Il y en a qui se sont coupé la barbe pour fêter ça, en attendant qu’elle repousse pour le prochain.
On parle du Bazar des Poilus.

Deux jours de beau temps, un jour de crachin parisien mais personne pour cracher dans la soupe ni au bassinet, tout le monde content on dirait.
Travail bien fait, en tout cas sensation du travail bien fait : les belles pièces, on les trouve pas sous le sabot d’un cheval.
Évidemment, les habitués du patiné sont venus à la première heure, après l’heure c’est plus l’heure, et ils ont eu bien raison, encore que les retardataires du dimanche soir ont trouvé bonheur aussi.

Une surprise : esprit safari et sahariennes boudés, ça va pourtant cartonner au prochain soleil printanier, main à couper.

Parlant Afrique, le téléphone arabe fonctionne toujours : même pour un apéro jamais annoncé, vous êtes venus, merci Franprix.
Parlant boisson, merci encore à Bionade, Aquapax et The Berry Company.

Et un merci encore plus grand au Jules & Jim.

Nous ne t’oublions pas non plus Ghislain : on n’avait jamais vu un coffre à fourrures avant, on ne mourra pas idiot comme ça.

Trop de merci si l’on continue comme ça, c’est pas le genre de la maison non plus d’être trop love sirop de MDmaman, on arrête.

À la revoyure, on vous tient au jus, de pomme sans vodka. Ou avec, mais c’est pas terrible pour travailler, votre ci-devant rédacteur l’atteste.

photos : Wilee et nbp

Marin buriné embarqué pour gérer une entité bien différente de tout ce qui a pu être fait auparavant : une PME appartenant à un géant, tout en étant indépendante, avec une raison sociale différente.
Une nouvelle façon de penser le premium d’une marque grand public.
Innovation dans la gestion pour tenter d’en assurer le succès.

Rendez-vous donc avec Maurizio Donadi, senior vice-president de Levi’s® XX et Arturo Carrero, directeur marketing d’idem, un midi de juin près de Belleville.
Un Arturo que nous avions déjà manqué l’été dernier parce que l’un de nous était arrivé en retard car trop fêtard…
Fois deux, les petits points…

Session de rattrapage donc, une discussion rapportée brute.
Mieux vaut tard que jamais.



Peux-tu nous parler un peu de ton parcours ? Comment es-tu passé d’un travail d’ouvrier sidérurgiste à senior vice-president de Levi’s® XX ?

La chance. Ce que je peux dire, c’est que mon rapport au travail est peut-être différent… J’ai eu un début difficile : après avoir été ouvrier sidérurgiste, je suis devenu manutentionnaire pour Findus. Je suis passé d’une sidérurgie à un entrepôt où la température avoisinait les -40 en plein été. Ce type d’emploi te marque à vie. Ce n’est pas un boulot de trois jours, c’est une année entière et t’as 21, 22 ans, tu réalises alors que ton dos est cassé par la chaleur et le soleil. Tu passes de trois ans et demi à forer, à travailler à -40°C et tu as l’impression que cela ne cessera jamais. Tu as 20, 21 ans et tes rêves sont brisés. Et tout ceci m’a poussé, un peu par hasard, vers le secteur de l’habillement. Là, j’ai eu l’impression d’être en vacances. Du jour au lendemain, je suis envoyé à Paris, c’est ici que j’ai commencé, en 1990, dans un entrepôt rue de Rennes. Je vivais dans un hôtel décrépit appelé hôtel Saint Sulpice, au dernier étage. C’était un hôtel-studio, studio pour certains, hôtel pour d’autres. Moi, j’ouvrais la porte de l’hôtel le samedi et le dimanche, car je ne travaillais pas le week-end, j’étais à Paris et c’était un rêve. Tout ça, je ne l’oublierai jamais. Et Arturo et mon équipe savent que mes standards au travail sont un peu hauts… ou plutôt : intenses. L’intensité est en fait ce que j’aime. Et tu sais, tout le monde ne travaille pas à la même vitesse ou avec la même intensité mais je choisis mes projets, professionnellement, en fonction de leur intensité.

Et cette intensité se traduit comment chez Levi’s® XX ?

Je pense que c’est vraiment similaire, ou alors peut-être que je vieillis… Je pense que l’intensité est la même. C’est quelque chose que tu devrais demander à mon équipe. C’est difficile de répondre s’agissant de moi-même.

Arturo : À propos de cela, je dirais que l’intensité physique dans son travail s’est transformée en une réflexion permanente. Il est une machine à idées et projets, une machine qui ne s’arrête jamais. Il pourrait être éveillé 24h par jour. Ce qui était physique est devenu mental.



L’idée sur laquelle repose Levi’s® Made & Crafted™ est « ce que serait Levi’s® si la marque débutait aujourd’hui ». À quel point est-ce difficile de travailler avec une marge de manoeuvre si importante et de prendre la distance nécessaire avec l’histoire de la marque ?

La mission de Levi’s® XX est de redonner à Levi® Strauss & Co. le statut de leader spirituel de l’American lifestyle. Levi’s® Made & Crafted™ est la marque représentant le futur de Levi’s®. C’est une compagnie qui a commencé il y a très longtemps en étant très innovatrice et qui ces vingt, trente dernières années a préféré passer l’innovation au second plan. Donc l’idée de créer une marque – mais je ne suis même pas sûr que l’expression « créer une marque » soit adaptée dans le cas de Levi’s® Made & Crafted™ -, c’est plutôt de travailler sur un projet qui a un certain nom, à l’intérieur duquel il s’agit de comprendre le lien entre héritage et innovation.

C’est une sorte de tension avec laquelle vous devez travailler…

Oui, à Amsterdam, nous avons deux marques. Il y a Levi’s® Vintage Clothing, facile à comprendre car LVC est totalement tournée vers le passé. Levi’s® Made & Crafted™ doit, elle, être tournée vers le futur, mais pas le futur comme quelque chose s’approchant de la science-fiction, le futur dans l’idée de la marque de demain. Tu regardes les gens autour de toi, au-delà de leur style personnel, le mélange, leurs personnalités, leurs forces, leurs faiblesses, leurs talents, ou leur absence de talents car beaucoup de gens dans la mode n’ont ni talent ni goût, c’est la globalité. Tu regardes dans la rue, c’est étrange, très étrange. Mais je pense que la majorité a créé un style confortable, d’une certaine façon. Ce confort est quelque chose qui fait partie du quotidien, ce n’est pas un look endimanché. Ça devrait être un style de tous les jours et de tous les instants ; certaines personnes mélangent le pratique et le confort d’une façon très intéressante. Je n’ai pas de marques qui me viennent à l’esprit mais cela pourrait être un pantalon de travail avec un beau vêtement d’extérieur, une island jacket, en gore-tex, réversible avec une capuche amovible et tu la portes avec un pantalon de charpentier.

C’est la force du sportswear…

Oui et c’est cette tension que nous devons comprendre pour Levi’s® Made & Crafted™.

La marque est donc vraiment ancrée dans le sportswear, le sportswear entendu comme un mélange des styles, quelque chose de très moderne…

Tu mélanges l’ancien et le nouveau, tu mélanges le coton avec des matériaux très techniques. Tu mélanges le domicile et le voyage. Tu mélanges du travail technique avec du sportif tout aussi technique. Tout ça est très attirant quand tu travailles sur un projet comme Levi’s® Made & Crafted™… Je ne suis pas en train de te décrire ce qu’est aujourd’hui Levi’s® Made & Crafted™, mais c’est ce vers quoi nous nous dirigeons. La marque est récente, elle n’existe que depuis quatre saisons. Nous avons jeté les fondations : de bonnes coupes, de bonnes matières, une fabrication tout en détail et une très haute qualité. C’est ce que nous aimons, mais du point de vue du style, nous évoluons à chaque nouvelle saison. Bien que nous respections le fait d’être une marque de denim, nous réussissons à penser et développer la marque comme si elle n’était pas issue du denim. Nous voulons être plus qu’une simple marque de denim. Pour les prochaines collections, la marque sera un mélange d’héritage et de moderne, d’ancien et de nouveau, d’art et de science.



Au regard de la mode d’aujourd’hui, Levi’s® Made & Crafted™, en essayant d’intégrer de nouveau le concept de modernité se démarque nettement dans l’offre actuelle, phagocytée qu’elle est par le retour aux sources…

Il y a de très belles marques que j’admire pour le courage qu’elles ont. Par exemple et en premier lieu : Visvim. Visvim a fait un très bon travail en s’inspirant des États-Unis tout en innovant. Le problème est que leurs chemises valent 730€… Je considère que Watanabe est génial mais c’est de la couture. Les deux sont très intéressants mais c’est de la mode, c’est du sportswear de luxe, c’est très cher. L’approche de Watanabe est casual. Les pantalons ne sont pas coupés normalement, les fondamentaux du stylisme sont remis en cause. Si tu travailles chez Armani où l’obsession de tous les tailleurs est l’épaule, où si l’épaule ne tombe pas comme il faut, tu es viré. Le matin, quand tu vas au travail, tu penses à l’épaule, tu vas manger des spaghetti, tu penses à l’épaule. C’est obsessionnel. Pourtant, ce n’est plus ça la bonne mode, regarde Yamamoto par exemple, il n’y a même pas d’épaule, c’est du drapé. Je sors d’Alaïa, un architecte, c’est incroyable, ce qu’il fait est particulier, c’est presque impossible à reproduire en de grandes quantités, c’est artisanal. Tout ce qu’il fait est si complexe, si spécial. Ce genre de choses est incroyable mais ils sont seulement deux ou trois dans le monde. L’influence des coupes qui ne vont pas vraiment bien – pour les hommes je parle, pour les femmes c’est un peu différent – je trouve tout cela très intéressant et nombre de ces idées, l’obsession de Visvim pour l’Amérique, Watanabe et son esprit casual, tout ça est très Levi’s®. S’il y a une entreprise dans le monde qui a bien créé le style de vie américain, c’est Levi’s®… Nous aurions pu, lors les cinquante dernières années, devenir même une maison de mode si nous l’avions voulu mais Levi’s® a décidé de ne pas faire cela et de devenir une simple entreprise de biens : volume, prix… C’est une belle opportunité.

