Le nom de ce magazine suédois ne vient pas d’un jeu de lettres à la con, enlevant le « y » de chatte, pussy en anglais comme tu le sais.
Puss veut dire bisou en langue des fjords de là-bas.
Bisou… pas mal comme titre, pour un magazine de haters et affiliés.

Puisque c’est dans ce genre qu’on pourrait classer la bande d’énergumènes derrière Puss : peace oui, mais guerre au système. Derrière la farandole filmée à Woodstock réduisant le mouvement hippie à un rassemblement de jeunes nudistes donnant prise au refrain « cheveux longs, idées courtes », des petits groupes s’ingéniaient en effet à tenter de tout renverser.

On ne va pas reparler des Panthers et rester dans la cadre arty qui sied à Puss : choquer le bourgeois oui, mais bien. Chanter les odes à la libération sexuelle par exemple, une des modalités pour s’attaquer à l’ordre moral et sa triplette Travail, Famille, Patrie.
Surtout que la plupart étant de vrais bourgeois – confer Bizot, dont la fortune de papa permit le maintien du bébé Actuel puis Nova en vie longtemps – ils savaient pertinemment dans quelles plaies tourner les couteaux.

Carl Johan De Geer, une des têtes pensantes de Puss et artiste multifacial était même plus qu’un bourge, un enfant de la plus haute aristocratie suédoise, le sale gosse de la lignée, toujours capable en 2001 et parlant couteau dans la plaie, de faire un film sur les accointances nazies de la grand-mère. Au pays de la neutralité et de Raoul Wallenberg, on imagine le bordel…
De Geer, le genre à pas lâcher l’affaire.

Une affaire dont un des premiers feuilletons commença un an plus tôt que la création de Puss à la galerie Karlsson, en 1967.
Galerie épicentre – lieu de réunion de tout l’underground suédois nourri au jazz rebelle (l’installation de Don Cherry en la Suède de ces années-là n’est pas le fruit du hasard…) qui donna ses murs à notre De Geer.
Qui évidemment, en tant qu’orfèvre du bocson, ne se fit point prier pour trouver le moyen de se faire censurer ses sérigraphies.
On ne joue jamais impunément avec le drapeau national, surtout quand on le brûle, même sur papier :

Traduction en gros : profane le drapeau, refuse de porter les armes etc. « Kuken » : bite en suédois…

Cette même année 67, Bo Karlsson, bien au courant des envolées contre-culturelles et influencé par les imprimés qui leur donnaient des ailes tel The Village Voice aussi bien que l’australo-anglais Oz lança Bazaar.
Deux numéros et basta.

Mais De Geer et ses acolytes, Lars Hillersberg, Lena Svedberg – qui se suicidera à 26 ans – et d’autres encore – Leif Katz, Ulf Rahmberg et Oyvind Fahlstrom basé aux Etats-Unis – lancèrent à sa suite ce fameux Puss.
Satirique et politique, inspiré entre autres du français Siné Massacre et de l’allemand Simplicissimus.

Collage et gros battage, six années durant et vingt-quatre numéros.

La voix éteinte par le week-end, ça t’arrive ? Voix d’homme des caves et de la pitanche ayant entr’aperçu des ciels éphémères.
Voix presque muette, tout se paie.

Voix comme celle de l’intro du film American Splendor, récit mignon par rapport à la vie réelle d’Harvey Pekar.  “Le cinéma c’est mieux que la vie” comme le pensait Truffaut et comme on imagine de même notre Pekar, quand il mata sa bio sur écran…

Harvey Pekar est mort l’an dernier, en juillet, mais si tu sais pas qui c’est, on va te faire un petit coup de rétropédalage.

Pekar était employé dans un hôpital de Cleveland, plus précisément dans un sous-sol sans fenêtre où s’entassaient les dossiers à une époque où on n’avait pas encore trouvé mieux que du papier pour matérialiser notre appétit maniaque en l’archivage en tout genre.

