durant le sport ne suffit pas à faire un faire un porter sport. Actuellement, le vêtement sportif est très souvent une gêne, une arme ou une entrave technique volontaire : essayez de vivre vingt-quatre heures en tenue de compétition. Toute une part du sport moderne est d’ailleurs fondée sur le système de l’entrave volontaire, notamment par les pieds (chaussures à crampons, à pointes, semelles rigides de montage, chaussons d’escalade, chaussures cyclistes). Le porter sport, en son absence d’affectation, vient des États-Unis, spécialement de sa partie Ouest : c’est une nouvelle fois l’idée de liberté individuelle, d’absence de contrainte que nous voyons à l’œuvre et non cette idée de se déduire naturellement d’une catégorie d’activités. C’est aussi le moment de rappeler que le porter sport s’est diffusé dans la décennie soixante-dix autour de la popularisation du jogging, un de ses media principaux. Et le jogging, pratique pénétrante, voyageuse, débordante, hors zone – hors circuit –, mode justement venue des États-Unis et en rupture avec les usages sociaux athlétiques antérieurs, ne connaît – comme on l’a montré – qu’un style, le style libre. Actuellement, si le vêtement de sportswear transporte dans la quotidienneté civile le vêtement de sport, de travail et les pièces militaires, le porter sport influence tout autant… le vêtement de sport, le vêtement de travail et ces mêmes tenues militaires. Il n’est pas si loin le temps où l’inconfort, la rudesse de certains uniformes militaires passaient pour éprouver le caractère et former les hommes à vivre « à la dure ». Essayez à présent les surcombinaisons de parachutistes, souples, douillettes, confortables, un régal de non-contrainte, vous les trouverez en vente civile chez Dilidam, rue du Faubourg Saint-Denis, un magasin branché du plus branché des quartiers parisiens, celui des Halles.

Trompeur sur ses origines, et sa logique d’intervention, le porter sport apparaît depuis la guerre comme l’idée peu à peu unifiante, contaminante, éclaboussante, irradiante, de la mode vestimentaire, du « casual look » marginal des années cinquante, de l’ « oversize » généralisé des années quatre-vingt, en passant par le porter hindou des tuniques hippies, le Lycra des velours et cotons extensibles, les tricots de Sonia Rykiel, les pulls Woolmark et l’apparition des assouplisseurs de lavage. »

Paul Yonnet, Jeux, modes et masses, 1985.

Nos vieux 501.

On en a tous eu un.
Tout comme ton père et ton grand-père.
Comment faire autrement, vivre sans ?
Filiation mythique, culturellement marquée et marquante, transcendant les époques, unifiant les jeunes depuis le milieu du siècle précédent.

Pas étonnant donc que Levi’s Vintage Clothing ait édité il y a quelque temps un livre relié : 501 : the evolution of the Jean.
« The Jean » car s’il ne devait en rester qu’un comme Highlander, ce serait bien le 501, Duncan McLeod du pantalon en sergé de coton.
Triste réalité pour les autres acteurs du marché, heureuse pour la sus-mentionnée.
Le 501 est à part, au panthéon des pièces du musée des arts et traditions populaires, à côté d’une vieille bouteille Coca-Cola, face à notre marinière et notre baguette.
Braguette en boutons.

Ce livre est une sorte de diachronie illustrée, de 1890 à 2008.
Double historiographie, sur deux niveaux : macro et micro, celle produite par Levi’s et celle produite par son ancien propriétaire, leur Histoire et notre histoire.
Production en deux temps et plein de mouvements.
Une histoire de patine, interne et externe, une histoire de Westerns car le 501 est une matérialisation de l’histoire de l’Amérique et de sa culture.
On ne te résumera pas le livre ici, va chez ton revendeur LVC, tu devrais le trouver.
Support PLV.

Un livre qui fait du bien parce qu’enfin, une marque comprend comment capitaliser intelligemment sur son héritage et la culture de ses consommateurs.
Pas seulement en te balançant une chronologie ou une date de fondation.
Remettant aussi gentiment certaines pendules à l’heure tant les erreurs firent un malheur, c’est tout l’intérêt révélé d’une plume pro-domo bien renseignée, Lynn Downey, historienne et archiviste de Levi’s.
Pythie du temple san-franciscain, devinant l’histoire se cachant derrière chaque vêtement de la marque au Red Tab, reconstituant le puzzle d’une histoire brisée en 1906 : un séisme suivi d’un incendie ayant détruit la totalité des archives de Levi’s depuis sa création officielle en 1873.

Le 501 est un sujet fleuve, on pourrait vous en parler pendant des heures, vous parler de notre première paire, de notre dernière et de tout ce qui cache derrière.

Comme ces Américains que Michael R. Solomon il y a 25 ans, a rencontrés pour écrire son Deep-seated materialism: the case of Levi’s 501 jeans décrivant tout l’horizon social que pouvait incarner ce simple pantalon de coton – pantalon puits sans fond.

Dommage qu’il y ait deux erreurs historiques difficilement pardonnables : l’une confondant Jacob Davis, le vrai fabricant du pantalon sur coutil ayant pour la première fois apposé des rivets et celui ayant financé le dépôt de brevet, son fournisseur de toile, Oscar Levi-Strauss ; l’autre parlant du jeans de James Dean dans La Fureur de Vivre alors que ce dernier portait un Lee 101, car James était gentil, contrairement à Corey Allen, qui lui, méchant, portait un 501, conseil de Frank Mazzola, ancien gangster devenu monteur et acteur.