Peut-être après Levi’s® Made & Crafted™…

(rires) Après Levi’s® Made & Crafted™… Levi’s® est la marque la plus neutre du monde, vraiment. En termes d’inspiration, ce n’est pas seulement une paire de jeans ou un 501, mais l’esprit de la compagnie, ce que la compagnie a représenté pendant les années 1930, 1940, 1950, 1960, 1970. Ce qui est génial c’est que la personne, les gens qui connaissent Levi’s ont une meilleure idée de ce qu’est Levi’s® que Levi’s® elle-même. C’est incroyable.

Tout le monde a une histoire avec Levi’s®…

Maintenant que la compagnie est en train de changer, on est en train de développer des trucs très intéressants. On n’est plus divisé par régions : l’Asie, l’Europe, l’Amérique. Maintenant, il y a une compagnie globale avec son centre de création à San Francisco, et Levi’s® XX, la division d’Amsterdam, qui est éloignée, presque expérimentale. Toutes ces choses sont très intéressantes. Il y a cinq, dix ans, Levi’s® n’était pas prêt pour une chose pareille.

Ils ont lancé Levi’s® Vintage Clothing il y a dix ans pourtant…

Ça a commencé en 1999 en tant que véritable marque, le projet avait peut-être commencé un an plus tôt. Mais pour un Levi’s® Vintage Clothing qui a duré, ils ont probablement développé vingt marques, des marques premium qui n’ont pas fonctionné.

C’était déroutant, il y a quelques années, en tant que consommateur, toutes ces marques Levi’s®. Je ne savais même plus quoi acheter…

Bien sûr.



Et maintenant, vous créez le vintage de demain, avec tout ces produits de qualité, d’autant plus avec votre parcours là-dedans (ndlr : il possédait le magasin de vintage Outlander à Miami)… Avec l’idée que quelqu’un en 2080 trouvant un de vos produits pourra se dire : « ah c’est un vêtement de la collection 2011″…

C’est l’idée. Quand tu travailles dans une catégorie plus premium, tu as le luxe de pouvoir investir dans la qualité, celle qui est à la fois dans la fabrication et dans les matières. Donc en 2080, il y a de fortes chances que tu trouves une paire de LVC qui sera en très bonne condition. Ce sera une antiquité. On achète aujourd’hui des produits des années 1950, 1940 ou 1930, l’idée de continuer à produire des vêtements qui dure longtemps est très importante. Ce que je veux dire, c’est que la durabilité est notre obsession première, nous voulons des objets qui durent vraiment longtemps. C’est donc le contraire de la mode qui a, elle, l’obligation de changer tous les six mois.

Tout dépend de quelle mode on parle, il existe encore des compagnies travaillant sur un rythme différent de celui des saisons.

Oui, il y en a cinq, peut-être six.

Vous voulez donc ralentir le rythme de la mode…

Il y en a peu qui fabriquent pour durer. Hermès est peut-être l’un d’entre eux. Ils ne sont pas beaucoup…

C’est pour cela que vous portez autant d’attention aux matières, aux coutures et aux détails…

Oui, absolument.

Comme cette chemise à col américain sur laquelle les boutons du col étaient cachés, justement…

Ce sont les détails qui rendent un objet spécial, or nous faisons en sorte de les faire bien, ou en tout cas du mieux que nous pouvons. C’est quelque chose que nous avons instauré dès le début. Lorsqu’une marque se veut premium, elle est obligée de produire de bons produits et je m’énerve à chaque fois que je vois un produit pas bien fini. Nous devons surveiller ce que nous faisons. Tu vois ce que je veux dire. Au lieu de dire : ça, c’est commercial, on va le mettre, on va le vendre. C’est bien mais c’est pas bon, c’est pas assez bien fait. On peut le faire maintenant parce que la compagnie est petite, peut-être que dans trois, quatre ans, ce sera différent. Si un jour la qualité ne suit plus, je pense pas que j’aurai envie de rester. Pour moi, la qualité est importante.



C’est une condition sine qua non. Ça revient à la vie et la matérialité du produit, au fait qu’il vieillisse particulièrement et en fonction de la personne qui le porte. C’est quelque chose que vous cultivez beaucoup avec par exemple l’arcuate qui apparaît au fur et à mesure…

On a joué un peu avec ça pour avoir une différence entre Red Tab et Levi’s® Made & Crafted™. On a développé cinq ou six paires de jeans Levi’s® Made & Crafted™ fabriquées aux US avec des coupes modernes et la couture apparente. Ils ne sont disponibles qu’aux USA pour le moment.

Car ils ne sont pas prêts pour l’arcuate caché ?

C’était un test qui s’est d’ailleurs très bien passé. On envisage donc d’importer cela en Europe. Et au Japon évidemment.

Tu penses que les Américains ne se sentent pas à l’aise avec l’arcuate caché ? Parce qu’ils ne reconnaissent pas la marque ?

Je pense que c’est une obligation pour Levi’s® d’être reconnu grâce à l’arcuate. Cela fait partie des choses à propos desquelles notre département légal est très strict : le red tab, les coutures, l’arcuate. Ce sont des choses très importantes pour notre compagnie. C’est la valeur même de la compagnie, donc on doit les continuer à les utiliser.

Donc quand vous avez décidé de cacher l’arcuate, était-ce pour faire comprendre à vos consommateurs que vous deviez le porter pour avoir enfin un vrai Levi’s® (ndlr : l’arcuate caché apparaît au fur et à mesure que la paire est portée) ?

J’ai l’impression que la question de l’arcuate a été plus difficile à présenter à l’interne qu’à l’externe. Les clients (ndlr : les magasins) disaient « oh, ok!, c’est une bonne idée » ou « j’aime pas » ou « j’achète pas, c’est pas Levi’s » mais nous avons eu très peu de réticence. À l’interne, l’équipe design, celle du développement de produits, le département légal, ça a été un peu plus difficile…

Vous avez remis en cause les fondations de Levi’s® en quelque sorte…

Oui bien sûr, on a secoué le patron, « oh non, non, non, vous ne pouvez pas faire ça ». Bien sûr que nous le pouvons.



C’est pour cette raison que Levi’s® Made & Crafted™ existe, pour défier la marque, non ?

Oui, je veux dire, ce n’est pas grave, on ne lutte pas contre le cancer. C’est intéressant de jouer un peu avec l’histoire de la marque. Le consommateur découvre aussi le projet de cette façon, c’est intéressant. Ça ressemble à une paire de jeans, petit à petit, il la reconnait. C’est le fait que ce soit intéressant de découvrir une marque, de la faire sienne. J’aime bien me dire que j’ai découvert A.P.C. il y a vingt ans. C’est intéressant aujourd’hui alors que des marques comme elles dépensent quarante mille dollars dans des campagnes de publicité pour vous faire acheter quelque chose ou pour vous faire sentir coupable de ne pas consommer. À l’inverse, il s’agit avec nous de découvrir une marque ou un projet. C’est d’une certaine façon comprendre les gens qui sont derrière la compagnie. Si tu n’es pas un mec sympa, je ne t’achèterai pas de chemise. Si tu n’es pas sympa, je n’ai pas envie de soutenir ton projet ni d’être ton ami. C’est comme ça. Et si tu as un très bon produit mais que tu n’est pas sympa, je ne veux rien avoir à faire avec toi. C’est la vie. Et si tu es sympa, j’achète et tu peux compter sur moi. C’est ce qu’une marque devrait avoir, un vraie histoire. Si ce n’est pas le cas, c’est juste du marketing.

C’est repenser tout le processus business et marketing. L’ère « Big is beautiful » est finie, les consommateurs ont changé…

Global veut dire beaucoup de local. Et je pense que “grand“ n’est rien sans beaucoup de “petit“ ensemble. Je crois que la mission que nous avons chez Levi’s® XX, pour notre division, c’est d’être sous-distribué partout dans le monde. Tant qu’on peut payer le loyer, faire de l’argent, embaucher plus et créer des produits intéressants. On a besoin de grandir ? À quel point ? Je ne sais pas. L’objectif d’une marque premium est d’être un petit peu difficile à trouver, un petit peu spécial dans un monde où « spécial » ne veut justement plus rien dire. Donc je pense que « less is more, and a lot of less could be big ». Nous ne sommes pas obligés d’utiliser les canaux traditionnels ou de faire de la pub, du marketing ni d’avoir un énorme magasin en propre. Chez Levi’s® XX, nous ne pouvons même pas nous permettre ce genre de choses en fait.

Et vous n’en avez même pas besoin…

Nous n’en avons pas besoin mais ce serait bien de faire un peu plus.

Tu as un compte sur le forum Superfuture, mais tu ne postes jamais…

Oui j’ai un compte.