Poste obscur que les anglophones glissent sous l’étiquette de « clerk », mot dont la définition comprend “routine administrative duties” et “accounts”.
Pas totalement comme dans Clerks le film, complètement dans l’idée d’aliénation au travail, du spleen de la laideur urbaine, des monomanies anti-vide (Pekar entassait compulsivement des disques de jazz), de l’allergie à la modernité… Banalité du mal-être.
Le mec aurait pu vivre sa vie d’américain aigri sans faire de vague mais son amitié avec un autre déjanté notoire va le faire bifurquer vers la BD.
Le prince de ce conte de fées vermoulu de l’underground américain, c’est Robert Crumb, déjà génie du Rapidograph dans les pages de tous ces fanzines psyché de la côte Ouest qu’il abhorre presque autant que les guitares électriques. Les quatre couilles vont s’associer à quatre mains dans un comic book aux contours réalistes dont Pekar écrira les histoires en s’inspirant de sa propre vie.
Récit.
Dessin.
Distribution via réseau de petites librairies spécialisées.
“Succés”.

Succès entre guillemets seulement, parce qu’au moment où sort le premier volume d’American Splendor, on est en 1976. Crumb n’a pas encore créé Weirdo et le Pulitzer de Spiegelman pour Mauss est encore loin (1992), on vous laisse donc estimer le marché d’alors de la BD “pour adultes”… En ce temps-là, on n’aurait jamais eu l’idée d’associer les mots geek et chic, les lecteurs de BD de plus de 15 ans, on les appelait plutôt des « dorks ».
Pauvres types.

Mais passons, car c’est là que ça devient intéressant cette affaire, on va rentrer dans le choc des cultures, et ça ressemble pas à Johan Sfar qui monte les marches du Palais des festivals.

La télé avait le nez creux dans ces décennies de l’entertainement déjà de masse mais pas encore systématiquement à la ramasse. Joan Rivers invitait les club kids, ce qui fait qu’on n’est pas trop étonné qu’à la fin des années 1980, le Pekar soit repéré par les péquins du network NBC pour présenter son oeuvre dans le show d’un David Letterman encore fringuant.

Letterman est presque déjà la star de son Late Night : une diction parfaite au service d’un mitraillage calibré des invités, la vanne n’est jamais loin, souvent accompagnée de ce petit rire comme en aparté de la discussion, mais tout cela reste en général très policé. Seulement, Pekar en face, malgré sa voix, n’est pas non plus la dernière des pétoires pour assaisonner verbalement ses interlocuteurs.
Ambiance…

Écartelés, les codes de la télégénie : Pekar dans un numéro honnête et vif prend à rebours la logique de l’american success et renvoie Letterman à sa naïveté et ses souliers vernis.
Non, l’auteur ne peut pas vivre de ses comics, mais dans la lumière du studio 6A du 30 Rockefeller Plaza, cette affirmation paraît presque incongrue. La situation donne lieu à une tirade assez surréaliste de Letterman qui avance que si Pekar garde son job, c’est sûrement pas pour l’argent mais plutôt pour garder contact avec la matrice de ses créations, en d’autres termes : sa vie de merde.
Sourire ironique de l’intéressé, puis tentative de discours critique sur les media, mais bon, il faudrait pas trop laisser cet énergumène incontrôlable dire n’importe quoi.

Cet extrait est un classique, un de ces “clashes marrants de la tv américaine” sauf que dire ça est un peu court.
C’est surtout un moment caractérisant une attitude symptomatique des media, dont les petits décors et la mécanique bien huilée ne souffre pas l’irruption d’une autre réalité que celle bien normée et lénifiante de la petite lucarne. Alors on trouve ça rigolo, cette “grande gueule un peu tarée”.
Si Harvey Pekar avait quelque chose à dire sur l’Amérique moderne, la télé s’en carre.

Chez NBC, on lit pas les oeuvres des invités mais on sait débusquer l’audience quand on l’a sous les yeux : Harvey Pekar est sûrement bien meilleur en bouffon télévisuel qu’en scénariste de comic books de toute façon.
Pas fous, ils ont tôt fait de proposer à leur nouveau clown triste de multiplier les apparitions en plateau. Pas lui en tant que lui-même mais sa caricature, charge au roi Letterman de s’assurer que son bouffon va suffisamment loin pour être ridicule, donc télégénique.
Sauf que Pekar joue le jeu sans en être dupe : « On some of the shows, I was doing a deliberate self-parody, and now there’s a lot of people that think I’m some sort of maniac, you know? I think that’s unfortunate — I’d rather be liked than thought of as a crazy man, but with Letterman, I’ve been in a situation where you either lay down and let him insult you or you do something about it.”