501 légendaire, comme sa toile aux origines floues : un pantalon au coton bleu indigo venant de Gênes et un sergé fait de soie et de laine venant de Nîmes. Mais comme nous le rappelait le savant Paul Trynka : « Le denim tel que nous le connaissons a été rendu possible grâce à l’invention du spinning jenny » en 1764 par un tisserand du Lancashire, « avant cela, ce n’était pas possible d’avoir un fil de coton assez résistant pour être tissé. En revanche, on ne sait pas si le denim produit en Angleterre était fait d’un fil teint et d’un autre naturel. Il y a des recherches à faire à ce sujet. Quoi qu’il en soit, ce sont les Américains, notamment la manufacture d’Amoskeag à Manchester dans le New Hampshire, qui ont développé commercialement le denim. »
Riflette entre quatre des plus gros acteurs de la Mode : France, Italie, Royaume-Uni et États-Unis ; chacun ayant son mot à dire, chacun revendiquant une pierre du monument.
Cachant un besoin d’appropriation d’un des plus gros phénomènes culturels occidentaux.

Supposition.
On présume comme Downey le fait, en scrutant les 501 qu’elle a récupérés à gauche, à droite, à l’Est d’Eden, à l’Ouest du Mississippi. Déduction grâce à la patine, ces marques du temps s’accumulant à la surface des objets, réaction chimique à l’environnement ambiant et aux activités pratiquées, à l’origine une façon pour les nobles de symboliser leur place dans la hiérarchie sociale. Pratique tombée en désuétude suite à l’avénement consumériste, mais existant toujours chez les communs des mortels qui bavent des ronds de chapeau : pas de rond, pas de consommation, pas de nouveau pantalon.
Facile équation.
Condamnés à vieillir avec et ainsi le marquer de leur condition d’ouvrier.
Fatalité.

La toile ne vient peut-être pas des USA, certes, mais nos quatre puis cinq poches rivetés sont bien nés du côté du Nevada, fabriqués pour des mineurs et des fermiers pour ensuite devenir l’uniforme de l’ouvrier et enfin celle du marginal que le marché réintégrera quelques années plus tard.
Quand on regarde nos 501, on ne voit ni ouvrier provençal, ni marin italien, on voit Brando & Cochran, icônes américano-américaines, Hollywood et Rock’n'Roll. Paul Trynka nous le confirmait : « Le cliché veut que ce soit les GIs qui aient popularisé le denim en Europe, bien sûr, il y a toujours un peu de verité derrière le mythe. Cependant, je citerais le Rock’n'Roll et Hollywood comme principales raisons. En Europe, les gamins s’ennuyaient, frustrés, réprimés, ayant envie de quelque chose de nouveau ; le modèle américain de l’adolescence est alors apparu comme ce qu’ils avaient toujours attendu, et le blue jeans en était l’uniforme. »

Nos 501, on les aime pour ça, on rouille dedans pour mieux les marquer dehors. On les associe à nos voisins américains, à leurs films, leurs artistes et leurs écrivains. On se sent rebelles contre tout, contre rien. On les patine tant bien que mal en espérant qu’un jour aussi, nos futals finiront dans les archives de Levi’s, que la personne en charge de l’histoire et des archives imaginera nos vies, ce qu’on a foutu.

Pour conclure qu’on était des branleurs de bureau le jour et la nuit des mecs, gueule ouverte dans le caniveau.
Canevas incomplet, perfectible, modeste.
Canevas made in USA.
Wabi-sabi comme principe esthétique.

À chacun son 501.

Deux bonnes années à se manger du tradi-tradi comme des béni-oui-oui.
Ce fut une boulimie, c’est une indigestion.
Marre de voir des photos jaunies des tontons de droite se réincarner en vrai sur de jeunes cons.
On en a soupé.
Par contre, le look Ivy est connoté inversement dans la gente opposée.
Eh oui, pour une fois, on va parler fille, pas playmate, jeune femme et pas nénette.

Bienvenue à Vassar dans les années 1950, faculté « pour filles ». Filles de et filles à.
Formation d’élite pour jeunes socialites devenue berceau proto-féministe.
Looks de garçons conservateurs pour affirmer leur progressisme et rompre avec le cliché de la modeuse fille à papa qui finira femme au foyer.

Or personne ne parle aujourd’hui mieux de ces anciennes étudiantes qu’une ancienne étudiante, aujourd’hui doctorante, dont le sujet est Vassar style : fashion, feminism and 1950s American Media.
Rebecca Tuite.

Peux-tu te présenter et nous expliquer comment tu en es venue à poursuivre tes études à Vassar College et donc vivre sur les lieux où est né ce style dont tu as fait l’objet de ta recherche ?

Je suis originaire de Londres où j’ai obtenu une licence en Littérature anglaise. J’étudiais alors à l’Université d’Exeter et l’opportunité de passer un an à Vassar College dans le nord de l’État de New York s’est présentée, et je l’ai saisie.
Je crois que mes premiers souvenirs de Vassar remontent à mon enfance et aux films classiques que je regardais à cette époque. J’ai regardé Certains l’aiment chaud je ne sais même plus combien de fois. Tout au long de mes années lycée, j’étais passionnée aussi par la période Kennedy des USA ce qui fait que j’étais au courant du lien entre Jackie Kennedy et Vassar.
Plus tard, j’ai découvert The Group (ndlr : film jamais distribué en France) ainsi que les références faites par Ava Gardner dans Mogambo, ou dans Sabrina aussi. J’ai également beaucoup lu sur Jane Fonda et donc eu vent de cette rumeur selon laquelle elle était venue au Rose Parlor pour le thé en portant des gants et des perles pour seuls vêtements, mais cette histoire est fausse, évidemment ! Je connaissais donc, ne serait-ce que vaguement, Vassar… mais principalement grâce à ces références stéréotypées et la renommée de l’école.