Je crois que c’est le plus gros thread à propos d’une marque, plus de 1400 pages sur Levi’s® Vintage Clothing et Levi’s® et quand une marque a ça, elle n’a pas besoin de publicité. Tout le monde se partage liens, infos et points de vue, où acheter et discuter chaque produit…

Si on commence à être impliqué, on va perdre un peu de la liberté d’être en dehors. Ce n’est pas être snob, mais une fois que tu en fais partie, tu en fais partie. Cela veut dire que tu dois participer et je ne préfère pas. En fait, je ne suis même pas la bonne personne pour cela. Beaucoup de discussions sur Superfuture sont techniques, ça parle denim, matières, coutures. Je ne suis pas le meilleur pour ça. Je préfère être spectateur et apprendre un peu plutôt que dire que tel ou tel est le bon denim ou quoi que ce soit.

C’est ce qui est typique chez Levi’s®, comme tu dis, c’est neutre. C’est un canevas…

Oui, c’est un canevas. J’aime vraiment cette définition.

Et ensuite, tu fais ce que tu veux avec la marque. Il y a tellement d’experts de Levi’s®, Paul Trynka par exemple…

Oui, ces gens ont dédié beaucoup de leur temps à ce sujet. Le truc avec le denim, c’est marrant… Les matières dans les années 1920, 1930, 1940, 1950 étaient faites par Cone Mills, Caroline du Nord. Tu as une pièce avec quatre cents machines. La nuit, seules deux cents fonctionnent, les vibrations sont différentes, le sol bouge différemment, donc la matière a une densité différent. Ainsi, entre le jour et la nuit, tu as deux matières. Tu te retrouves donc avec deux paires imparfaites de jeans. Laquelle est parfaite ? Ce n’est pas à moi de le dire. C’est aussi simple que ça. Tous les gens disant que cette toile n’est pas celle de 1947… C’est presque impossible de déterminer celle qui est bonne et celle qui ne l’est pas.

Il n’y a ni bonne ni mauvaise car chaque matière a une vie propre. Il n’y a pas de bonne ou de mauvaise production…

Exactement, surtout à cette époque, où toutes les machines étaient les mêmes mais pas localisées au même endroit et tu n’obtenais même pas la même matière.

C’est pour ça que chacune vieillit différemment.

Tu penses qu’on devrait être sur Superfuture ?



Non, vous n’en avez même pas besoin. Les membres postent quatre pages par jour par eux-mêmes. Ils rédigent même des livres comme Jeans of the Old West…

Celui-ci est vraiment bien.

Oui, très spécifique, l’auteur était à votre magasin de Malibu dernièrement…

Michael Harris. Il est très fort. Il fait partie du petit groupe qui descendent encore dans les mines à la recherche de vieilleries.

Tu ne fais pas ça ?

Non, personnellement non. J’ai deux paires que je lui ai achetées, qui viennent d’une mine du Nevada, des jumelles, elles ont été trouvées ensemble.

C’est d’ailleurs ce qui est intéressant dans le livre de Lynn Downey. Chaque pantalon est différent, avec une patine racontant une certaine histoire…
Vous envisagez d’utiliser le style ou l’image de quelques personnes-clés ayant participé à créer le mythe Levi’s® comme Eddie Cochran par exemple ?

Bien sûr, on a des livres, des images, pour LVC, on jette toujours un oeil dans le rétroviseur, quelque fois pour Levi’s® Made & Crafted™ mais il n’y a rien de particulier nous servant d’inspiration, pas à ce stade. On a des images des années 1920, mineurs, cols-bleus, Easy Rider, mais tu sais, toutes les compagnies du monde ont les mêmes moodboards. Toutes les entreprises ont James Dean, Steve McQueen, Brando, ça fait partie de l’histoire américaine. C’est toujours une combinaison de différentes personnes, différentes choses. Quand je travaillais pour une autre entreprise, ils prenaient Hemingway. Hemingway est dans les bureaux de design, mais certains prennent la vie entière de Hemingway, de la pêche à la pipe et au safari. Ils passent au crible toute sa vie et développent un thème. C’est quelque chose qui se fait surtout dans les maisons de couture, de mode, mais chez Levi’s®, nous nous intéressons plus à des groupes de personnes. Ce moment pourrait être intéressant : vêtement de travail, cuir, armée. Ça pourrait nous inspirer pour un thème. C’est un canevas. Je pense à ta définition de Levi’s® comme étant un canevas, je m’en rappellerai. Je l’utiliserai car c’est neutre et tu peux commencer avec un canevas blanc et tu ajoutes ensuite différentes choses. C’est vraiment pertinent.

Merci.

Mais pour repérer les emprunts, il faut lire : on avoue, on est atteint de boulimie livresque, pathologie empêchant l’écriture fleuve. Et la diarrhée verbale aussi du coup mais ça, c’est un bon point.
Un jour, peut-être nous arrêterons et pourrons écrire tous les jours comme des glands. Pardon, grands.

En tout cas, pour l’instant, on utilise nos doigts sains pour d’autres activités que celle de réinventer le monde depuis nos claviers rétro-éclairés.
Dont celle de tourner les pages, en mouillant un peu notre majeur.
Très étorique mouvement d’ailleurs.

Mais stop, place à Paul Yonnet qui dit en plus court et universitairement mieux ce qu’on disait dans le numéro 4, tu te rappelles ?

« Sport et porter sport.

Le succès tellement visible du blue-jean a relégué au second plan une évolution, au moins aussi importante, vers le sportswear.

En France, tous deux triomphent durant la décennie soixante-dix. Globalement, en Europe, les ventes de jeans connaissent une croissance de 300% entre 1970 et 1976, pour se stabiliser dans notre pays au début des années quatre-vingt autour de 45 millions de pièces annuelles ; la grande percée du sportswear aura lieu en 1976. L’arrivée des vestes et blousons ainsi traités provoque une baisse de 25% des impers ; vêtements uniformisant dont la vente au total a diminué de plus de moitié entre 1971 et 1982, l’imper n’a pu être sauvé que par une entrée dans la mode. Quant au sportswear, il irradie et influence tous les secteurs vestimentaires : voir par exemple les créations New Man, ou bien encore l’introduction d’un pourcentage plus ou moins important de matières extensibles synthétiques dans les cotons du jean. Avec Le lycra disparaissent non seulement les mauvais petits plis involontaires, mais surtout, le jean, qui reste alors moulant, devient souple et confortable. Tels sont deux des caractères qui peuvent définir le porter sport : un porter fondamentalement non contraignant, à l’aise, décontracté, mais intégré dans la mode (tout porter décontracté ne l’est pas forcément).

En d’autres termes, l’influence du porter sport se repère bien au-delà du secteur vestimentaire se réunissant lui même sous cette appellation. Appellation incontrôlée, notoirement floue : en Grande-Bretagne, on a longtemps désigné par ce terme des vêtements spécialisés de sport ; d’Amérique nous vient la notion d’active sportswear, utilisation d’articles de sport comme vêtements dans la vie quotidienne (par exemple, les chaussures de jogging haut de gamme New Balance ou Nike) ; justement Malko Jean nous propose un « pantalon jogging en coton gratté » : c’est de l’ « easy to wear » féminin pour l’automne-hiver 1983-1984. Qu’est-ce que l’easy to wear ? Il est « à vocation intemporelle, évolue par paliers ». Autrement dit, c’est une mode à la mode par antimode, recherche de la permanence sous l’évolution. Pour l’été 1984, Levi Straus nous proposait en guise d’easy to wear une veste de travail en jean : portée avec des chaussettes Burlington et des tennis Slugger, soit typiquement du sportswear. Le sportswear féminin pour l’automne-hiver 1984-1985 ? Des tenues militaires arrangées : « La ligne, ronde, gonflante, empile gros pulls, gilets, vareuses, parkas et vestes courtes sur des jupes amples à bretelles de cantinière et des pantalons battle-dress. Des vestes-chemises, boutonnées et ceinturées à la russe, se superposent à des surjupes enfilées sur un pantalon. La souplesse des jupes et des vestes décollées redonne la féminité à ces tenues militaires, réchauffées de tissus en épais coton gratté, chiné ou mouliné, souvent ouatiné ou molletonné. »

Et puis encore : quand les professionnels du vêtement de sport d’hiver s’interrogent sur la nature des produits à offrir, ils en concluent que la clientèle souhaite, « depuis quelques saisons, le multi-usage », un « vêtement d’ailleurs sportswear souvent transformable, mi-technique, mi-mode ». Même constatation du célèbre magasin Au Vieux Campeur (Paris), dans son catalogue : les vestes de montagne, au départ conçues pour résister aux températures extrêmes, protéger des chocs et des éraflures tout en permettant l’activité physique, les vestes de montagne se sont civilisées. Elles sont d’ailleurs conçues par des stylistes. Tissus agréables (notamment toute la gamme des tissus extensibles), empiècements de couleur, facilité de nettoyage, elles sont plus souvent portées en ville. Je dirais même : vraisemblablement, portées aussi souvent en ville qu’à la campagne. Quand vient son tour, l’urbanité incluse dans ces vêtements se transporte jusque sur les pentes, au fond des bois. C’est dire que le sportswear n’est pas purement et simplement un vêtement de sport porté en ville, mais un vêtement interactif du loisir et de l’urbanisation.

Précisons justement, pour tirer conclusion du panorama d’exemples présentés, la place du sport dans les interactions constitutives du porter sport.

En premier lieu, en effet, le vêtement de sportswear trouve de moins en moins son origine dans le sport. Il se renouvelle tout autant à partir du travail et des tenues militaires : blue-jean, blouson d’aviateur, débardeur, salopette, tenue de magasinier, parka, bonnet, etc. En revanche, tous sont traités en porter sport selon notre définition précédente.