Aux petites ficelles de la manipulation sur un plateau télé, on se doute quand même que David est un chouïa plus habile que le petit clerk nerveux de Cleveland, qu’on sent d’ailleurs vite excédé dans ce costume qu’on lui a taillé. Mais bon, il est payé alors autant les débiter, les conneries, le network adore.
Entre le prolo foutraque et l’host collectionneur d’Emmy awards, difficile de distinguer dans quelle mesure les échanges sont écrits mais à certaines déclarations hors studio, on suppute que c’est pas l’amour fou.

Jusqu’à un soir de septembre 88 : Pekar prend à parti son interlocuteur en le traitant de vulgaire complice (a shill) à la solde de General Electrics, propriétaire historique de NBC. Piqué au vif, Letterman se lâche : petit baltringuage sur la garde robe de son invité puis sur American Splendor (“your little Mickey Mouse magazine”) avant de nous faire comprendre que, vraiment, ils ont bien essayé de faire une fleur à un tocard mais quand bonté d’âme n’est jamais récompensée…
La sentence est sans appel: “You’ve blown every single chance you’ve had Harvey!”.
De la confiture pour un cochon, en somme.

On pourra s’interroger sur la spontanéité de cette joute verbale mais dans le regard de l’homme en t-shirt vert, difficile de ne pas percevoir une tristesse très sèche après cette remise en place. D’autant plus que le public a choisi son camp, il acclame le roi cynique plutôt que le fou grincheux.

Pekar ce dork, clap de fin en forme de coupure pub.
Faut bien nourir la bête.

Sa relation avec Faye Dunaway le poussera même plus tard à co-produire Mommie Dearest, un échec total mais film culte.

Son talent de portraitiste est toujours aussi flagrant, la photo d’Amy Winehouse, avant explosion et désintoxication supposée, en étant un exemple.
On te laisse apprécier cette galerie de portraits, yeux grands ouverts et bouche fermée.
Merci.

« Il prenait en photos il y a soixante ans ce que nous autres photographieront dans dix ans », Solve Sundsbo.

Erwin Blumenfeld, oublié par l’histoire, qui lui a préféré Man Ray auquel il n’avait pourtant rien à envier, sinon les connexions.

1897 : naissance.
1969 : mort à Rome d’une crise cardiaque.

Bourgeoisie juive berlinoise, pas vraiment à la bonne période. Première expérience photographique à l’âge de dix ans : le Moïse de Michel-Ange, une pomme de terre à moitié pelée, une brosse à dents, un pot de chambre, son frère, un pince-nez, un corset de sa mère et une moustache.
A dada sur mon bidet pas Bourvil mais Duchamp… Autrement dit : matrice dadaïste.

Études dans une école prestigieuse à partir de 1903, interrompues à la mort de son père en 1913, la banqueroute familiale se fait sentir : Erwin devient apprenti dans un atelier de vêtements féminins.
Il fréquente Paul Citroen et le Café des Westerns apprécié des adeptes de « la projection d’une subjectivité qui tend à déformer la réalité pour inspirer au spectateur une réaction émotionnelle » et avatars du futur art dégénéré, dont ses futurs amis homies Else Lasker-Schuler et George Grosz.

Conscrit en 1917, il conduit une ambulance, mais ne deviendra pas prix Nobel de littérature. Seul rescapé de l’accident de son corbillard, il est aussi le comptable d’un bordel peuplé de syphilitiques près de la frontière belge. En 1918, emprisonné pour aspiration à la désertion, il apprend la mort de son frère lors de son retour au front.

La Hollande en nouvelle destination.
Il retrouve Paul, établi comme marchand d’art contemporain, niche peu porteuse à l’époque. Erwin est peintre du dimanche, travaille en privé sur ses collages expressionnistes et ses dessins cubo-fauvistes mais sans grand talent. Pour le moment.
Gestation gestalt.
Il s’associe au Dada hollandais, et se proclame co-président de sa branche d’Amsterdam.
La matrice, on te dit.
Devinette : qui est le Président ? Paul Citroen, forcément.
Suis un peu.

Il ouvre en 1923 une maroquinerie dans une rue commerçante, appelée la Fox Leather Company, qui trouvera sa place dans ses collages, anecdotique en apparence, fondamentale en réalité.