C’est seulement une fois mes études commencées, que mon besoin de comprendre les origines et raisons de ces stéréotypes s’est exacerbé. J’ai vraiment pris conscience de l’importance de la « Vassar girl » dans la culture populaire et je voulais savoir de quelles façons cette image s’était construite, afin d’avoir une vision plus fouillée que celle fabriquée par Hollywood.

J’ai bien sûr travaillé pour des magazines de Mode et ces expériences n’ont fait qu’exacerber cet intérêt pour le style « Vassar Girl ». Lorsque j’étais à Harper’s Bazaar et Teen Vogue, je passais toujours du temps dans les archives de Hearst et Condé Nast pour feuilleter les anciens numéros et j’ai ainsi pu collecter les mentions, les articles, les séries photo parlant de Vassar et de ses étudiantes au travers du temps. Car c’est incroyable, l’influence que les étudiantes de cette faculté ont pu avoir (et d’une certaine façon, ont encore) en tant que mannequins ou rédactrices dans la mode et plus généralement la presse féminine. Toutes ces photocopies, notes et images furent donc ma première base de travail afin de débuter ma recherche.

Comment Vassar est devenu l’équivalent Seven Sisters de Princeton ? Quels sont d’après toi, les facteurs qui ont permis de créer ce terreau sur lequel a poussé cette culture ?

Tu sais, je pense qu’il y a plusieurs raisons. Historiquement, le fait que Vassar fut le premier College à offrir une éducation du même standing qu’Harvard ou Yale a joué un rôle important : immédiatement, les étudiantes de Vassar sont devenues les coqueluches des médias avec leurs coiffures, leurs choix de tenues, leurs aspirations à la fois professionnelles et personnelles… leurs faits et gestes nourrissaient la presse nationale à l’époque. Et cela se passait au XIXè siècle, ce sont les racines de la « Vassar Girl », son ancrage dans la culture populaire (même si, bien sûr, la robe à cerceaux a laissé sa place au bermuda dans la représentation iconographique de la « Vassar girl » au XXè siècle). Les quotidiens nationaux et les premiers périodiques sont remplis de longs articles discutant de la manière dont les étudiantes de Vassar s’habillaient et cela a façonné le regard porté par la population sur cette communauté estudiantine où un certain style était cultivé.

Pour recentrer la discussion sur le style Vassar et sa place au sein de la Ivy League et des Seven Sisters dans une optique plus contemporaine, Vassar a cette chance d’être séparée géographiquement des autres universités et plus spécifiquement des autres membres de la Ivy, tout en en faisant partir de ce cercle d’élite et exclusif que sont les Seven Sisters. Princeton, Yale et Harvard ont développé, sur leurs campus respectifs, un style unique dont le code avait été développé par les étudiants eux-mêmes, tout en associant ce style à celui, plus large, de la Ivy League. De la même manière, Vassar était assez éloigné pour que ces étudiantes puissent jouer avec la culture du style Ivy, en adopter certains de ces éléments qu’elles avaient pu voir sur leurs frères et leurs pères tout en pouvant le redéfinir et ainsi se l’approprier.

Même si l’idée que la frange la plus aisée des étudiantes pouvait se permettre une vie et un style plus luxueux, ce qui contribua d’ailleurs à l’image du style Vassar, la majorité des étudiantes n’était pas intéressé par le style « Vassar girl » dont les médias raffolaient, cette image de la débutante, la socialite en Lanvin et Dior. Elles préféraient s’habiller plus librement et peut-être donc de façon plus casual et moins formelle que beaucoup s’imagine, tout en exerçant une fascination similaire sur la la population qui se mit à imiter ce style.

Ton sujet de thèse, sujet de ton futur livre, parle aussi du féminisme : penses-tu qu’adopter ce style un peu garçon manqué, similaire à leurs pairs masculins, était une façon pour elles d’affirmer une nouvelle féminité, plus émancipée d’une certaine manière ?

J’ai prêté beaucoup d’attention à la façon dont le vestiaire masculin était utilisé par le style Vassar dans les années 1950 et le fait que de nombreuses jeunes filles aimaient clairement s’habiller selon un style proche de leurs frères, membres de la Ivy League, est vraiment intéressant. Elles vivaient, d’une certain façon, la même expérience que leur parentèle masculine avait connu et apprécié : acheter une garde-robe pour l’Université dans un magasin comme Brooks Brothers. Le prêt-à-porter masculin était statutaire : c’était un autre signe extérieur affirmant qu’elles étaient, académiquement, les égales des étudiants Ivy, vis à vis de leur famille et de toute la société.

Quant à la question de l’émancipation ou de la nouvelle féminité… ce sujet a été l’objet d’une long débat au milieu du siècle dernier qui s’est conclu finalement sur l’idée que si les étudiantes de Vassar portaient des jeans ou des chemises d’homme, c’était une sorte de geste montrant leur « bohémianisme », leur « libération » ou leur « rébellion », avant de finir par fonder un foyer. C’était donc une liberté de conditions, permettant aux étudiantes de se concentrer pleinement sur leurs formations et créant un climat d’égalité sur le campus durant la semaine dégagé de tout « dress code » (seul la jupe était obligatoire pour le dîner), mais je ne pense pas que cela signifiait une émancipation totale de la femme ni une égalité des droits. Les années 1950 sont pré-féministes et si effectivement il était possible de discerner des ébauches des changements à venir, la marche vers l’égalité était loin d’être finie.

Finalement, je pense que l’adoption du style inspiré par le prêt-à-porter masculin avait pour but de mettre sur un pied d’égalité les étudiantes avec leurs pairs membres de la Ivy tout en leur donnant un sentiment de liberté et d’apaisement, leur permettant de mieux se concentrer sur leurs études la semaine, ce qui était pour elles, primordiale malgré tout.