En second lieu, le porter sport – pratiquement inconnu dans la vie quotidienne avant-guerre dans l’Europe occidentale – n’est nullement une conséquence inéluctable de la pratique du sport. Aux Olympiades, les Grecs couraient complètement et obligatoirement nus. Mais porter un vêtement durant le sport ne suffit pas à faire un faire un porter sport. Actuellement, le vêtement sportif est très souvent une gêne, une arme ou une entrave technique volontaire : essayez de vivre vingt-quatre heures en tenue de compétition. Toute une part du sport moderne est d’ailleurs fondée sur le système de l’entrave volontaire, notamment par les pieds (chaussures à crampons, à pointes, semelles rigides de montage, chaussons d’escalade, chaussures cyclistes). Le porter sport, en son absence d’affectation, vient des États-Unis, spécialement de sa partie Ouest : c’est une nouvelle fois l’idée de liberté individuelle, d’absence de contrainte que nous voyons à l’œuvre et non cette idée de se déduire naturellement d’une catégorie d’activités. C’est aussi le moment de rappeler que le porter sport s’est diffusé dans la décennie soixante-dix autour de la popularisation du jogging, un de ses media principaux. Et le jogging, pratique pénétrante, voyageuse, débordante, hors zone – hors circuit –, mode justement venue des États-Unis et en rupture avec les usages sociaux athlétiques antérieurs, ne connaît – comme on l’a montré – qu’un style, le style libre. Actuellement, si le vêtement de sportswear transporte dans la quotidienneté civile le vêtement de sport, de travail et les pièces militaires, le porter sport influence tout autant… le vêtement de sport, le vêtement de travail et ces mêmes tenues militaires. Il n’est pas si loin le temps où l’inconfort, la rudesse de certains uniformes militaires passaient pour éprouver le caractère et former les hommes à vivre « à la dure ». Essayez à présent les surcombinaisons de parachutistes, souples, douillettes, confortables, un régal de non-contrainte, vous les trouverez en vente civile chez Dilidam, rue du Faubourg Saint-Denis, un magasin branché du plus branché des quartiers parisiens, celui des Halles.

Trompeur sur ses origines, et sa logique d’intervention, le porter sport apparaît depuis la guerre comme l’idée peu à peu unifiante, contaminante, éclaboussante, irradiante, de la mode vestimentaire, du « casual look » marginal des années cinquante, de l’ « oversize » généralisé des années quatre-vingt, en passant par le porter hindou des tuniques hippies, le Lycra des velours et cotons extensibles, les tricots de Sonia Rykiel, les pulls Woolmark et l’apparition des assouplisseurs de lavage. »

Paul Yonnet, Jeux, modes et masses, 1985.

Nos vieux 501.

On en a tous eu un.
Tout comme ton père et ton grand-père.
Comment faire autrement, vivre sans ?
Filiation mythique, culturellement marquée et marquante, transcendant les époques, unifiant les jeunes depuis le milieu du siècle précédent.

Pas étonnant donc que Levi’s Vintage Clothing ait édité il y a quelque temps un livre relié : 501 : the evolution of the Jean.
« The Jean » car s’il ne devait en rester qu’un comme Highlander, ce serait bien le 501, Duncan McLeod du pantalon en sergé de coton.
Triste réalité pour les autres acteurs du marché, heureuse pour la sus-mentionnée.
Le 501 est à part, au panthéon des pièces du musée des arts et traditions populaires, à côté d’une vieille bouteille Coca-Cola, face à notre marinière et notre baguette.
Braguette en boutons.

Ce livre est une sorte de diachronie illustrée, de 1890 à 2008.
Double historiographie, sur deux niveaux : macro et micro, celle produite par Levi’s et celle produite par son ancien propriétaire, leur Histoire et notre histoire.
Production en deux temps et plein de mouvements.
Une histoire de patine, interne et externe, une histoire de Westerns car le 501 est une matérialisation de l’histoire de l’Amérique et de sa culture.
On ne te résumera pas le livre ici, va chez ton revendeur LVC, tu devrais le trouver.
Support PLV.

Un livre qui fait du bien parce qu’enfin, une marque comprend comment capitaliser intelligemment sur son héritage et la culture de ses consommateurs.
Pas seulement en te balançant une chronologie ou une date de fondation.
Remettant aussi gentiment certaines pendules à l’heure tant les erreurs firent un malheur, c’est tout l’intérêt révélé d’une plume pro-domo bien renseignée, Lynn Downey, historienne et archiviste de Levi’s.
Pythie du temple san-franciscain, devinant l’histoire se cachant derrière chaque vêtement de la marque au Red Tab, reconstituant le puzzle d’une histoire brisée en 1906 : un séisme suivi d’un incendie ayant détruit la totalité des archives de Levi’s depuis sa création officielle en 1873.

Le 501 est un sujet fleuve, on pourrait vous en parler pendant des heures, vous parler de notre première paire, de notre dernière et de tout ce qui cache derrière.

Comme ces Américains que Michael R. Solomon il y a 25 ans, a rencontrés pour écrire son Deep-seated materialism: the case of Levi’s 501 jeans décrivant tout l’horizon social que pouvait incarner ce simple pantalon de coton – pantalon puits sans fond.

Dommage qu’il y ait deux erreurs historiques difficilement pardonnables : l’une confondant Jacob Davis, le vrai fabricant du pantalon sur coutil ayant pour la première fois apposé des rivets et celui ayant financé le dépôt de brevet, son fournisseur de toile, Oscar Levi-Strauss ; l’autre parlant du jeans de James Dean dans La Fureur de Vivre alors que ce dernier portait un Lee 101, car James était gentil, contrairement à Corey Allen, qui lui, méchant, portait un 501, conseil de Frank Mazzola, ancien gangster devenu monteur et acteur.

501 légendaire, comme sa toile aux origines floues : un pantalon au coton bleu indigo venant de Gênes et un sergé fait de soie et de laine venant de Nîmes. Mais comme nous le rappelait le savant Paul Trynka : « Le denim tel que nous le connaissons a été rendu possible grâce à l’invention du spinning jenny » en 1764 par un tisserand du Lancashire, « avant cela, ce n’était pas possible d’avoir un fil de coton assez résistant pour être tissé. En revanche, on ne sait pas si le denim produit en Angleterre était fait d’un fil teint et d’un autre naturel. Il y a des recherches à faire à ce sujet. Quoi qu’il en soit, ce sont les Américains, notamment la manufacture d’Amoskeag à Manchester dans le New Hampshire, qui ont développé commercialement le denim. »
Riflette entre quatre des plus gros acteurs de la Mode : France, Italie, Royaume-Uni et États-Unis ; chacun ayant son mot à dire, chacun revendiquant une pierre du monument.
Cachant un besoin d’appropriation d’un des plus gros phénomènes culturels occidentaux.

Supposition.
On présume comme Downey le fait, en scrutant les 501 qu’elle a récupérés à gauche, à droite, à l’Est d’Eden, à l’Ouest du Mississippi. Déduction grâce à la patine, ces marques du temps s’accumulant à la surface des objets, réaction chimique à l’environnement ambiant et aux activités pratiquées, à l’origine une façon pour les nobles de symboliser leur place dans la hiérarchie sociale. Pratique tombée en désuétude suite à l’avénement consumériste, mais existant toujours chez les communs des mortels qui bavent des ronds de chapeau : pas de rond, pas de consommation, pas de nouveau pantalon.
Facile équation.
Condamnés à vieillir avec et ainsi le marquer de leur condition d’ouvrier.
Fatalité.

La toile ne vient peut-être pas des USA, certes, mais nos quatre puis cinq poches rivetés sont bien nés du côté du Nevada, fabriqués pour des mineurs et des fermiers pour ensuite devenir l’uniforme de l’ouvrier et enfin celle du marginal que le marché réintégrera quelques années plus tard.
Quand on regarde nos 501, on ne voit ni ouvrier provençal, ni marin italien, on voit Brando & Cochran, icônes américano-américaines, Hollywood et Rock’n'Roll. Paul Trynka nous le confirmait : « Le cliché veut que ce soit les GIs qui aient popularisé le denim en Europe, bien sûr, il y a toujours un peu de verité derrière le mythe. Cependant, je citerais le Rock’n'Roll et Hollywood comme principales raisons. En Europe, les gamins s’ennuyaient, frustrés, réprimés, ayant envie de quelque chose de nouveau ; le modèle américain de l’adolescence est alors apparu comme ce qu’ils avaient toujours attendu, et le blue jeans en était l’uniforme. »

Nos 501, on les aime pour ça, on rouille dedans pour mieux les marquer dehors. On les associe à nos voisins américains, à leurs films, leurs artistes et leurs écrivains. On se sent rebelles contre tout, contre rien. On les patine tant bien que mal en espérant qu’un jour aussi, nos futals finiront dans les archives de Levi’s, que la personne en charge de l’histoire et des archives imaginera nos vies, ce qu’on a foutu.

Pour conclure qu’on était des branleurs de bureau le jour et la nuit des mecs, gueule ouverte dans le caniveau.
Canevas incomplet, perfectible, modeste.
Canevas made in USA.
Wabi-sabi comme principe esthétique.

À chacun son 501.

L’heure de la réaction arrive. On l’attendait mais il aura fallu quelque temps pour que se produise cette première remontée d’acné contre le déjà vieux et désormais fatigant défilé des héritiers Chasse, Pêche, Nature et Traditions anglo-saxonnes… Joie.
On jette le lumberjack, le camel, le camo, le khaki et consorts pour un uni.
Un bloc.
Un black bloc.