En 1929, son maillot de bain mal attaché, il est arrêté sur une plage pour attentat à la pudeur, ce qui remet en question son obtention de la citoyenneté hollandaise – et entraînera plus tard son internement en camp en France, pour les raisons qu’on te laisse deviner.

Trois ans après 29, installé dans de nouveaux locaux, il découvre une chambre noire et commence à photographier des clientes, des portraits comme des nus, par intérêt financier autant que technique et esthétique.

1935 : banqueroute, mais il expose ses photos à la New Art School fondée par Paul Citroen, si si la famille, avec Grosz, Man Ray, Léger et Mondrian, pour ne citer qu’eux. Il rencontre la fille de Georges Rouault, Geneviève, parisienne, qui montre ses photos dans la salle d’attente de son cabinet de dentiste, et quitte la Hollande pour devenir professionnel : elle l’aide à trouver ses premiers clients, dont son père, Carmen (le modèle du Baiser de Rodin) ou Matisse.

Blumenfeld se fait connaître par deux portraits d’Hitler. Le premier pleure des larmes de sang, le second, prémonitoire, représente un Adolf à la peau fondante, au crâne apparent, et au nez constitué d’un trou béant, une svastika brisée collé sur le front. La photographie est exposée à Paris en 1937 et provoque la fureur de l’ambassadeur allemand, qui la fera retirer.
Ce qui n’empêchera pas l’image d’être diffusée en Allemagne, l’US Army en larguant des millions de copies sur les villes teutonnes en 1943.

1936, Nu sous un voile mouillé, liée à sa découverte chez Botticelli et Cranach et pas Bo Derek, que les nus sont toujours plus nus sous un tee-shirt blanc trempé.

La même année, Le Minotaure et le Dictateur, un buste de Vénus drapé à la romaine surmonté d’une tête de veau. Source d’inspiration de L’Adoration du veau qu’en réalisera Picabia.

Des photos dans les premiers numéros de Verve et en 1938, il rencontre Cecil Beaton. Entregent, elle le met en cheville avec le Vogue français, soit la parfaite occasion de réaliser une synthèse de son intérêt pour la mode féminine et pour l’image.

[1939 + (Lisa Fonssagrives + la Tour Eiffel)] x Vogue = bingo.

Et les suiveurs, cf. Peter Lindbergh, Dior, 2008.

Photo étrangement absente du booklet des 90 ans du magazine. Booklet-instrument-cheval de Troie de la politique éditoriale clinquante, porno chic du féminin roitelet Roitfeld. Justification de mauvaise foi de son trône indéboulonnable, tentative de faire oublier la stagnation artistique d’un magazine bien loin de sa réputation passée. Les habits neufs de l’empereur, en somme. Qui ne trompent que ses sujets.
Fin d’aparté.

Arrive la deuxième boucherie mondiale, et l’internement en tant qu’étranger, donc, mais Blumenfeld se débrouille pour fuir aux Etats-Unis en 1942 et conserve pour nazis et collaborateurs français un ou deux chiots de sa chienne qu’il lâchera dans son autobiographie, Jadis et Daguerre en 1975.

New York a.k.a. la consécration. Harper’s Bazaar, Vogue (US), Life, Cosmopolitan etc. : 1950, il est le photographe le plus payé au monde. La commercialisation de son art permet la reconnaissance, on le sait depuis la Renaissance au moins.

Et aujourd’hui ? Un relatif anonymat, soit, mais une influence paroxystique, qui transpire de ses photos.

La particularité de Blumenfeld est d’avoir transposé dans l’univers commercial de la photographie de mode, toutes ses influences, qui vont du surréalisme au dadaïsme en passant par le Bauhaus et l’expressionnisme, et les peintres classiques comme Botticelli (qui lui fera dire « je me vouais, résolument, virilement, aux fétiches de ma vie : yeux, cheveux, seins, bouche »), Ingres et Matisse et ce, sans perdre de son intégrité en tant qu’artiste.
Son succès dans la mode l’empêchera pas de garder une attitude critique, grinçante à l’égard de tout ce monde-là.

On pourrait en écrire des tonnes sur les techniques et l’ingéniosité dont font preuve ses photos, grâce à ses travaux sur le développement des négatifs. En bref, tous les avatars du répertoire d’expérimentations dadaïstes mis à profit afin de s’assurer que la photographie ne soit pas une simple reproduction du réel.
Pas de l’effet pour la galerie, ni de style ni de manche, mais bien une volonté artistique, fortement marquée par la perspective expressionniste.