Sur un plan plus vaste, l’implication des femmes dans la gestion de l’arrière durant la Seconde Guerre Mondiale, la preuve par la pratique qu’elles étaient tout aussi qualifiées que leurs maris pour le travail à l’usine ou ailleurs, n’a-t-elle pas aussi été l’élément déclencheur de la libération de la femme au niveau de la société en son entier, indépendamment des mouvements internes à l’élite sociale dont les jeunes exemplaires féminins pouvaient se retrouver à Vassar ?

Avec la Seconde Guerre Mondiale, l’attitude vis-à-vis du travail des femmes a effectivement commencé à changer. Bien sûr, Vassar était fréquenté par les meilleures élèves du pays, leurs diplômées repoussaient donc toujours les limites d’un point de vue professionnel. Vassar, parmi ces diplômées, a toujours eu des docteurs, avocates, écrivains ainsi que des représentantes dans le monde des affaires et de l’académie, autrement dit : nombreuses sont celles qui ont eu une carrière professionnelle.

Cependant, les diplômées de Vassar dans les années 1950 faisaient encore face à un sexisme consternant, ainsi qu’à la discrimination sur leur lieu de travail. Et la question « Que faire après l’université ? » était encore centrale tout au long de la décennie. La plupart des étudiantes ressentaient toujours la pression sociale au sujet du mariage et de la fondation d’un foyer : en 1951, une étude démontrait que 95% des étudiantes de Vassar souhaitaient se marier et avoir des enfants avant l’âge de trente ans alors que seulement 15% envisageaient une carrière à temps plein au même âge.

Je me souviens avoir lu Bruce Boyer affirmer que le style Ivy était un moyen pour les jeunes démobilisés de montrer leur volonté de réintégration au sein de la société du costume gris… le style Vassar a-t-il eu un rôle similaire pour les femmes, mais véhiculant à l’opposé leur désir de faire évoluer le rôle classique de la Femme occidentale ?

Je pense que ce style, sur le campus tout du moins, mettait en avant un sens de l’indépendance, comme une diplômée des années 1950 le soulignait : « je m’habillais pour signifier mon intelligence ». Dans la lignée de leurs excellentes études, les diplômées voulaient poursuivre une carrière du même acabit, mais nombreuses étaient celles qui ne connaissaient alors pas les rouages et qui avaient conscience qu’on attendait d’elles de devenir des mères et femmes au foyer.
Oui, le look Vassar sur le campus était casual, extrêmement influencé par le placard masculin et donnait l’impression d’un style facile à porter, pas trop réfléchi, approprié et symbolisant le lien avec la Ivy League.

Cependant et je répète, la robe était toujours obligatoire pour les dîners et ce, jusqu’en 1969, lorsque Vassar devînt mixte. Ceci souligne les défis auxquels devaient alors faire face les femmes à cette époque : c’était une période encore traditionnelle et les évolutions aussi bien dans le monde du travail que dans la société de façon plus générale, trouvaient un certain écho sur le campus mais les us et coutumes d’un style plus féminin étaient encore très présents.

Selon toi, quel impact ce style a eu sur la définition du genre féminin dans l’Amérique des années 1950 ? Comment ces jeunes femmes étaient-elles perçues par la société américaine ?

Je pense que le style porté sur le campus de Vassar a eu un impact important sur la façon dont s’habillaient les jeunes femmes dans les années 1950. Il y avait certes le style générique de l’étudiante universitaire mais il est évident que celui de Vassar a connu une attention toute particulière. Il était représentatif d’une génération nouvelle et fascinante de femmes et cette époque fut le paroxysme de sa popularité et de son attractivité. Selon moi, le style Vassar a connu son heure de gloire peu avant celle de l’Ivy, mais ce n’est que mon opinion. D’une certaine manière, le style 50‘s Vassar cristallisait la totalité du féminisme encore nouveau : attitudes envers le travail, la carrière, le mariage, l’indépendance, les hommes, l’égalité. Il était un mélange entre l’ancien et le nouveau, à la fois tradition et innovation, dans la façon dont la garde-robe masculine rencontrait celle plus preppy et traditionnelle de la femme, tout en s’ancrant dans le glamour et les robes de l’époque lors des cérémonies.

Quant à la perception des étudiantes de cette université, je dirais que le sentiment prédominant était celui du respect. Ces jeunes femmes étaient exceptionnellement douées aussi bien intellectuellement qu’académiquement, elles évoluaient dans une faculté à laquelle on portait beaucoup d’attention. Ce qui est particulièrement intéressant à cette époque est l’impact du stéréotype «fille de Vassar» qui circulait largement dans la culture populaire américaine et ses médias. Elles étaient catégorisées comme snobs, socialites et autres quolibets du genre, ce qui n’était finalement qu’une exagération de la réalité. Certes, il y avait des étudiantes nanties, des filles de personnes publiques importantes, mais ce n’était qu’une vision partielle.

J’ai vu que tu étais allée à la réunion des diplômées de 1951 : est-ce que ces femmes réalisent aujourd’hui l’influence qu’elles ont eue sur les Américaines à cette époque ?

Oui, j’en ai profité pour organiser des groupes de discussions et c’était fascinant. J’ai l’impression que c’est seulement maintenant, avec du recul, qu’elles réalisent l’influence cruciale qu’elles ont eu sur leurs contemporaines. Une diplômée, à ce sujet, lors d’une discussion sur les carrières des étudiantes de Vassar me disait : « nous repoussions déjà le plafond de verre alors que le terme n’existait pas encore. » Et c’est une définition exacte de ce qu’il se passait : avant le féminisme, les jeunes femmes de Vassar avaient défini un style vestimentaire, une volonté de carrière alliée à celle d’une famille.