Depuis cinq ans, Buzz Rickson’s veut nous le faire comprendre avec la capsule William Gibson.
En faisant dans le rough & tough et produisant une version étoffée et virilisée du look de l’héroïne de Pattern Recognition, Cayce Pollard.
Cayce Pollard, une coolhunter de NYC en MA-1 Buzz Rickson’s, Levi’s, boots et tee Fruit of the Loom entièrement noirs. Cyberpunk pointue.

Nom de Guerre l’a clairement entériné, nous proposant une version plus commerciale du look cyber kepon en cet automne 2010.
Blacks in black on black. Moins rough avec des sweaters irlandais en cachemire, des vestes sport, tout en conservant le look militaire latent. Lookbook vidéo esthétiquement parfait, et on n’est pas du genre à faire des compliments.
Ça nous rappelle cette photo de Public Enemy en 1987, néo black panthers en M65. Ou de cet assistant de Patou rapportant la présentation de la collection de 1929, lorsqu’il proposa des longues jupes allant au-delà du genou : «Toutes les femmes s’agitent sur leurs chaises en tirant sur leurs jupes courtes. Déjà elles se sentent démodées». Analogie sentimentale.

Et pour finir en guise de symptômes de ce virus galopant, cette gamme justement intitulée Black Bear de Penfield dans laquelle la fameuse parka Vasson, leur mac Anoka et leur M65 sont tout simplement noirs.
TSN, si tu connais le rap français.

Sauf qu’il n’y a pas que le rap dans la vie, il y a les dandies aussi.
La première occurrence du dandysme : la beauté pure et simple en noir – et blanc, forcément.
Noir du dandy, noir de la mort et de la mélancolie qui perdurera jusqu’à la période Art Déco et qui reprendra de plus belle avec les néo-romantiques new wavers. Le noir des bourgeois afin de rester propre malgré la saleté et l’obscurité de la cité, noir encore trop cher pour la classe ouvrière.
Raison pour laquelle, en réaction et deuxième temps du mouvement, Disraeli et Wilde se mirent à la couleur afin de rompre avec l’uniforme ambiant de la classe bourgeoise de leur époque et sa vulgarisation. Réaction en chaîne.
Parenthèse fermée.

Pour en ouvrir une autre : sur la petite robe noire de Chanel. Noir omniprésent chez les couturiers dans les années 1930 et même avant, souvenir d’Odette de Crécy.
Le noir est rapidement introduit comme symbole éternel d’un chic occidental. Un éternel synchronique pour un symbole dynamique.

Moins chic et plus choc, après-guerre : Hollister.
Shocking : 4 juillet 1947, des bikers font pas très sagement la fête. Bottines noires, vestes courtes en cuir noir – mais jeans bleus, personne n’en proposant encore dans la couleur la plus sombre. « Porter un blue-jeans et des vêtements sombres était une façon de rejeter la mentalité consumériste du monde de l’Organization Man » dixit Berverly Gordon.
Soldats démobilisés et adolescents classés délinquants, mal de vivre, problèmes d’intégration, premier vrai look rebelle. Remballe tes sapes qu’on se transmet de papa en fils, différenciation claire, distinction.
Équipée de « born to lose » et pas « built to win » qui affichent à travers leur style, un mode de vie alter et marginal. Bref, achète toi une VHS de The Wild One.
Le noir dans le style pas chic va rester sur le territoire de Truman quelques années.

Vroum vroum de l’autre côté de l’Atlantique, on quitte la Harley pour une Triumph et les petites anglaises : on parle de routes, pas de filles.
Gamins et gamines gainés de cuir se mettent à sillonner les sentiers, à squatter les bars comme le Ace Café – lieu de squat dans le film The Leather Boys de 1963. Le cuir cède un petit peu de place au nouveau venu : le skaï. Version cheap, mais plus abordable pour ces gamins issus, comme leurs cousins Teds, de la classe ouvrière mais tournés vers le futur plutôt que vers l’époque édouardienne.
Le blue jeans croit y voir là un concurrent : pantalon en cuir ou en skaï noirs. Les Tone-up boys & girls donne le la. Premier total look, premier bloc noir, désolidarisé du style de rigueur.
Nous sommes à la fin des années 1950 – tu suis ou quoi ?

Dans la foulée, le rock commence à s’imposer comme la musique de jeunes, aux USA et au Royaume-Uni avec les premiers rockers.
« Rockers », mot qui n’existait pas, en fait quolibet donné à ces tone-up boys par une nouvelle jeunesse qui va arriver bientôt, les Mods. Un lazzi fièrement accepté, étiquetant un look en train de passer classique. Les Brittons vont commencer la customisation de leurs blousons, sorte de proto-kepons. Heureusement que l’ancienne génération a mis le cuir noir sur les rails de la marginalisation.

Ce total look noir avec pantalon en cuir ou en skaï chez les mecs n’ayant jamais vraiment marché, plutôt effet soufflé, contrairement à ce qu’a voulu nous faire croire William Dafoe dans The Loveless ou Peter Fonda a.k.a. Captain America dans Easy Rider.

Car il faut attendre 1959 pour voir enfin une production de grande ampleur du seul pantalon noir non classique qui percera. Là, Lee décide en effet de décliner le blue jeans dans des couleurs unies, un seul fil monochrome pour tisser ce sergé – pas du denim : des blanc, noir ou même rouge sont produits par le géant reconverti du Kansas – jusqu’en 1911, Lee était le grossiste le plus coté, ambiance Rungis. Rapidement importés à Londres, carrément moins vite à Paris.

Fruits et légumes, halles et marché, démocratisation par paliers via le jeans, le futal en cuir ou en skaï étant resté un truc de rockers, principalement jusqu’aux années 80, on verra ça plus bas.

Ici et maintenant, c’est bananes et gomina, carotte comme le pantalon et choucroute comme les filles yéyé, la culture jeune commence à cadrer le mainstream. Pop articulation.
Le black block comme nous le connaissons va enfin pouvoir se mettre en place autour d’une éternelle partie de ping-pong entre Rosbeefs et Yankees.

On repart donc là-bas, USA.
Watts, 1965, cinq jours d’émeutes dans la ville de Los Angeles. Feu à la poudre noire, personne ne s’escampe, escalade de violences sur fond de problèmes sociaux. Starter des tensions entre milieux noirs et autorités toujours blanches qui débouchera sur la création du Black Panther Party un an plus tard et à celle de l’unité Special Weapons And Tactics, SWAT. Début d’une dialectique stylistique.

Black Panthers : black is beautiful, trois-quart cuir, béret, pantalon à pinces, chemise, tout en noir, sauf pour la dernière qu’on tolère blanche. Dandysme gauchiste ?
Black bloc ou deux tons comme leurs cousins brittons du ska.
SWAT, all black version paramilitaire, noir morbide pour fort impact visuel et pas camo militaire : faut se montrer pour faire peur.

Parallèle antinomique ? Pas vraiment.

1969, année charnière, organisation de la Black Panther Militia, nom explicite, hausse des affrontements entre autorités et branche armée du parti.
La veste en cuir perd un peu de terrain dans le placard de la panthère noire mais la couleur reste.
Veste allégée, du cuir au coton et du trois quart aux M43 ou M51, il n’y a qu’une balle de fusil à canon scié… Si à notre connaissance, aucune recherche n’a été faite sur le style du BPP, on suppose que l’arrivée du paramilitaire dans le look Panther coïncide avec l’intronisation du vêtement militaire noir sur le marché civil, vêtement noir qui n’est autre que celui des équipes d’intervention urbaine. Tel le SWAT.
Simple résultat de la militarisation du mouvement, mimétisme, adoption-détournement des codes du camp d’en face ? On ne sait.
En tout cas, il est fort probable que la veste en coton soit mieux adaptée aux canicules californiennes et aux déplacements sportifs, si tu vois ce qu’on veut dire.

Appendice : le jeans, noir ou pas, est écarté de la garde-robe Black Panther. Rejet rappelant celui des musiciens de jazz, zoots ou modernistes, reprochant au denim son côté workwear et ses origines ouvrières, la sueur et la suie – ironie quand on sait le corpus péri-maoïste des Panthères.

Écarté, oui mais point trop n’en faut, car la dichotomie de style a commencé : Art Taylor, batteur de Jazz et fan de moto fut l’exception confirmant la règle. Comme le furent dès la fin des années 1950, les bandes de bikers façon Chosen Few et East Bay Dragons, gangs métisses. Parmi les premiers milieux sociaux à se serrer les coudes sans considération ethnique. Le jean noir se banalise petit à petit, et ce ne sera pas un bikers only.

Le noir pour se marginaliser ou le noir pour revendiquer le souci d’intégration.

On pourrait finir ici, fin des années 1970.
Les différentes modes marginales et rebelles sont intégrées, réinterprétées et commercialisées par le prêt-à-porter.

On revient donc sur Paris.
Avec Claude Montana. Modification de la silhouette féminine dès 1975, épaules accentuées, taille exagérée, rappel des costumes masculins américains des années 1930. Omniprésence du noir dès sa première collection.
Le noir qui restera une de ses marques de fabrique, comme une autre maison chérie ici. Rei Kawakubo avec Comme des Garçons bouleverse la perspective occidentale en proposant des silhouettes cachant le corps, noir de geai, allant à l’encontre de la Mode occidentale établie, plus de drapé que de cousu.
Opposition. Rupture de forme, qu’elle soit exagérée ou effacée.
Nous sommes en 1983 et le noir n’est pas prêt d’être délogé des podiums comme le rappelle Sonia Rykiel : «Le noir est une couleur indécente quand on la porte bien». Le noir n’est plus chic mais choque sous ces nouvelles allures baroque ou extrême-orientale après une éclipse de nuit dans les hauts lieux modeux.
Rejet des pastels prônés par Saint-Laurent ou Chloé, de l’ère disco et ses exubérances. Fini le show off.
Le culte de l’extérieur est occulté, les mânes intérieures préoccupent.