Des tonnes, mais le fait est que l’on ne trouvera rien. Orfèvre pour les rationalistes, magicien pour les autres, Blumenfeld c’est Midas. Il a la « touch » comme Midnight Star.

Le résultat est novateur, hyper moderne, comme cette couverture haïku de Vogue de 1950, présentant la bouche, l’œil et la mouche d’un mannequin dont le visage est fondu dans l’arrière plan, évoquant le cubisme de Picasso aussi bien que la sensualité d’une Marilyn ou la jaquette du Velvet Underground featuring Nico de Warhol : un seul élément de visage solitaire pour toute la puissance hypnotique.

L’image est toujours belle, intelligemment et radicalement composée, cadrée, mais aussi froide, d’une perfection artificielle, presque scolaire, classique, contrastant avec les effets utilisés. Elle instaure une démarcation entre l’objet et son récepteur, démarcation convenant bien à l’univers de la mode et que ne possèdent pas ses collages, violents, ironiques, narquois, colériques, provocateurs et politiques. La femme de Blumenfeld est à la fois aseptisée, artificielle et fascinante, sexuelle bien que cela ne soit presque jamais abordé frontalement, magnétique, fatale, quand bien même elle ne serait réduite qu’à une croix.

Au-delà de la photographie et du dessin, il réalise aussi des films publicitaires expérimentaux qui rappellent fortement L’Enfer (mort-né) d’Henri-Georges Clouzot. Ils jouent encore et toujours sur l’image de la femme, et portent la marque du travail de Blumenfeld : jeux de couleurs ou de négatifs surimposés, de collage, d’illusions, de courbes, de cadrage flottant, tournant, rappelant l’hypnose, d’ombres et de lumières, de réflexions et de miroirs, de formes et de déformations.

Blumenfeld, un de ces noms à connaître qui t’évitera de te branler sur n’importe quelle starlette du boîtier.
Clic claque.

Même si t’es pas un homme qui aime les hommes, tu t’es peut-être déjà marré devant les illustrations de Tom of Finland.

Tu sais, des hommes foutus comme des montagnes glissés dans des sapes faites pour des collines, possédant des braquemarts de la taille de l’avant-bras de ton petit frère de 6 ans et qui s’enfilent dans tous les sens et certainement pas comme des perles, pour le coup.

Des looks de militaires, de cavaliers, de motards ou encore de marins qui pourraient faire taire plus d’un modeux de nos jours, des icônes gay en somme.

Enfin bref, ceci n’était qu’introduction.

Si t’es un homme qui aime les femmes, ce post risque de t’intéresser, à moins que tu n’aies déjà quitté cette page pour cause d’homosexualité refoulée.
Mais attention si t’es encore là, il faut que tu sois un homme qui aime un certain type de femmes.

Des femmes du genre « Bigger is better » comme dirait Tom.
Des femmes du genre à se servir de toi comme d’un chausse-pied.
Un fan du FemDom (Female Dominance) tu dois être, pour être plus clair et concis à défaut d’être circoncis.

Car comme Tom of Finland, Namio Harukawa ne faisait pas dans la dentelle érotique, les femmes qu’il illustre sont plus que plantureuses et n’hésitent pas à étouffer en leurs fesses ou seins n’importe quel petit homme se trouvant à leur portée.

Claustrophobes s’abstenir, amateurs de gros gigots bienvenue.

Si ces images ne suffisent pas à étouffer ton masochisme alors pars vadrouiller sur la toile, les images ne manquent pas, sinon on te conseille Callipyge publié par Blanquet, enfin… si tu le trouves.

Bon app’.

La grosse blague de la semaine et peut-être du mois, c’est l’exposition à la galerie Canesso, Le Maitre de la Toile de Jeans, enfin plus que l’expo, le petit tapage médiatique qui en a suivi.
Merci Next, merci Le Monde, merci aussi à ces institutions du secteur pour relayer des informations erronées.
Grazie mille, même.