Je pense que la plupart des étudiantes étaient vaguement conscientes que leur style influençait les Américaines de leur âge, notamment parce que les premières étaient souvent enrôlées pour jouer les mannequins dans les magazines de Mode, pour servir de panel dans des grands magasins et autres choses dans le genre. Lorsqu’elles quittaient le cocon culturel du campus, elles le réalisaient particulièrement bien, notamment car leur style les précédait presque : leurs employeurs, nouveaux amis et partenaires avaient une idée préconçue de celui-ci, principalement nourri par les médias et qui n’était d’ailleurs pas toujours favorable.

Ta thèse aborde la place des médias américains au sujet de ce style. Le stéréotype de la Vassar girl est très ancré dans la culture populaire (Certains l’aiment chaud, Le Mur invisible, Les Simpsons, American Dad, etc.), comment les médias ont réagi à ce style qui finalement rompait avec l’ancien ?

Après presque cent ans à véhiculer l’image snob de la Vassar girl s’habillant avec les plus belles robes de soirées, fourrures et bijoux, cette nouvelle simplicité vestimentaire des années 1950 n’a pas été bien accueillie, et a même choqué la plupart du temps. Pour ceux qui étaient étrangers au campus, il était facile d’imaginer les étudiantes de Vassar vivant dans le luxe ; un article affirmait même qu’elles avaient une vie de princesse, avec majordome, cuisine personnelle et dressing ! Ce grand écart entre le mythe et la réalité prenait probablement ses racines dans une simple loi économique de marché : les ensembles Lanvin, les robes Oleg Cassini, les manteaux de vison, les talons, et autres perles et maquillages étaient un marché beaucoup plus porteur que celui des jeans, bermudas et chemises empruntées à papa !

Mais, dans la seconde moitié des années 1950, certains magazines, plus jeunes, ont commencé à délaisser le mythe pour la réalité, et le vrai look Vassar a alors été plus marketé auprès des étudiantes. Il a alors eu une connotation plus positive, représentant les étudiantes talentueuses et non des «socialites.»

Tu as récemment écrit sur le rôle de Brooks Brothers au sein de cette communauté et plus spécifiquement sur leur service particulier proposant aux nouvelles étudiantes le « right look on and off-campus ». Penses-tu que ce sont les étudiantes qui ont justement fait réaliser à cette marque l’existence d’un marché féminin insatisfait ?

Oui, mais c’était un développement de marché inévitable à cette époque. Les étudiantes appréciaient l’image véhiculée par les vêtements Brooks Brothers qui était, qui plus est, une autorité dans le style Ivy. Je suis certaine qu’ils ont développé la ligne pour des raisons allant au-delà de la demande provenant des étudiantes de Vassar, mais ces dernières ont eu un rôle important : elles étaient la clientèle-cible.

Malgré cela et le développement des lignes féminines chez d’autres marques, nombreuses étaient les femmes, et pas seulement de Vassar, qui continuaient à s’habiller chez les hommes. Il y a beaucoup à dire au sujet de l’authenticité de ce style, mais à Vassar, la garde-robe masculine n’a pas perdu son statut immédiatement et les lignes féminines sont devenues une alternative supplémentaire pour ces jeunes filles.

Brooks Brothers était-elle la marque-pilier de cette communauté ? Qu’en était-il des autres enseignes masculines du même style, comme J. Press ou Bass ?

J.Press a effectivement lancé brièvement une ligne pour femmes à cette époque (brièvement, car elle n’a pas duré) et il y a d’ailleurs de très beaux catalogues des collections de cette ligne. Il est très probable que des étudiantes de Vassar en aient porté dans les années 1950. C’était, encore une fois, une réponse à ces étudiantes envahissant leurs magasins à la recherche des plus petites tailles. De nombreuses jeunes femmes portaient des vêtements achetés dans les magasins de Nassau St. ou autres échoppes de New Haven, généralement fréquentées par les hommes parce que les hommes de leur famille y allaient. Mais oui, Brooks Brothers était clairement, si ce n’est la plus populaire, au moins une des plus appréciées du style du campus.

D’autres marques étaient populaires comme Peck & Peck (particulièrement pour leur bermudas Black Watch, preuve évidente de l’inspiration Ivy), les chemises Liberty, les chaussures Capezio et les grands magasins comme Lord & Taylor, B. Altman et autres du genre… En revanche, il était impératif de connaître les marques et vêtements portés à Vasar afin de n’acheter que ça et ne pas se laisser convaincre par une vendeuse d’acheter autre chose…

Comment le style de Vassar a évolué ensuite ? Le style hippie est arrivé progressivement sur le campus dans les années 1960, non ?

Les choses ont effectivement commencé à changer dans les années 1960 et les robes portées sur le campus en étaient la preuve. Lors des premières années de cette décennie, peu de choses se sont modifiées même si le denim s’est petit à petit imposé, tout comme la silhouette si typique de cette décade. Je pense que ce qui a enterré le style dit Vassar est l’ouverture de l’université aux garçons : l’équilibre était alors rompu, c’était une nouvelle ère pour Vassar et l’Amérique. L’évolution fut douce, ce style si typique était encore porté par des étudiantes dans les années 1960. D’ailleurs, lors de pourparlers au sujet d’une fusion potentielle avec Yale au début de la décennie, de belles photos ont été prises montrant des étudiantes partisanes de cette idée portant bermudas et blazers.