Mot-clé : romantisme. Pas celui de Novalis, une humeur souffreteuse, obsession de Satan et des profondeurs ésotériques, bric et broc à l’esthétique un peu branque parfois, bleue et noire le plus souvent, confer le chiantissime premier film de Tony Scott, Les Prédateurs avec ce groupe new wave en invité live déjà insupportable en 83 : Killing Joke.
Mais un look en tout cas, un uniforme qui se veut des cavernes occultistes, underground mais pop. Le batcave était bath.

Un look néo-romantique affilié new wave, marque de fabrique de nombreux créateurs encore aujourd’hui, dans le genre mono-stationnaires qui se posent là….
Néo-romantique n’a pas le préfixe néo pour rien, c’est du réchauffé, updaté mais déjà suranné. D’autant plus que parmi ces nouveaux lookés, beaucoup sont d’anciens parasites de la mode punk, des «posers» comme certains diraient, qui une fois le mouvement déserté se sont retrouvés nus, sans toit et toujours sans foi, à l’image d’un certain Philip Sallon.
Préférons leur plutôt les gothiques version édouardienne ou médiévale, liberté de choix, liberté de foi. Les vraies néo-romantiques, ce sont eux, version exagérée, synth pop rock, velours, lacet, maquillage et teint blafard. Caricature d’un style feu classique devenu périphérique. Piratage.

Mais on s’éloigne du black bloc vers lequel on veut t’emmener. On en était au fait que le noir règne en maître sur les années 1980, c’est la profusion et la fusion, des styles et des cultures les définissant.
Une nouvelle émane alors de l’environnement ambiant, née dans le lit de la dystopie, mélangeant technologie, économie et toxicomanie : les cyberpunks.

Marginaux d’un monde et d’un style rêvés, construits par la littérature et le cinéma. Discrétion oblige, le noir devient un élément récurrent dans le choix de la garde-robe, pas tant du hacker que du mercenaire ou du bounty hunter. Moins cuir et plus militaire que les Black Panthers, à la Molly Millions.
L’imagerie de la mort rencontre celle de l’Armée, le début de notre black bloc émerge, avec en apéro post 9/11 cette collection digérée chez Buzz Rickson’s produite dans la foulée de la publication de Pattern Recognition.
Les vêtements utilitaires pour mieux ranger ses affaires, consoles, armes, implants, etc. Toujours avoir un Smith & Wesson dans la poche arrière.
En noir pour mieux vivre sous le radar.
Réinventé par les runaways quelques années plus tard, dégradé diront certains pour en rajouter.

Un style bizarrement reflet du look anarchiste, né en Allemagne à la même époque que la new wave, fin des années 70, répondant différemment à cette nouvelle donne socio-économique : les actes et non les paroles.
Le noir et les anarchistes, longue histoire d’amour prenant racine chez les pirates, repris par les Lyonnais lors du soulèvement de 1793 puis par Paris, annonçant la Commune : «les Parisiens couvrent la ville de drapeau noir» comme le rapporte Bismarck après le défilé de ses troupes le 2 mars 1871.
Rappelle toi le logo d’Action Directe.
La montée des mouvements autonomes ne pouvait pas aller sans une cristallisation des idées autour d’un style.

Look d’action afin de ne pas être distingué pour pouvoir aller dégommer en toute tranquillité les institutions contre lesquelles ils sont opposés.
Habillés casual, en baskets pour se déplacer facilement, en cargo pour ranger les différents projectiles et en hoodie pour bien cacher leurs visages afin d’éviter les représailles.
Commence pas à nous les briser en parlant de punks à chien : lis Nozick et ses amis minarchistes, repense au nihilisme et adapte ta conception de la réalité socio-économique.

Justement, nous on s’habillerait bien en noir, pour se différencier et dégommer les néo-héritiers. On l’a toujours fait verbalement, on va peut-être commencer à parler physique.
On s’est compris.

La litote toujours, sobrement en opposition.

Chapman est une marque anglaise de tradition, manufacture implantée dans le nord de l’Angleterre, rien n’ayant changé depuis la fin du XIXè siècle.
La compagnie s’inscrit donc clairement dans la lignée des marques à Héritage. Et ce n’est pas pour nous déplaire, nous les amoureux de produits authentiques et pratiques.

Arrête de lire ces conneries : ce chapô était un pastiche d’introduction textuelle comme on en voit tant, partout et tout le temps.

On ne va pas jouer les couillons à se branler sur l’Héritage avec un grand H pour faire comme Histoire : oui, Chapman est anglais, marque de sacs pour hommes et femmes, fabrication à la main dans la même usine depuis le début à Carlisle, proche de la frontière écossaise.
Jusque là, le discours est classique, presque tout le monde a le même aujourd’hui, perroquets répétitifs.
T’sais, la mode et son problème permanent de stratégie, tous dans la brèche, et ça enfle et ça s’enfile.

Alors oui, forcément, on tirerait bien un boulet rouge sur les marques façon néo-héritage, du genre «salut, on s’est créé en 2009, on est vraiment admiratif du vêtement de travail, de l’Héritage américain et britannique».
Mais tu sais quoi, tu veux de l’Héritage? Va faire des saris et des kimonos, ça c’en est, ça fait plus de mille ans que ça n’a pas changé.
Faut arrêter, laissons les marques ayant une histoire l’utiliser à bon escient. Regard en biais vers la campagne We are all workers de Levi’s : non, nous ne sommes pas tous des cols bleus…
Saturation.

Quand nous on pense sac, on pense pas picnic dans les Moors du Yorkshire avec plaid en tartan d’un clan quelconque légué par pépé dans la besace, on veut juste un sac pour nos laptops, nos livres et nos sapes.
Voyage, voyage.
La pêche à la truite sauvage d’Écosse, on s’en branle. À la rigueur les seules qu’on essaie de pêcher, ce sont des meufs .

Bref, revenons aux sacs Chapman, et là on va te déballer un speech digne de son histoire.

Fin du XXième siècle, début du look décontracté et sport au Royaume-Uni, confer le bon vivant Edouard VII. On chasse, on joue au cricket, on pêche : sports d’époque. Le besoin de sac pour transporter le nécessaire se fait donc sentir. Les poches de la Norfolk ne suffisent plus.
1888 : John Chapman crée alors sa manufacture.

Tout est fait sur le sol britannique, aussi bien l’assemblage que le tissage ou la maroquinerie. Et rien n’a changé depuis.
Choix d’éthique à conséquences : fournisseur de Barbour pendant un temps, le contrat est rompu pour des divergences de sourcing, Barbour assemble toujours sur le sol anglais, mais a décidé de se fournir partiellement à l’étranger depuis une trentaine d’années.

Contrairement à Filson traitant ses toiles pour les rendre résistantes à l’eau, Chapman développe une toile triple couche – caoutchouc naturel intercalé entre la matière principale – imperméable. Tweed, coton ou cuir : classic shit.

Un savoir-faire qui a permis à la marque de devenir fournisseur pour des entreprises pas trop mal cotées du marché anglais : Nigel Cabourn, Paul Smith, Gieves & Hawkes….
Et en parlant cote et marché, la marque n’est plus familiale mais détenue par un vieux briscard de la City qui, après s’en être foutu plein les poches, a décidé d’investir dans les sacs.
Sèche tes larmes, tu vas t’en remettre.

Le seul truc vraiment triste de cette histoire, c’est le chef d’atelier de 58 ans qui ne trouve pas de remplaçant.
Les traditions se perdent et s’inversent : les « new » travaillistes reviennent élire une grande gueule pote des syndicats à leur tête, et David Cameron, taureau tory, a avoué avoir fumé du cannabis.

Mais contrairement à la société anglaise, les sacs Chapman, eux, n’ont pas changé, même qualité depuis 122 ans.
De la came plus vieille que Margareth Thatcher.
Or un sac, ça chope pas Alzheimer, ça dure plus longtemps.

Eddie Cochran, ça te dit quelque chose?

Carrière éclair, impact tout sauf éphémère.

Vrai artiste du Rock, pas simple belle gueule sachant jouer de la gratte et se déhancher pour les pépés.
Percussions, guitare, chant, texte, il est bon le con.
Jeune et con, avec une carrière débutant à 17 ans.
En solo, en duo avec un autre Cochran, faux frère de sang, vrai frère de rang, ou en trio avec le celui qui le lancera solo, Jerry Capehart.

Okie de talent et de coeur, à l’inverse d’un Presley trop pressé d’enfiler un costume de parvenu.
Presley, pompeur de la culture Rock noire jusqu’au bout, version aseptisée pour une Amérique blanche et sèche.
Son look dans Loving You n’est d’ailleurs pas de lui mais de l’équipe de réalisation.
Dommage pour le mythe, mais lui n’a rien choisi.
Dans la réalité, c’était plutôt le look tape-à-l’oeil-pour-que-je-te-tape-dans-le-cul.
Héritage des musiciens noirs des années 1930.
Le look travailleur n’était pas accepté.

Contrairement à M. Cochran, vrai cowboy, vrai hillbilly issu de la musique country.
Normal, donc, pour lui de se produire sur scène tout en denim et en bottines.
Attachement à ses racines, Okie un jour, Okie toujours.
Et pas n’importe quel marque de denim.
Dès 1951, à 13 ans donc, Eddie Cochran se pavane en 501.
Un 501 qu’il quittera rarement et qu’il retroussera un peu au-dessus de sa cheville, un double ourlet d’un peu plus de six centimètres.
Pas d’accroc avec la meule de cette manière.
Un 501 assorti à une veste 506.
La 506, ou Type I, première veste Levi’s datant de 1936 avec une seule poche.
La 507 Type II avec deux poches n’arrivant qu’en 1953.
Enfin si tu suis LVC, tout ça tu le sais.