Non les Italiens n’ont pas inventé le jean, ni même les Nîmois, ni même les Anglais vendant la toile denim. Tout simplement parce que la toile que nous portons tous aujourd’hui n’a rien à voir.
Alors, il est gentil le François Girbaud dans sa préface du livre lié à l’exposition «laisser planer le doute», on se doute surtout qu’il a eu le nez fin en se disant que tout le monde tomberait dedans.
Et il a eu raison, vu que tous sont trop occupés à relayer l’information en prenant argent comptant un discours marketing.
Girbaud a sûrement lu Bernays.

Le denim n’a de gênois que la teinture utilisée par les Anglais et les Français pour l’ancien denim fait de laine et de soie.
Le denim d’aujourd’hui est un sergé de coton fait de deux couleurs, indigo et blanc.
L’indigo non plus n’est pas italien, mais indien à l’origine.
C’est légèrement différent et gênant.

Vérifier ses sources non, personne n’y a pensé.
Pourtant rien de bien compliqué, il suffit d’aller sur le site de la Fnac ou d’Amazon et de taper «Denim».
Et là, magie, un livre parmi d’autres, celui de Paul Trynka.
Un livre illustré et complet, balayant tout ce qu’il faut pour maîtriser un tantinet le sujet.
Et surtout ne plus dire de conneries.

Donc on le redit une dernière fois : le denim, le jean, c’est américain.
Et répète après nous : le denim, le jean, c’est américain.
Un point, c’est tout.

En tout cas, faudrait penser à envoyer certains en orbite.
Ça commence à être fatigant.

Après Nagaoka ici, et Foss là, on peut toujours parler par contre de Syd Mead.

Suffisamment connu pour qu’on ne s’étale pas sur son c.v. long comme l’espace-temps, ce designer issu de l’industrie automobile et ayant fait ses preuves dans de multiples domaines, notamment au Japon, sera également reconnu pour son travail sur certains films comme Star Trek, Blade Runner, Aliens ainsi que de nombreux jeux vidéo.
Inspirant peut-être même le look robotique des Daft Punk.

Plus que doué pour donner vie au futur en quelques coup de crayons, il est suffisamment sympa pour te lâcher quelques astuces ici ou encore là.
Sympa le temps d’une démo : si t’en veux plus, faudra te payer les DVD.
Business is business, Syd reste entrepreneur.

Seul bémol, Syd fait malheureusement partie de ces vendeurs de rêves qui nous faisaient croire à nous, pauvres mioches naïfs comme pas deux, qu’en l’an 2000 nous aurions tous le droit à notre tuture volante.

Salaud.

Bref, espérons au moins que les quelques images récoltées ci-dessous te permettront encore de rêver à une DeLorean que tu n’auras jamais.
On te le dit une dernière fois : elle n’existe pas.

Allez. « Live long and prosper ».

Oz. Le nom évoque Le Magicien du même nom, Judy Garland et des chaussures rouges, pour les amateurs de jolies filles et les fétichistes.
Pour les férus de géographie anglophone, c’est l’Australie aussi, évoquant culturellement et en vrac, AC/DC, INXS, Kylie, ou Dannii Minogue, parfois.

Terre de mainstream et objet de mépris.
Le pays dont quatre personnes sur cinq hors de ses frontières ignorent le nom de la capitale, a pas vraiment l’air d’être le terreau d’une culture underground, à moins qu’on soit passionné de didgeridoo.
Et pourtant, c’est ici que Oz a osé naître.

Magazine fondé en 1963 à Sidney et qui a connu une deuxième vie encore plus florissante à Londres entre 67 et 73, vie à cheval sur sa petite mort étant donné que la version australienne a survécu jusqu’en 69, selon Wikipedia (les sources se bouffent le nez sur ce coup-là).

Le rédac’ chef des deux éditions était Richard Neville, un Aussie qui voulait fonder son magazine contre-culturel. Avec lui, Martin  Sharp.
Ça te dit rien lui ? Vraiment ? Et si je te dis les pochettes de Mr Tambourine Man, Disraeli Gears et Wheels Of Fire de Cream, tu vois mieux ?

Pour la petite histoire, à Londres, ce cher Felix Dennis s’est fait les dents chez Oz avant de créer Maxim.
Aucun des membres fondateurs n’aurait, selon Neville, fait le lien entre Oz et Australie le jour du choix du nom. Ca vous flingue une accroche.