Tu as aussi écrit au sujet de cette pratique signifiante qu’est l’écharpe et le passant de chemise dans les relations amoureuses. Cette pratique, autour de l’écharpe, est ensuite devenue plus générale, indiquant plus le rattachement au campus et une certaine classe sociale qu’à une personne. Y a-t-il eu d’autres pratiques de ce genre, notamment pour exhiber l’appartenance à des sororités, ou autres groupe ?

Vassar n’a jamais eu de sororités et c’est probablement une des raisons qui me fait apprécier cette faculté. Effectivement, cette écharpe signifiait un certain statut et une appartenance. Il existait aussi des bijoux montrant l’appartenance mais aussi la solidarité au sein du campus, comme la bague en or d’étudiante marquée d’un logo «VC» entrelacé et que les étudiantes obtenaient lors de l’obtention de leurs diplômes. Il existait aussi un blazer officiel, très populaire, durant la décennie 1950, fabriqué en laine grise avec le logo «VC» brodé sur poche au niveau de la poitrine. Les étudiantes appréciaient alors de porter des objets au logo Vassar. Les universités Ivy avaient leurs vestes club, leurs blazers sport, leurs vestes de country club, les sweaters avec le logo brodé, équivalent des objets produits par l’université. Cela a vraiment aidé à développer un esprit de faculté.

Merci Rebecca.

« Il prenait en photos il y a soixante ans ce que nous autres photographieront dans dix ans », Solve Sundsbo.

Erwin Blumenfeld, oublié par l’histoire, qui lui a préféré Man Ray auquel il n’avait pourtant rien à envier, sinon les connexions.

1897 : naissance.
1969 : mort à Rome d’une crise cardiaque.

Bourgeoisie juive berlinoise, pas vraiment à la bonne période. Première expérience photographique à l’âge de dix ans : le Moïse de Michel-Ange, une pomme de terre à moitié pelée, une brosse à dents, un pot de chambre, son frère, un pince-nez, un corset de sa mère et une moustache.
A dada sur mon bidet pas Bourvil mais Duchamp… Autrement dit : matrice dadaïste.

Études dans une école prestigieuse à partir de 1903, interrompues à la mort de son père en 1913, la banqueroute familiale se fait sentir : Erwin devient apprenti dans un atelier de vêtements féminins.
Il fréquente Paul Citroen et le Café des Westerns apprécié des adeptes de « la projection d’une subjectivité qui tend à déformer la réalité pour inspirer au spectateur une réaction émotionnelle » et avatars du futur art dégénéré, dont ses futurs amis homies Else Lasker-Schuler et George Grosz.

Conscrit en 1917, il conduit une ambulance, mais ne deviendra pas prix Nobel de littérature. Seul rescapé de l’accident de son corbillard, il est aussi le comptable d’un bordel peuplé de syphilitiques près de la frontière belge. En 1918, emprisonné pour aspiration à la désertion, il apprend la mort de son frère lors de son retour au front.

La Hollande en nouvelle destination.
Il retrouve Paul, établi comme marchand d’art contemporain, niche peu porteuse à l’époque. Erwin est peintre du dimanche, travaille en privé sur ses collages expressionnistes et ses dessins cubo-fauvistes mais sans grand talent. Pour le moment.
Gestation gestalt.
Il s’associe au Dada hollandais, et se proclame co-président de sa branche d’Amsterdam.
La matrice, on te dit.
Devinette : qui est le Président ? Paul Citroen, forcément.
Suis un peu.

Il ouvre en 1923 une maroquinerie dans une rue commerçante, appelée la Fox Leather Company, qui trouvera sa place dans ses collages, anecdotique en apparence, fondamentale en réalité.

En 1929, son maillot de bain mal attaché, il est arrêté sur une plage pour attentat à la pudeur, ce qui remet en question son obtention de la citoyenneté hollandaise – et entraînera plus tard son internement en camp en France, pour les raisons qu’on te laisse deviner.

Trois ans après 29, installé dans de nouveaux locaux, il découvre une chambre noire et commence à photographier des clientes, des portraits comme des nus, par intérêt financier autant que technique et esthétique.

1935 : banqueroute, mais il expose ses photos à la New Art School fondée par Paul Citroen, si si la famille, avec Grosz, Man Ray, Léger et Mondrian, pour ne citer qu’eux. Il rencontre la fille de Georges Rouault, Geneviève, parisienne, qui montre ses photos dans la salle d’attente de son cabinet de dentiste, et quitte la Hollande pour devenir professionnel : elle l’aide à trouver ses premiers clients, dont son père, Carmen (le modèle du Baiser de Rodin) ou Matisse.

Blumenfeld se fait connaître par deux portraits d’Hitler. Le premier pleure des larmes de sang, le second, prémonitoire, représente un Adolf à la peau fondante, au crâne apparent, et au nez constitué d’un trou béant, une svastika brisée collé sur le front. La photographie est exposée à Paris en 1937 et provoque la fureur de l’ambassadeur allemand, qui la fera retirer.
Ce qui n’empêchera pas l’image d’être diffusée en Allemagne, l’US Army en larguant des millions de copies sur les villes teutonnes en 1943.

1936, Nu sous un voile mouillé, liée à sa découverte chez Botticelli et Cranach et pas Bo Derek, que les nus sont toujours plus nus sous un tee-shirt blanc trempé.

La même année, Le Minotaure et le Dictateur, un buste de Vénus drapé à la romaine surmonté d’une tête de veau. Source d’inspiration de L’Adoration du veau qu’en réalisera Picabia.

Des photos dans les premiers numéros de Verve et en 1938, il rencontre Cecil Beaton. Entregent, elle le met en cheville avec le Vogue français, soit la parfaite occasion de réaliser une synthèse de son intérêt pour la mode féminine et pour l’image.

[1939 + (Lisa Fonssagrives + la Tour Eiffel)] x Vogue = bingo.