Les fondations du look rockab’ sont jetées pour l’éternité, là-bas et à l’étranger.
Johnny Hallyday pour l’étranger ou Ronnie Dawson ou Duane Eddy pour les locals only.
Et pas seulement, évidemment.

Tellement Levi’s que la marque lui a rendu hommage à lui et à sa rencontre avec Sharon Sheeley.
La légende veut qu’elle portait un 501 elle aussi ce fameux soir, qui scella plus qu’une entente professionnelle.
Une publicité tournée en plein revival Rockabilly dans les eighties ciblant la gent féminine sur un fond de Summertime Blues.
Ultime hommage pour celui qui permetta à la marque d’envisager un futur plus que régional.

Mort à 21 ans en tournée à Londres.
En total look denim ou pas.
On aimerait croire que oui, en tout cas.

On est allés rencontrer le D.A. Homme de J.Crew, dans sa ville d’adoption, New York.
Un autre exilé, cette fois-ci hollandais, ayant lui aussi préféré s’en aller.
Un nominé GQ – CFDA, dessinant pour une marque pas indé.
Une première.
Un type qui fait en sorte de te simplifier la vie, en préparant ton placard pour toi, afin que tu sois subtilement bien sapé.
Docteur ès style.
Docteur ès look.
Frank Muytjens.

Aide-toi, J.Crew t’aidera.

Sachant que tu es Hollandais d’origine, comment as-tu fini par designer pour J.Crew en passant par Ralph Lauren ?

J’ai toujours été intéressé par la culture américaine, son Histoire, j’ai toujours trouvé ça fascinant. Je travaillais déjà sur le côté américain dans mon design, à l’époque où je vivais encore à Amsterdam. Je venais régulièrement ici, pour m’en inspirer et ramener cette inspiration en Hollande. Je me suis simplement dit que je ferais mieux de déménager à New-York et voir ce que je pourrais y faire. Profitant d’une opportunité, je suis arrivé à New-York en 1994 : un cheminement logique finalement pour moi. Les deux premières années, j’ai surtout fait du freelance de-ci de-là, mais rien de vraiment palpitant. Et cette opportunité de travailler chez Polo s’est présentée. J’ai commencé, je crois, en 1997. J’ai ensuite travailler pour RRL mais comme tu le sais, la marque a fermé pour quelques temps et je me suis retrouvé à faire de l’outerwear chez Polo Sports, puis je suis allé chez Blue Label.
C’était génial. Polo incarne vraiment l’héritage américain, sa culture, l’Americana. J’ai vraiment pu m’imprégner de l’histoire de ce pays, de tout ce qui gravite autour. Mais je ne dessinais que de l’outerwear, c’était très intéressant : j’étais environné de bons produits tout le temps. Mais je voulais faire plus que ça, explorer plus le style américain dans sa globalité. Et cette opportunité chez J.Crew s’est présentée en 2004, j’ai pris ma chance et je suis arrivé ici.

Qu’est-ce qui te fascine tant dans cette culture, ce style? Et surtout pourquoi celle-ci plutôt qu’une autre, comme le style britannique par exemple?

Je suis aussi intéressé par d’autres styles , d’autant plus qu’aujourd’hui ils se mélangent. J’ai toujours été fasciné par la Ruée vers l’Or, les cowboys, les indiens, la découverte d’un nouveau pays, etc. Et aussi toute l’Histoire sous nos yeux ici, cette opposition entre le hall Art Déco de l’Empire State Building et les images de la Ruée vers l’Or. C’était quelque chose qui me parlait, qui était simple à comprendre pour moi, le Nouveau Monde, pas le Vieux Continent.

Un monde plus dynamique, plus attractif ?

Oui, et surtout plus clair, je trouve. Le design des années 1950, 1960, et la façon dont toutes ces choses s’articulaient comme je te le disais. Ce n’est pas seulement l’héritage, c’est bien plus que cela.
Les USA sont plus faciles à saisir, esthétiquement parlant. L’Europe, de ce point de vue, est uniforme. Tu te balades à Paris ou à Londres, et tu ne vois pas vraiment les différences. Et c’est d’autant plus bizarre car la plupart des grands architectes européens du milieu du XXè siècle ont immigré ici. Mais je me compare pas du tout à eux, bien sûr. Il y a plus d’opportunités, c’est plus diversifié.

Quelles sont selon toi les différences entre les deux styles, celui du Vieux Continent et celui du Nouveau Monde? L’Europe est plus statique non?

Le style américain est plus authentique, plus représentatif de son héritage aussi, le denim, le vêtement de travail (ce que vous avez d’ailleurs aussi en France, et dont je m’inspire beaucoup). Toutes ces influences ici sont plus accessibles. L’Europe est trop compliquée, son héritage trop dense, il y a tellement de pays. Comprendre le style vestimentaire européen est difficile, à la fois cohérent et le contraire. Tout s’entremêle. Alors qu’ci c’est juste une seule et même Histoire, et les styles sont bien distincts.

Quand tu designes pour J.Crew, quelle est ta vision? Comment fais-tu pour intégrer toutes ces différentes influences, casual, militaire, travail, etc.?

La perspective historique est la chose la plus importante pour moi. Chaque vêtement doit avoir une certaine raison d’être, une certaine histoire. Il doit avoir une origine, ça ne peut pas être quelque chose qui sorte de nulle part. Prends un trench coat par exemple, classique : chaque détail a son explication, et quand je designe, je vais peut-être changer la matière, la taille. C’est ce qu’est la mode masculine, ou en tout cas la vision que nous en avons chez J.Crew : jouer avec des classiques, tout en restant dans un certain cadre. Il y a tellement de détails sur lesquels jouer, entre la taille, la fabrication, la couleur. Et c’est déjà beaucoup pour un homme.
C’est aussi une certaine nostalgie, j’aime toujours savoir qu’il y a une certaine histoire derrière le vêtement. Il remplit une certaine tâche, une certaine fonction. Je ne peux pas ajouter de détails inutiles, sans fonction. C’est inconcevable pour moi.

C’est peut-être justement la différence entre la Mode homme et la Mode femme : chaque détail devant être avant tout fonctionnel ?

Exactement, mon équipe cherche et ramène du vintage des quatre coins du monde, et prête attention aux détails, aux renforts, afin que le vêtement ne tombe pas en mille morceaux. Toutes ces choses auxquelles on ne pense plus finalement mais qui sont là pour remplir une certaine fonction. On se base aussi sur des catalogues mais la quasi totalité des designs se font grâce au vintage. On trouve toujours des choses nouvelles, c’est incroyable. Par exemple, je suis tombé il y a peu de temps, sur un pantalon de survêtement, des années 1920 je crois, qui a été reprisé, rapiécé, et c’est incroyable de trouver ça encore aujourd’hui, et de se dire qu’une personne ait autant tenu à conserver ce vêtement, de le réparer tant de fois. Et j’adore imaginer l’histoire derrière ça, peut-être que ça appartenait à un boxer, ou je ne sais pas.

Les traces du temps qui passe?

Oui, raconter une histoire, l’Histoire de chaque vêtement est cruciale.

À propos des marques que vous invitez, et il y en a beaucoup, comment les choisissez-vous? C’est aussi une question d’Histoire? Une question de design? Les deux?

Ça a commencé avec Red Wings. Tout le monde en portait au bureau et on se disait que ce serait génial d’en faire, mais qu’en même temps, on ne le ferait jamais aussi bien si on les développait nous-mêmes. On s’est donc dit qu’on ferait mieux de leur proposer de travailler ensemble. Et tout a commencé comme ça.
Et toutes ses marques avec qui l’on travaille – Levi’s, Baracuta, etc. – qui ont une vraie Histoire, qui ont un produit qu’elles font vraiment bien, depuis toujours et ce, sans se soucier des tendances, sans jamais le modifier. On travaille par exemple avec une usine anglaise, appelée Fox Brothers qui existe depuis le XVIIIè : ils ont toujours le même logo, occupent les mêmes bâtiments. Tellement d’Histoire et d’histoires. C’est pour ça qu’on les aime. Elles sont un peu poussiéreuses et endormies. Il faut les digger. Et quand on les met à côté des autres collaborations, des autres produits, elles reviennent un peu à la vie. Elles restent ce qu’elles sont mais en même temps, un peu « rafraîchies ».
Pour toutes nos collaborations, elles ont besoin d’avoir une histoire, que ce soit à propos de la fabrication, des matières ou autre. Par exemple, on travaille avec The Hill Side qui utilise des matières provenant du Japon et en assemblant aux USA, très authentique mais qui a seulement un an d’existence : c’est la seule marque récente avec qui nous sommes partenaires. Sinon toutes les autres sont historiques. Il y a tellement de marques qui méritent d’être redécouvertes.

Quand on entre dans un magasin J.Crew, c’est un peu comme entrer dans la caverne d’Ali Baba pour hommes : il y a tous les styles, tous les basiques pour homme, que ce soit la veste de moto, le jean, le chino, les boots, etc. Comment vous faites finalement pour conserver cette cohérence J.Crew?