Ce bonhomme avait une paire de couilles grosses comme mon poing et s’est fait connaître en kidnappant un organisateur de festival, en en réclamant une rançon, donnée à une organisation caritative, rançon payée par un journal pour l’interviewer…
Premier coup d’essai brillant.
Autre fait d’armes : son article sur la nuit à Sidney qui relate sa visite des bordels protégés par la flicaille corrompue. Le Herald avec lequel il collabore refuse l’article qu’il refile au Daily Mirror, qui se lèche les babines à l’idée de dénoncer la censure de son concurrent et surtout du fric que ça peut rapporter à papa Murdoch. Seule ombre au tableau, l’article est anonyme.

Le premier numéro d’Oz sort plus tard accompagné d’une campagne de pub lapidaire, cheap et géniale : OZ IS A NEW MAGAZINE. Résultat : 6000 copies en trois heures, dit la légende, mais le contenu choque l’establishment frileux, le magazine est blacklisté, le Daily suspend son contrat publicitaire. Le magazine est bruyamment lancé et c’est pas fini.

Le vif du sujet : on, a.k.a l’opinion générale, considère Oz comme un magazine psychédélique, en grande partie à cause du travail de Sharp qui venait de découvrir le LSD en arrivant dans la brumeuse Angleterre.
En réalité, il s’agissait avant tout d’un gros doigt à l’establishment, tourné vers l’underground qui ne bénéficiait alors que très peu de lumière – tautologie.

Dès le début, le contenu est clairement défini, agressif, radical dans le ton et les idées, utopies gauchos, la drogue et le sexe comme libération, et puis une grosse dent contre les flics et les juges, et le système tout court, l’opposition à la guerre du Vietnam, à la censure, avec un plaidoyer constant pour la liberté de parole, d’opinion et de dess(e)in dans deux sociétés qui en manquaient cruellement.

En Australie, les Swinging Sixties avaient bien du mal à faire leur trou dans une société über conservatrice où les darons font la loi : les bars ferment à six heures, les femmes ne peuvent boire dans les bars des hôtels, négation et interdiction de la prostitution, de l’homosexualité, bref, les juges portent la calotte. Oz se fait une joie de s’attaque à tout ça.

Warren Hague, contributeur, dira en substance : « nos valeurs sont la dope, le rock’n’roll et baiser dans la rue. Nous savons ce que ça veut dire, même si les « straight » n’en ont aucune idée ». Toute personne enrôlée par le système est un « pig », un automate de la répression, sexuellement réprimé, politiquement ignorant et psychologiquement retardé, salement, puissamment, et brillamment caricaturé.
Résultat, deux procès pour obscénité qui feront la célébrité du magazine.

Le premier en deux parties, en Australie.
La première à propos d’un poème jugé trop vulgaire décrivant satiriquement les mœurs des fêtards du coin, plaidée coupable avec des condamnations en bonnes et dues formes. À cette occasion, ils gagnent le soutien de Francis James, magnat de la presse pro-free speech opposé à la guerre du Vietnam.
Du coup, à la parution du n°6, ça devient plus sérieux, à cause de la couverture peignant Neville et deux potes feignant de pisser dans une fontaine murale récemment inaugurée. Condamnés à des peines de six mois de prison, les trois sont vite soutenus par un public scandalisé et qui leur témoigne de son soutien, ce qui leur permet d’être acquittés en appel.

En Angleterre, les choses sont plus sérieuses, puisque le procès pour « conspiration en vue de corruption des mœurs publiques » est le plus long de l’histoire judiciaire anglaise.
En cause, le numéro 28, Schoolkids OZ, ironiquement rédigé par des lecteurs de 15 à 18 ans auxquels la direction a fait appel et dans lequel figure un strip de Robert Crumb sur lequel sont collés les visages de personnages du livre pour enfant Rupert the bear, l’équivalent de l’ours Paddington. C’est là que réside la tentative de corruption de la jeunesse, tentative à laquelle s’ajoute l’utilisation du service postal public pour distribuer le magazine.
Résultat de cette interprétation : les peines encourues ne connaissent pas de limites.
Premier procès des responsables : deux sont condamnés à la déportation, parce qu’Aussies, les autres de 9 à 15 mois de tôle et le Felix Dennis à un truc plus sympa, parce que selon le juge, c’était le plus con de tous. Vu sa réussite, c’était bien vite jugé.