Et les suiveurs, cf. Peter Lindbergh, Dior, 2008.

Photo étrangement absente du booklet des 90 ans du magazine. Booklet-instrument-cheval de Troie de la politique éditoriale clinquante, porno chic du féminin roitelet Roitfeld. Justification de mauvaise foi de son trône indéboulonnable, tentative de faire oublier la stagnation artistique d’un magazine bien loin de sa réputation passée. Les habits neufs de l’empereur, en somme. Qui ne trompent que ses sujets.
Fin d’aparté.

Arrive la deuxième boucherie mondiale, et l’internement en tant qu’étranger, donc, mais Blumenfeld se débrouille pour fuir aux Etats-Unis en 1942 et conserve pour nazis et collaborateurs français un ou deux chiots de sa chienne qu’il lâchera dans son autobiographie, Jadis et Daguerre en 1975.

New York a.k.a. la consécration. Harper’s Bazaar, Vogue (US), Life, Cosmopolitan etc. : 1950, il est le photographe le plus payé au monde. La commercialisation de son art permet la reconnaissance, on le sait depuis la Renaissance au moins.

Et aujourd’hui ? Un relatif anonymat, soit, mais une influence paroxystique, qui transpire de ses photos.

La particularité de Blumenfeld est d’avoir transposé dans l’univers commercial de la photographie de mode, toutes ses influences, qui vont du surréalisme au dadaïsme en passant par le Bauhaus et l’expressionnisme, et les peintres classiques comme Botticelli (qui lui fera dire « je me vouais, résolument, virilement, aux fétiches de ma vie : yeux, cheveux, seins, bouche »), Ingres et Matisse et ce, sans perdre de son intégrité en tant qu’artiste.
Son succès dans la mode l’empêchera pas de garder une attitude critique, grinçante à l’égard de tout ce monde-là.

On pourrait en écrire des tonnes sur les techniques et l’ingéniosité dont font preuve ses photos, grâce à ses travaux sur le développement des négatifs. En bref, tous les avatars du répertoire d’expérimentations dadaïstes mis à profit afin de s’assurer que la photographie ne soit pas une simple reproduction du réel.
Pas de l’effet pour la galerie, ni de style ni de manche, mais bien une volonté artistique, fortement marquée par la perspective expressionniste.

Des tonnes, mais le fait est que l’on ne trouvera rien. Orfèvre pour les rationalistes, magicien pour les autres, Blumenfeld c’est Midas. Il a la « touch » comme Midnight Star.

Le résultat est novateur, hyper moderne, comme cette couverture haïku de Vogue de 1950, présentant la bouche, l’œil et la mouche d’un mannequin dont le visage est fondu dans l’arrière plan, évoquant le cubisme de Picasso aussi bien que la sensualité d’une Marilyn ou la jaquette du Velvet Underground featuring Nico de Warhol : un seul élément de visage solitaire pour toute la puissance hypnotique.

L’image est toujours belle, intelligemment et radicalement composée, cadrée, mais aussi froide, d’une perfection artificielle, presque scolaire, classique, contrastant avec les effets utilisés. Elle instaure une démarcation entre l’objet et son récepteur, démarcation convenant bien à l’univers de la mode et que ne possèdent pas ses collages, violents, ironiques, narquois, colériques, provocateurs et politiques. La femme de Blumenfeld est à la fois aseptisée, artificielle et fascinante, sexuelle bien que cela ne soit presque jamais abordé frontalement, magnétique, fatale, quand bien même elle ne serait réduite qu’à une croix.

Au-delà de la photographie et du dessin, il réalise aussi des films publicitaires expérimentaux qui rappellent fortement L’Enfer (mort-né) d’Henri-Georges Clouzot. Ils jouent encore et toujours sur l’image de la femme, et portent la marque du travail de Blumenfeld : jeux de couleurs ou de négatifs surimposés, de collage, d’illusions, de courbes, de cadrage flottant, tournant, rappelant l’hypnose, d’ombres et de lumières, de réflexions et de miroirs, de formes et de déformations.

Blumenfeld, un de ces noms à connaître qui t’évitera de te branler sur n’importe quelle starlette du boîtier.
Clic claque.

T’as ton permis, j’espère?

Parce qu’il est temps d’ouvrir la saison des salons, showrooms et autres activités modesques de type homme.
On ne boycottera pas façon Godard, trainant nos bouts de lard dans des avant-bouclards qu’on espère raffinés.

Nous on sera entre deux salons, comme un bon boul’ entre deux chaises, comme un bon moustachu hésitant entre deux miradors…
Entre un Rendez-Vous équilibré chez qui nous retrouverons Our Legacy ou Dana Lee et un (capsule) pour une ambiance plus Daniel Boone avec Heritage Research ou Yuketen.

Histoire de ramener le bon gibier de cette traque acharnée.
Pas de chasse à courre, on est plutôt du genre à se balader pour ne rien rater.

On espère que ce sera moins homogène, pour nous, comme pour les acheteurs, pour cette saison Printemps/Été 2011.
Le dernier été avant 2012, date de la fin du monde et de la mode.
Pour faire le tri entre les poseurs et les faisans, les faiseurs et les faisants…

Jetez un oeil aux sites respectifs pour la liste complète des exposants et les dates.
Tout se joue autour du week-end et dans le même quartier.
Sois looké mais sois discret, évite de jouer le kéké.
Et n’oublie pas ton gilet orange pour éviter, de manière subreptice, de te faire dézinguer.
Dans ce genre d’activité, certains ont tendance à prendre le chasseur pour cible.

Et comme c’est Fashion week, on va terminer ce post avec les formes appropriées :
« Tu m’avais manqué. La bise. On se voit bientôt ».
Ou jamais, ouais.