Tout simplement. Pour comprendre, il y a l’importance du merchandising, que ce soit sur le site web ou en magasin. C’est J.Crew avec du Mister Freedom, avec Red Wings et tous les autres. Je ne saurais trop l’expliquer, ça marche tout simplement, c’est cohérent. C’est la façon dont on s’habille. Quand on a ouvert le Liquor Store, le but était de montrer des exemples, et non la totalité de la collection, associés avec les marques dont on parlait, et ce, d’une façon attrayante.

Comment tu définirais la ligne directrice du design de J.Crew ?

La litote, la facilité, la classe avec une certaine touche… On veut que nos vêtements s’améliorent avec l’âge, vieillissent avec celui qui les porte, et pas qu’ils soient juste saisonniers, qu’ils gagnent en charme à force d’être portés et lavés. Que finalement, ils aient leur propre histoire. C’est vraiment mon idée quand je designe.

Quelque chose de simple à porter….

C’est aussi la doublure, les détails qu’on trouve à l’intérieur du vêtement. Et c’est j’espère mieux que ce que peuvent faire nos concurrents. Les délavages sont aussi très importants : on commence d’ailleurs à avoir une certaine renommée grâce à ça. Et je pense aussi que notre consommateur ne veut pas avoir un look criard, la qualité et l’élégance sont plus importantes. Il est d’ailleurs sûrement pointu, mais discrètement, pas de façon évidente, et c’est pour cela que nos produits l’intéressent à mon avis.

Un homme intéressé par la mode, mais d’une façon masculine, dans le détail et la subtilité, comme tu dis, la facilité, une impression de désintérêt pour ton look alors que c’est tout le contraire bien sûr…

Exactement, comme si c’était la première chose que tu avais prise dans ton placard, alors que pas du tout. Et je pense aussi que dans le style, les hommes sont feignants et ont besoin de références. Notre chemise en chambray par exemple : nos clients l’ont redécouverte, ils savent comment elle est taillée, on a changé la couleur, la matière, avec les mêmes détails mais c’est toujours la même chemise, ça lui facilite le travail. C’est d’ailleurs une de nos idées à propos du style masculin : être cohérent et constant. Tu ne peux pas changer de style, de garde-robe à chaque saison, je ne pense pas qu’un homme veuille de ça, moi non en tout cas. C’est l’importance des vieilles pièces encore une fois, d’où l’attention particulière qu’on porte au délavage. De cette façon, tu as l’impression que tu as ce vêtement depuis toujours, que c’est vraiment le tien et tu sens bien dedans tout simplement. C’est un peu notre philosophie. Et notre force, c’est aussi de ne pas être cher, comme ça, ceux qui achètent nos vêtements ne vont pas trop y faire attention, à l’inverse d’un vêtement beaucoup plus cher.

Moi aussi je ne supporte pas un vêtement trop neuf, je commence vraiment à apprécier mes vêtements quand j’y vois les marques de mon utilisation. Comme pour ce jean que je porte là en ce moment.

Oui, parce que tu as travaillé pour qu’il devienne comme ça. Je sais, moi c’est pareil, celui que je porte, je l’ai depuis trois semaines et je suis content car enfin je commence à le marquer (rires).

J.Crew, c’est aussi éviter le total look…

Pour les hommes s’intéressant à la mode, c’est facile mais pour un gars plus normal, c’est moins simple de faire comprendre ce genre de choses. J’espère qu’on arrive à faire passer le message, que ce soit à travers le site Internet, le catalogue, le merchandising en magasin. On a une démarche quasi pédagogique.

C’est justement votre point fort, enseigner aux hommes comment bien s’habiller, sans vraiment avoir besoin d’y réfléchir.

D’une façon cool, avec les détails qui font la différence…. On doit être cohérent parce que les hommes sont déconcertés face à la Mode, je crois.

Comment faites-vous alors pour réinventer J.Crew à chaque saison ?, car vous travaillez sur des basiques.

On a, disons, nos fondations sur lesquels nous construisons nos collections. Et on doit effectivement innover ou rénover nos produits. C’est un processus organique. On a des pièces canevas qu’on modifie, si on peut dire. J’ai un peu de mal à m’exprimer, c’est utiliser ce qu’on a déjà et les améliorer à chaque saison, et il faut essayer encore et encore.

Recontextualiser le vêtement et voir comment alors il devrait être pour aller avec un autre : ce serait ça?

Oui, sans non plus les ancrer dans un contexte qui le rendrait trop difficile. Intégrer de nouvelles influences sans jamais être en rupture, rester dans la continuité de ce que nous avons toujours fait. C’est comme ça qu’on les améliore, je crois.

Comment vous avez pensé la ligne de l’automne prochaine?

On est dans la continuité mais on a rajouté beaucoup de militaires, ce que j’aime particulièrement, des doudounes à la Eddie Bauer, ce style camping / randonnnée. On collabore d’ailleurs avec cette marque de Seattle, Crescent Down.

Vous vous tournez vers un outerwear plus moderne ?

Oui mais toujours mélangé avec des vêtements plus classiques. On ne deviendra pas une marque pour les randonneurs.

Une question qui n’est pas directement liée à J.Crew mais plus au style masculin de façon général, comment tu différencierais le style casual du style preppy? Beaucoup parlent de preppy en ce moment, alors que c’est plus un style 1980s, tiré à quatre épingles avec tous ces détails pas fonctionnels justement.

C’est une particularité de la Côte Est en fait. J.Crew, à ses débuts, en 1983, était ancré dans ce style, mais plus du tout maintenant. Même si aujourd’hui on reprenait un élément du style preppy, comme une veste en madras, on le déformerait, le défoncerait un peu, pour que ça devienne quelque chose d’autre, pas un vêtement preppy, wasp trop propre. C’est drôle, parce que je suis européen, je n’ai donc jamais grandi dans ce milieu et je peux ainsi m’en moquer, le repenser car j’ai un point de vue d’outsider sur ça.

C’est peut-être pour ça que tu as ce poste aussi aujourd’hui, car tu es forcément plus distant vis-à-vis de ce style, tu as une perspective différente d’un Américain qui aurait évolué dans cette atmosphère, en plus d’avoir la touche européenne.

C’est vraiment restrictif comme milieu, comme style. Mais on peut vraiment en jouer. J’en parlais justement durant un design meeting, j’aimerais bien avoir un short avec plein de broderies et le délaver pour qu’elles s’abiment, qu’il y ait des trous, etc, que ce ne soit plus un vêtement preppy, que ce soit plus cool, plus sombre.

Les must-have qu’on devrait trouver dans tous les placard d’un homme?

Un bon jeans, une bonne paire de chaussures, chères (rires). Les chaussures sont importantes, que ce soit des richelieus à bouts fleuris, ou des chukkas, ou autres. Un costume couleur marine, bien ajusté. C’est vraiment important. Les chaussures sont une pièce maîtresse, ainsi qu’une bonne montre.

Question un peu stupide, mais pourquoi de nombreux types sur votre catalogue portent des t-shirts sous leurs chemises? Un réflexe qui en France par exemple ne se faisait pas du tout normalement mais qui commence à s’imposer.

Je sais pas, je me demande maintenant si je faisais pas déjà ça quand je vivais encore à Amsterdam. C’est plus propre, je trouve. C’est un accessoire désormais, que ce soit avec un t-shirt vert armée, ou autre. C’est fonctionnel à l’origine, presque un réflexe. C’est juste plus confortable, je trouve.

Merci Frank.

Dans un monde où la différenciation n’est plus que marginale, le détail est roi.
Le combat se joue sur le bouton, le revers et la chaussette.
T’as intérêt à savoir où t’approvisionner.

On vous présente donc un fournisseur de distinctions en provenance du pays nippon.

Boutons et denim.
Boucles et magazines.

Encore une fois, les habitants du Soleil Levant sont là en renfort et X-Kaijin-X ne dérogent pas à la règle.

Belle sélec’ et bon marché.

Lee Japon, Wrangler Nippon, Sugar Cane, Real McCoy’s dans ses coffres.
Mais son atout, c’est boucles et boutons, crochets et porte-clés, du détail à base de métal.

De quoi t’acheter une vieille Singer. Ou de te trouver une couturière.
Et de rajouter des chaînes à ton futal, pour te prendre pour Johnny Strabler, et aller vadrouiller en Harley, ou en , si tu sais.

Et, comme tout japonais de ce style se respectant, il fournit l’incontournable, Libre&Facile, un look book mensuel pour tes mirettes à laisser traîner bien en vue dans ton salon.

Fameuse encyclopédie recueillant tous les styles masculins modernes, que Diderot et D’Alembert n’auraient peut-être pas renié.

Avec ça, tu vas pouvoir te distinguer.
Le temps d’un mois, certes, mais c’est déjà ça.

On n’est pas partageurs chez Hell’s Kitchen. On ne file pas vraiment de bons plans, on présente pas vraiment de shops.

On garde tout pour nous, comme une sale fourmi pas trop prêteuse.

Mais on s’est dit que certaines choses étaient trop bonnes pour être conservées par notre bande de clandés.

Alors forcément, et faut pas s’étonner, c’est de l’outerwear vintage de chez nos voisins ricains.
Du Nord-Ouest pour être exact.
Un peu sale, un peu vieilli, avec un peu de « dust of humanity ».
Pour te protéger contre le froid d’un hiver pas vraiment fini.
Et tout ça, dans un coin caché d’eBay.

Tu cherches une Lee Storm Rider, une mackinaw Filson ou encore une chemise Pendleton?
Ou tu préfères le style militaire, ambiance gabardine, chemise d’officiers ou veste USAF?

Tu vas te régaler.
Et ne pas y passer ton budget vus les taros pratiqués.

Fibres & poussière.

Et le service à la clientèle est soigné, foi d’acheteur régulier.