À la fin du procès, on les conduit en cabane où on leur rase la tête, ce qui cause un bordel public encore plus grand que le procès et qui explique les perruques portées en appel.

Bel entregent des accusés évidemment, défendus par un auteur et scénariste à futur succès, John Mortimer, assisté de Geoffrey Robertson qui, pas idiot, tirera une pièce du procès, pièce adaptée par la BBC.
Beau procès et beau succès public pour les 3 soutenus par John Lennon et Yoko Ono, Lennon écrivant pour eux la chanson God Saves Us. God Saves Us oui, parce qu’il sentait, ayant déjà donné dans la blague faisant brailler la grenouille de bénitier que God Saves Oz serait mal passé aux US. Bon certes, il a chanté que la démo, sortie plus tard, pour des raisons contractuelles, mais le concept a de la gueule.

La légende, encore elle, veut que lors de l’appel, le juge ait filé 20£ à son clerc pour qu’il se rende à Soho à la pause-déjeuner et en revienne avec les pires pornos possibles. Issue de la comparution : acquittement.
Le premier procès est plus tard apparu comme une merveille démocratique, avec manipulation des jurés et témoins harcelés. La veille de l’appel, le juge aurait eu un rendez-vous secret avec les jugés, leur garantissant l’acquittement contre l’arrêt de la publication d’Oz. On ignore ce qu’ils ont répondu mais la publication a continué. Fuck ‘em, en somme.

Et en mai 2010 sortait l’adaptation des mémoires de Neville, Hippie Hippie Shake, starring Cilian Murphy et Sienna Miller.
La boucle est bouclée, l’underground sixties est over-overground.
Pour le meilleur et pour le pire.

Par contre si tu te souviens de notre post sur l’un des maîtres de l’aérographe au style ésotéro-spatio-futuriste Shusei Nagaoka alors t’es bien tombé.

Sauf que rien de nippon ici.
Mais du sang de rosbeef, celui du Britannique Chris Foss, reconnu pour l’ensemble de ses couvertures de roman de science-fiction et maître en ce genre.
Le patron des vaisseaux et autres robots futuristes, à sa façon bien à lui.

Les illustrations siglées de son « F » caractéristique ont fait rêvasser bon nombre de sci-fi fans et l’ont ainsi amené à travailler sur une série telle que Cosmos 1999 et des films comme Superman, ou d’échouer pour Alien pour lequel ses propositions ne seront malheureusement pas retenues.

L’un de ses faits d’armes majeur sera tout de même de concevoir le design des nombreux véhicules volants ou roulants pour l’adaptation cinéma du roman Dune par Alejandro Jodorowsky.
Film qui aura bénéficié aussi, au cas ou tu ne le saurais pas, de la collaboration de H.R Giger pour la conception de la planète Harkonnen et de Jean « Moebius » Giraud pour le story-board et les personnages.
S’est pas foutu de notre gueule, le Jodo.

Il semblerait donc que le fait d’avoir la tête dans les étoiles aura parfois permis à Chris Foss de les atteindre.
Du moins celles d’Hollywood.

À l’époque les Tijuana Bibles ont permis à leurs lecteurs d’oublier problèmes quotidiens et morosité le temps de leurs 8 pages à tourner.

Toujours distribuées sous le manteau, ces petites bandes dessinées au contenu plus que porno et parodiant souvent personnalités ou personnages fictifs déjà existants, s’arrachaient à l’époque si bien que l’on pouvait se demander si leur diffusion massive n’était pas le fait du crime organisé.

Les auteurs de ces Eight-Pagers, aussi appelés : Two-by-Fours, Gray-Backs, Bluesies, Jo-Jo Books, Tillie-and-Mac Books, Jiggs-and-Maggie Books, ou simplement Fuck Books restaient tout comme leur distribution : « Under-Cover ».

Très peu furent identifiés comme Doc Rankin ou encore Wesley Morse qui sera d’ailleurs aussi connu pour avoir été embauché par la firme Topps vers 1954 afin de créer Joe Bazooka et son Gang, drôle de grand écart pour celui-ci, passant d’histoires d’O à histoires pour minots.

Les traits du personnage et la touche d’humour décalé également présente dans la Tijuana Bible « Today I am a man » ci-dessous sont significatifs de son style.