Fin du XIXè siècle en Europe, la bourgeoisie s’amourache de sport.
Pas n’importe lesquels, vélo, tennis ou encore yachting.
Qui dit sport, dit tenue sportive, ou sportswear, tu te rappelles?

Nouvelle trinité.
Au nom de l’élégance, du pratique et du sport, amen.

Et il fallait un porte-drapeau, un porte-parole, un porte-redingote.
Et à ce sport, c’est le Royaume-Uni qui a gagné, bien soutenu par un staff technique français.

Le Royaume-Uni avait envoyé son meilleur joueur et ambassadeur, « Good old Teddy » comme l’appelait les cockneys, Albert Edouard de naissance, Prince de Galles à un mois, et Son Altesse Sérénissime à 60 ans, sous le nom d’Édouard VII.

Joueur à pédigrée.
Pas forcément athlétique, mais franc-tireur de l’élégance.

Un peu replet, il fallait adapter le drapé et le tissé.
Créateur et catalyseur de modes.

Redingote ouverte pour flatter la silhouette, pour mieux jouer avec les détails de gilet.
Pétage du dernier bouton de gilet en fin de repas, pour donner de l’aisance à la panse.
Geste simple, réfléchi.
Jeu d’allure pour style d’alors.

Et quand Édouard VII fait, l’Occident suit, au sens propre et au figuré.
Tailleurs et élégants se bousculent pour l’épier, pour le photographier, pour connaître les derniers styles, les derniers détails d’un look plus confortable.

Autre legs, le revers.
D’abord, look de joueur de cricket puis de joueur de tennis, pour finalement entrer en mondanité.
Sportswear casualisé par Édouard VII.
Deux mythes fondateurs se disputant, évidemment.
La pluie et le terrain trempé de la course d’Ascott contre l’écurie et son crottin.
Peu importe, le revers est fait.
Et l’essai est transformé.

Pantalon blanc, chaussures bicolores à Deauville ou au bord de la Tamise.
Habitude à tempérer, par respect pour la maîtresse de maison.
Car le retrousser le transforme en nids à poussières voire de boue.
Il faut donc quitter le revers dès le pallier passé.
Le style s’adapte au terrain et aux conditions.
On ne joue pas de la même façon à l’extérieur et à domicile.

Un revers, qu’il va se voir associé au pli de pantalon.
Latéral ou frontal.
Et avec forcément une histoire impliquant le Prince de Galles.
Pantalon trempé, filé à repasser, et rendu avec le fameux pli, frontal, cette fois.
Légende répondant à une autre, pas royale, cette fois, mais toujours gentilhomme.
Un oubli de pantalon, le temps d’une nuit, entre un matelas et un sommier.
Accident fortuit dont le fruit sera la fin de la poche au genou.
L’autre prince, joueur prussien, Frédéric Léopold, nourrit à son tour la légende de la poche.
Debout tout un voyage pour éviter de faire genou, d’après le Tailor & Cutter de 1898.

Le Prince de Galles est de toutes les modes et de toutes les légendes.
Il a contourné les règles pour affirmer son jeu, et le muscler.
Inventeur du fameux col HRH (His Royal Highness), un col cassé retourné grâce à l’aide d’un fameux tailleur français.
Démocratisation de la veste de chasse (et de vélo), la Norfolk, à ne pas confondre avec la Suffolk.
Adapté à son sport de prédilection.
Et lanceur d’un fameux imprimé rayé couleur craie pour le costume complet.

Devenu outil de marketing des tailleurs, fabricants et revendeurs.
Label de qualité.
« Porté par », « vu sur », et même « fumé par ».

Édouard VII consacre, tout simplement.

Icône de style pas vraiment orthodoxe.
Vie dionysiaque.
Moulin rouge, jeux d’argent et élégance pratique.
Pratiquant de la mode masculine de l’entre-deux-siècles, devenu arbitre.
MVP 1841 – 1910.

« La mode, figure de la vie.

Mais, pour concevoir le tout, l’attrait spécifiquement piquant et excitant de la mode réside dans le contraste entre son extension vaste qui embrasse tout et son caractère rapidement et fondamentalement éphémère, dans le droit à l’infidélité à son égard. Il réside dans l’étroitesse avec laquelle elle ferme un milieu déterminé et montre l’appartenance à ce milieu aussi bien comme cause de la mode que comme effet de la mode – et aussi dans la décision par laquelle elle isole ce milieu des autres. Finalement cet attrait réside dans le fait d’être porté par un milieu social qui impose à ses membres une imitation réciproque et décharge l’être singulier de toute responsabilité – éthique comme esthétique – et aussi la possibilité de produire néanmoins à l’intérieur de ces limites une nuance originale, ou bien en intensifiant les éléments de la mode, ou bien, tout autant, en les rejetant. Ainsi la mode se révèle seulement comme une réalité singulière, bien caractérisée sous ces créations diverses, dans lesquelles la finalité sociale et individuelle a objectivé les courants opposés de la vie pour leur donner les mêmes droits. »

Georg Simmel, Philosophie de la Mode, 1905.

« La mode est quelque chose de plus que ce qu’une sociologie de la distinction peut en dire. Elle est une passion collective. La culture en général est plus qu’un mécanisme différentiel, elle est la forme prestigieuse que se donne toute une société sans distinction, par un enchaînement passionnel des formes, du langage, des signes, qui est, tout en s’y enracinant, un défi à l’ordre grammatical des différences.
Il semble que nous ayons perdu cette version démiurgique de la culture, et soyons tombés dans sa version sémio- et sociologique. »

Jean Baudrillard, Cool Memories 1980-1985, Galilée.